"La Fuente de la Vida" de Darren Aronofsky

Quiero empezar este post mostrándoos las últimas novedades en cuanto a tráilers, pósters y demás, de manera ultra rápida. Primero aquí os dejo el póster de My Blueberry Nights, de Wong Kar Wai, con ese impresionante reparto compuesto por Rachel Weisz, Jude Law, Natalie Portman, Ed Harris y el debut de Nora Jones, la verdad es que el póster no innova pero me gusta bastante, es probable que sea porque se le da enorme protagonismo a la maravillosa Rachel Weisz, a Natalie Portman casi no la vemos por las enormes gafas que lleva pero aún así promete. La cinta de Wong Kar Wai abrirá el Festival de Cine de Cannes el próximo 16 de mayo, tengo muchísimas ganas de ver esta película, para abrir boca aquí podéis ver dos fotos promocionales de la misma, cuya protagonista es Natalie Portman. Hablando de Natalie Portman, se dice, se comenta, se rumorea que podría dirigir un documental o al menos que estará involucrada en el mismo, sobre las mujeres en el Tercer Mundo; seguro que a estas alturas de la semana ya lo habréis visto pero por si acaso os dejo unos enlaces para que veáis el espectacular e impresionante tráiler de Harry Potter y la Orden del Fénix, dirigida por David Yates, aquí en Movies Yahoo y en YouTube (para los que os pase como a mí); también el tráiler de The Golden Age, secuela de Elizabeth, película soberbiamente interpretada por Cate Blanchett que narraba los primeros años de reinado de Isabel I de Inglaterra, en esta segunda parte obviamente vuelven Cate Blanchett y Geoffrey Rush, con las incorporaciones de mi querido Clive Owen, Samanta Morton, Tom Hollander y Jordi Mollá; hasta aquí las noticias, hoy por fin os voy a hablar de La Fuente de la Vida, más conocida por The Fountain, dirigida por Darren Aronofsky, película que sabéis que llevo siguiendo hace un año y que desde Diciembre estaba esperando su estreno (iban a estrenarla en España el 6 de Diciembre, pero poco a poco la fueron retrasando), de la que incluso me quedé encantada de su novela gráfica y a la que le dedico hace meses el encabezado de este blog (un poco churro, lo sé, dentro de poco lo renovaré, si encuentro la medida que el nuevo programa acepta). Una película que ya estaba temiendo que ni siquiera la traerían a España, pero por suerte no ha sido así y ayer fue su estreno en nuestras salas y por supuesto fui a verla, ahora estoy deleitándome con su banda sonora. Cuidado hay SPOILERS.
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Ficha Técnica:
Título Original: The Fountain
Año: 2006
País: USA
Duración: 97 min
Director: Darren Aronofsky
Guión: Darren Aronofsky, basado en un argumento de Darren Aronofsky y Ari Handel
Música: Clint Mansell
Fotografía: Matthew Libatique
Montaje: Jay Rabinowitz
Diseño de producción: James Chinlund
Vestuario: Renée April
Intérpretes: Hugh Jackman, Rachel Weisz, Ellen Burstyn, Mark Margolis, Sean Patrick Thomas
Género: Ciencia- ficción / Drama
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"La fuente de la vida" es una historia de ciencia-ficción que aborda la odisea de un hombre y su lucha a través del tiempo para salvar a la mujer que ama. Desde la España del siglo XVI hasta el profundo espacio del futuro siglo XXVI, el héroe de este filme intentará encontrar el árbol de la vida, la entidad legendaria que otorga la vida eterna a aquéllos que beben su savia, para intentar salvar la vida de su esposa enferma de cáncer...

¿Y si pudieras vivir para siempre? Con este eslogan Darren Aronofsky quiere volver a llamar nuestra atención, precisamente yo ya creía que tendría que vivir para siempre para poder ver algún día La Fuente de la Vida (a partir de ahora la llamaré The Fountain), película que como habéis podido comprobar en este año he seguido de manera constante e ilusionada, que tras su estreno el 22 de Noviembre en USA se suponía que nos llegaría el 6 de Diciembre del pasado año pero no hubo ni rastro de la película, y que al final la retrasaron a Abril, semana tras semana, hasta que por fin este viernes tuvo su estreno en España. Mucho hemos "sufrido" con esta espera, ya que no era suficiente conque se retrasara, sino que en todo este tiempo las voces en contra de la película surgieron como alma que lleva el diablo, desde su estreno en el Festival de Venecia el pasado año, en el que la noticia fue que la prensa la abucheó (bastante molesto me parece que se haga eso, cuando luego gustan otras películas que, son de dudosa calidad), hasta el Festival de Sitges en la que también se proyectó (quería ir, pero me fue imposible) no supimos que a la vez que cierto sector abucheaba a Aronofsky y su película otro sector bastante importante la aplaudía, es lo que yo llamo información selectiva a gusto del consumidor. A todo esto hay que sumar que en algunos periódicos la llamen la "Película marciana del año", interesante apodo, si a esta maravilla que ha rodado Aronofsky la llamamos marciana ¿cómo vamos a llamar a los bodrios que nos llegan constantemente? es que con artículos como ese no me extraña que luego no tenga éxito comercial, yo comprendo que no es una película que puede gustarle a cualquiera, es una película rara, pero dedicarle todo un artículo de ese modo, pues en fin. Otra cosa que me chocó fue que en el cine en el que la vi (puede considerarse el más importante de aquí) había pósters de todas las películas, incluso por partida doble, excepto de The Fountain, había también de Spider-man 3, de Piratas del Caribe 3 (increíble que se puedan comprar ya las entradas), pero ni rastro del bonito póster de The Fountain; es muy complicado explicar de qué trata La Fuente de la Vida (Gracy, me lié hasta yo contándotela xD), cualquier sinopsis oficial se queda corta y no explica bien lo que abarca esta gran película, ya que su estructura es bastante compleja de entender; está dividida en tres periodos, que para nada son resultado de un viaje en el tiempo, la historia más sólida se encuentra en el siglo XXI donde Tommy Creo intenta descubrir la cura contra el cáncer para salvar a su amada esposa, Izzi, que lo padece pero que asume con total normalidad el tema de la muerte. La misma historia continúa siglos después, en el XXV, con un futurista Tommy que ha encontrado el Árbol de la Vida pero al que se le agotan los recursos y recorre el espacio en busca de Xibalbá, una nebulosa en ebullición que está a punto de morir con lo que creará vida. Paralelamente se está escribiendo un libro, The Fountain, libro en el que Izzi ha empleado sus últimos años y que se desarrolla en el siglo XVI en España, los protagonistas son la reina Isabel y el conquistador Tomás Verde, éste busca la fuente de la eterna juventud en la América colonizada, en tierra maya, para poder salvar a su amada reina; de esta forma Aronofsky quiere meterse de lleno en temas religioso-filosóficos, tratando incluso las teorías de varias religiones de fondo, pero sobre todo La Fuente de la Vida es una profunda historia de amor, de cómo el amor es capaz de inspirar a una persona a superarse a sí misma para conseguir hacer el descubrimiento de la historia e incluso de cómo el amor es capaz de hacer asimilar a alguien que va a morir, consiguiendo que no tenga ningún temor por ello; el guión original tocaba también temas como la corrupción política, ya que el personaje del Inquisidor en la película está tocado muy poco, de hecho solo aparece en una escena, cuando en la novela gráfica tiene una subtrama que es muy interesante. De esa misma forma, habiendo leído la novela gráfica resulta más fácil entender la película, ya que en cada momento te advierten de la época en la que te encuentras inmerso (tanto porque te lo dicen como porque los colores cambian), pero aquí hubo gente que no se enteró de que era el siglo XXV (no ya el siglo, sino en el futuro), y fíjate que era fácil de pillarlo con los tatuajes del personaje de Jackman; para mí La Fuente de la Vida es una película asombrosa, una maravilla que hay que ver en pantalla grande, con la que hay que conectar desde el principio, ya que sino el final resulta muy abrupto. Que a muchos no gustará es cierto, no todos tenemos los mismos gustos, pero a mí personalmente me parece magnífica, injustamente vilipendiada a los cuatro vientos. La espera ha merecido la pena.

Darren Aronofsky, a este hombre ya se le conoce en todo el mundo, porque va camino de convertirse (de hecho ya lo es) en uno de esos directores cuya genialidad le lleva a rodar películas que te posicionan claramente, o te encantan o las odias porque te parecen (permitidme la expresión) una mierda, a esto hay que sumarle que es la pareja (y padre de su primer hijo) de Rachel Weisz, con lo que trae tras de sí una corriente de odios profundos de los fans enamorados de la actriz. El newyorkino solo tiene en la actualidad tres películas en su haber, películas con las que ha conseguido desde el principio estar en el punto de mira de cualquiera que conozca mínimamente el séptimo arte. Todo comenzó en 1998, con la película Pi, (fe en el caos) rodada en blanco y negro en la que ya se forjó una magnífica colaboración con Clint Mansell que desde entonces es su compositor, además de que volvía a contar como en sus cortos de inicio con Sean Gullete. En el 2000 llegó su segunda película, la magnífica Réquiem por un Sueño, impactante y dolorosa, pero rodada con precisión e interpretada de manera excepcional por Ellen Burstyn, Jared Leto y Jennifer Connelly. Tras estas vino La Fuente de la Vida (The Fountain), que se estuvo gestando durante 6 largos y tortuosos años en los que el proyecto se cayó a pique porque los protagonistas cuando todo estaba preparado decidieron irse, con lo que la productora no quiso proporcionarle el dinero a Aronofsky. Cuando ya parecía que no iba a poder llevarse adelante el proyecto (que contaba con más de 70 millones de dólares) Aronofsky decidió trasladar su guión y su historia a una novela gráfica, con la colaboración (en las ilustraciones) de Kent Williams, que dio como resultado la fascinante y estupenda La Fuente, que me atrapó desde el primer instante. Mucho costó que se volvieran a interesar en producir la película que Aronofsky llevaba años queriendo realizar, hasta que finalmente se retomó el proyecto cinematográfico gracias al éxito que obtuvo la novela gráfica, eso sí, con un descenso considerable del presupuesto (que inicialmente era considerable) a 35 millones de dólares (que sigue siendo una pasta), así por fin Darren Aronofsky pudo filmar su ansiada película, con nuevos protagonistas y encima conoció a su mujer (eso ya parece un programa del corazón); personalmente Darren Aronofsky me parece un creador con mucha personalidad, le gusta rodar películas con su propio estilo, películas que incluso no son demasiado comprensibles a simple vista, se trata de películas en las que debes involucrarte activamente para poder comprender, para poder sentir. Y en The Fountain Aronofsky hace un gran trabajo, a muchos podrá parecerles absurda, pero a mí me parece una maravilla, compleja y porqué no presuntuosa, nadie dice que Aronofsky no busque algo, pero desde luego está contento con que la gente se divida en sectores y le odie o le quiera; aquí Darren Aronofsky trata temas filosóficos, se mete de lleno en el tema de la muerte y de la búsqueda de la inmortalidad o de la eterna juventud. Según él: "El deseo de vivir por siempre está profundamente anclado en nuestra cultura. Todos los días la gente está buscando maneras de vivir más años o sentirse más joven", por tanto el tema de la búsqueda de la vida eterna le parecía muy interesante de tratar. Se nos muestran dos puntos de vista claros sobre el tema, tenemos el de Izzi (Rachel Weisz), enferma de cáncer que no teme a la muerte, que ve la muerte como una forma de creación y que por tanto según ella no hay que temerla, y el otro está en Tommy (Hugh Jackman) que se resiste a aceptar que su mujer vaya a morir, no puede permitirlo, debe encontrar la cura para su enfermedad, la cura para la muerte, incluso podríamos decir que hay otro punto de vista que sería el del resto, que asumen que la muerte está ahí y que Izzi es feliz muriendo, porque se cree plena al albergar esperanza de creación con una simple semilla que se coloque en su tumba. Por tanto, además se atreve con otra pregunta más, que está relacionada totalmente con el tema de la muerte, si pudiéramos vivir eternamente ¿perderíamos nuestra humanidad? la humanidad que nos da el que muramos, eso lo podemos comprobar con el personaje de Tommy en el siglo XXV, como debe comprenderlo todo y terminar el libro.

Un punto enorme a favor de The Fountain son sus interpretaciones, precisamente fue a través de una de mis musas del séptimo arte, Rachel Weisz por lo que conocí y me interesé por este proyecto hace ya un año. En un principio la primera vez que el rodaje de The Fountain se iba a llevar a cabo los papeles principales los iban a interpretar Brad Pitt y Cate Blanchett, fue precisamente por la marcha de Pitt por protagonizar Troya (no hago comentarios sobre las preferencias de Pitt) por lo que el proyecto se vino abajo totalmente, ya que Blanchett se fue también y la productora dejó de confiar en Aronofsky y le paró el rodaje. Personalmente creo que el cambio ha sido para mejor; comencemos hablando de Hugh Jackman, él interpreta a Thomas Creo en el presente y en el siglo XXV y a Tomás Verde en el siglo XV. Él lleva el peso total de la película, sobre sus hombres recae el papel más complejo y más largo de la película, es un investigador que está involucrado de manera ferviente en la búsqueda de una cura contra el cáncer, que pueda salvar así a su amada esposa, Izzi, que se está muriendo. Todo ello le lleva a obsesionarse con la muerte y con el intento de encontrar la vida eterna, algo que finalmente encontrará, pero no llegará a tiempo, lo que provocará que siga viviendo eternamente hasta que comprenda que la muerte no es algo que haya que temer y a lo que haya que huir, sino que, la muerte es un cambio, la muerte como proceso de creación. Hugh Jackman es otro de esos actores que me gustan tanto, aunque comprendo que tiene una filmografía irregular y que no siempre le ha permitido dar todo el potencial que hemos podido comprobar que tiene, y como ya vimos en The Prestige, es mucho más que Lobezno (y eso que es el alma de las películas), pero es que en The Fountain hace un papel impresionante, está soberbio, es perfecto, en todas sus facetas del personaje, nos transmite sus emociones, sus sensaciones, su profundo dolor, en todo momento. Incluso se rapó el pelo para hacer la película, ahí es nada; luego tenemos a Rachel Weisz, ella es Izzi y la reina Isabel, la amada esposa de Tommy, una mujer fuerte y luchadora, padece de cáncer, un tumor que se está extendiendo y que la tiene al borde de la muerte, por ella Tommy hará lo que esté en sus manos (y lo que no) para conseguir descubrir la cura contra la enfermedad, contra la muerte, desea salvarla a toda costa, cuando ella no tiene ningún temor hacia la muerte, lo tiene asumido y es más, lo ve como un proceso de creación, un cambio hacia algo que puede convertirse en cualquier cosa (la escena del hospital en la que le dice a Tom lo del hombre que conoció en su viaje es impresionante). Además está escribiendo un libro, The Fountain, que es precisamente en el que transcurre la historia del siglo XVI, pero lo deja inacabado, quiere que el último capítulo lo termine Tommy. Sé que soy poco objetiva hablando tanto de Jackman como posiblemente incluso más de Weisz, pero es que está maravillosa, en segundo plano con respecto a Jackman, pero aún así es fabulosa (y en versión original ni te cuento). Sobre su doblaje quiero comentar algo, ya que tengo que verla doblada por lo menos que tengan la amabilidad de que la doble la misma actriz que siempre, siempre le ponen la misma voz menos esta vez, personalmente no me gusta como le va ni al personaje ni a ella, pero bueno, no se puede hacer nada, en la versión original desde luego gana enteros de manera pasmosa; en cuanto a los secundarios, son exactamente eso, secundarios bajo la luz de los dos protagonistas, pero aún así están muy bien en su papel, sobresaliendo por supuesto Ellen Burstyn, como Lillian, doctora y amiga de la pareja que intenta hacerle ver a Tommy la forma de ser de Izzi y que tiene que aceptar las cosas como son. Luego Sean Patrick Thomas y Donna Murphy como ayudantes en el laboratorio, también están bastante bien, aunque aparecen bastante poco.
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Que a Aronofsky le redujeron escandalosamente el presupuesto para rodar definitivamente The Fountain está claro, pero aún así nada ha importado en la espectacularidad de sus imágenes; visualmente es una belleza, en algunos momentos llegan a ser imágenes oníricas envueltas a su vez en una música evocadora. En cuanto a la parte del futuro, en el Espacio Exterior, el propio Darren Aronofsky dejó claro que lo que quería era unos efectos que dieran un toque original y atemporal a lo que estamos viendo, y realmente es algo impresionante, porque se trata de fotografiar microscópicas reacciones químicas producidas en una placa de Petri, por tanto se puede decir que no se realizaron estrictamente por ordenador, sino que fueron uniendo las fotografías que el inglés Peter Parks había tomado, algo verdaderamente alucinante. En la pantalla grande la verdad es que todo se ve de una manera espectacular e impresionante, hay escenas bellísimas y muy logradas; en cuanto a la banda sonora, solo me queda hacerle reverencias a Clint Mansell, que ya hizo una composición magnífica para Réquiem por un Sueño y que en The Fountain vuelve a hacerlo, es una delicia de partitura, es evocadora y en cuanto se escucha vienen a la mente los momentos más espectaculares y a la vez intimistas de la película, tiene un fragmento que es el principal y que se sucede en diferentes composiciones distintas, que a lo largo de la película son maravillosas; sobre el montaje, no esperéis ver aventuras, ni acción, por tanto rapidez en lo que estamos viendo, todo lleva su curso, igual que el tumor de Izzi, tenemos que descubrir a la vez que Tom el verdadero camino del ser humano, hay que asimilarlo, tomarlo en serio y ponerlo en práctica, y eso lleva tiempo. Además, la compleja estructura que interrelaciona las tres historias diferentes, a lo largo de la película eso está bastante bien llevado, pero cuando se acerca el final la cosa está un poco confusa, ya que intenta conectarlas todas de manera muy precipitada, lo que conlleva que si no conoces la historia te queden algunos cabos sueltos o incógnitas que resolver, hasta llegar al apoteósico final; en cuanto al diseño de producción, decorados y vestuario, también todo es muy bueno, el diseño de producción para cada una de las historias es perfecto y en cuanto a los decorados en la época de la España del siglo XV son espectaculares, el palacio de la reina Isabel tiene unos detalles impresionantes, y lo más espectacular y elaborado del vestuario sin duda es el traje del personaje de Rachel Weisz, la reina Isabel, bordado hasta la saciedad y con una precisión milimétrica, una preciosidad; el guión, también adaptado a las nuevas posibilidades económicas, con respecto al original (que se puede ver plasmado en la novela gráfica) hay algunos retoques, por ejemplo hay alguna escena que se ha tenido que eliminar, pero lo mínimo, y algunas otras por interrelacionarlas todas han sido reorganizadas en otro punto de la película que no es exactamente como en la novela gráfica, pero aún así está muy bien estructurado y prácticamente es capaz de cerrar todos los cabos, si se presta la suficiente atención, además hay frases que se quedan grabadas a fuego en la memoria.

Para mí The Fountain es una película maravillosa, asombrosa y fascinante, la larga espera desde luego ha traído buenos resultados para mí. Probablemente la película no gustará, al menos así lo han decidido los críticos profesionales, de los que solo nos han llegado las noticias negativas (como los abucheos en Venecia) y no se ha reconocido que a la par que abucheos en Venecia hubo aplausos (tuvo que llegar el Festival de Sitges para que eso saliera a la luz), pero yo os insto a que intentéis disfrutarla, que os metáis de lleno en la compleja historia y su estructura, que os deleitéis con la asombrosa y bellísima puesta en escena, incluso que lloréis con Hugh Jackman y sus personajes. Hace meses que tuve la oportunidad de adquirir y leer la novela gráfica que el propio Darren Aronofsky escribió cuando se vio contra la pared y creyendo que el proyecto ya no se llevaría a cabo, bien es cierto que se han cambiado cosas, algunas no se han realizado posiblemente porque estaba pensada con un presupuesto enormemente diferente al que al final han podido emplear, pero aún así mantiene prácticamente todo. Aronofsky ya se ha ganado mi aprobación, algo que ya consiguió con la también magnífica Réquiem por un Sueño, y es que se atreve con propuestas arriesgadas en busca de eso, amor y odio, por mi parte consigue que le adore. Y en cuanto a la interpretación Hugh Jackman y Rachel Weisz están maravillosos ambos dos, Jackman lleva el peso de la película de una manera soberbia. Quizá lo malo se encuentre cercano el final, ya que para entrelazar las tres historias Aronofsky juega un poco al despiste y de manera muy rápida, que probablemente si no hubiera leído la novela gráfica tendría varios cabos sueltos. En definitiva, para mí una película magnífica, una película en la que hay que meterse desde el principio, que trata temas filosóficos, mezcla de ciencia-ficción y drama, pero no esperéis ver aventuras ni nada parecido, muchas cosas os parecerán raras, no las entenderéis, aún así para mí vale la pena. Desde ya una de mis películas favoritas de este año, o del pasado, igual me da. (^.^)

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"What if you could live forever?"

"Así pues, Dios expulsó a Adán y Eva del jardín del Edén y puso ante él una espada de fuego para proteger el árbol de la vida"

"Todo está escrito excepto el último capítulo. Quiero que me ayudes. Termínalo"

"La muerte es una enfermedad, es como cualquier otra. Y hay una cura, una cura que yo encontraré"

"Todos estos años, todos estos recuerdos, estaban en tí"

"Mi conquistador"

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Valoración: 9'5

Diálogos y citas: "Clerks II"

Hoy cambiando un poco la temática de las críticas que tantas he estado haciendo últimamente, quiero comenzar una nueva sección, más amena y que así ayuda también a comentar escenas o momentos más concretos sin entrar en demasiados detalles. Se trata de dejaros un diálogo de una escena, el que más me haya gustado de la película. En este caso no podía elegir otro diálogo para comenzar la sección que el de Clerks II, de Kevin Smith, continuación de la también estupenda Clerks, que supuso para Smith el reconocimiento a nivel mundial con una película independiente rodada en blanco y negro (por el presupuesto) y con las mínimas localizaciones; tras 10 años volvió a retomar a sus famosos personajes (algunos de los cuales por su cuenta tuvieron su propia película) interpretados por los mismos actores, Brian O'Halloran como Dante, Jeff Anderson como Randal, Jason Mewes es Jay y el propio Kevin Smith es Bob el Silencioso, con las nuevas incorporaciones de Rosario Dawson como Becky, Jennifer Schwalbach (la esposa de Kevin Smith) interpreta a Emma la prometida de Dante y Trevor Fehrman que interpreta a Elias. A estos hay que sumarles los míticos cameos de actores amigos y habituales de Kevin Smith, como Ben Affleck y Jason Lee; la película sin llegar a ser como la Clerks original sí que es genial y mantiene ese aire original de la primera, aunque esta vez sea a todo color, aquí podéis leer la crítica que realicé en su momento de la película, y aquí os dejo el mejor diálogo de ella, un diálogo que (al igual que la escena) ya es casi antológico, además de divertidísimo:

[Elias (Trevor Fehrman) está en la caja y entra un cliente nuevo (Kevin Weisman)]
- Cliente:Hola

[Elias se cambia la gorra que lleva por la de Mooby's, mientras el cliente observa los precios]
- Elias: Bienvenido a Mooby's, ¿qué le sirvo?

- Cliente: Si... ehm...Ponme un batido doble, una de ternera con pepinillos y una ración triple de aros de cebolla. Gracias.

- Elias: [Susurrando] Un anillo para dominarlos a todos.

[El cliente que estaba sacando el dinero levanta la cabeza y mira a Elias]

- Cliente: Un anillo paraencontrarlos.

- Randal: Joder.

[Elias se saca un anillo que lleva colgado y el cliente saca uno que lleva en el bolsillo]
- Elias: Un anillo para atraerlos a todos...

- Cliente: ...Y atarlos por fin en las tinieblas.

[Los dos chocan las manos]
- Elias: ¡Sí!

- Cliente: ¡Campeón!

- Elias: ¿Cuántas veces?

- Cliente: Pues he visto 3 veces "La Comunidad", 2 "Las Torres" y 4 "El Retorno".

- Elias: 5 Veces "El Retorno".

- Cliente: ¡Vaya!

- Randal: Ya está bien cretinos. Sólo hay un "Retorno", ¿vale? Y no es de un Rey es El Retorno del Jedi.

- Cliente: Ah, un pirado de Star Wars.

- Randal: ¿Así que yo soy el pirado? Y vosotros ahí contándoos vuestras bobadas.

- Elias: Tendrá que disculparle, es un "enemigo de la Trilogía".

- Randal: Bah, ¿qué demonios le ha pasado a este mundo? Sólo hay una trilogía capullos descerebrados.

- Cliente: ¿Sabes? Quizá habría que llamar a tu amiga Padmé, por lo mucho que ama a Marioneta Skywalker. ¿No crees? [Haciendo gestos y voz de robot] Peligro, peligro, mi nombre esAnakin, mi asquerosa interpretación destrozar saga.

[Entrerisas]
- Elias: Sí, estás locoJar-Jar.

- Randal: ¿Qué yo estoy loco? Esas pelis de Hobbits sí que eran un auténtico coñazo. Solo tratan de un montón de gente andando. Tres pelis sobre gente andando hacia un puto volcán.

[Salta el mostrador, los otros clientes empiezan a mirar]
- Randal: Esta es laprimera peli. [Da cuatro pasos y se da media vuelta]. Y esta es la segunda peli [Da cuatro pasos iguales pero haciendo como que tropieza, se queda mirando y vuelve a dar pasos].

- Cliente: Se está pasando. Perdedor.

- Randal: ¿Listos para la tercera peli? [Da otros pasos más con la misma cara de alucinado, se para, hace como que lleva un anillo y como que lo tira, después hace un gesto moviendo los hombros y se vuelve].

- Otro cliente: Será cabrón.

[Randal se sienta en la barra]
- Randal: Resulta que hasta los árboles andaban en esas pelis.

- Cliente: ¿Sabes? Ya me he cansado de ti. Porque pasando de tu análisis simplista de la trilogía, El Señor de los Anillos fue un logro sin precedentes, que hasta la Academia reconoció entregándole a Peter Jackson el Oscar a la Mejor dirección. Un premio que, tu amigo George "juguetitos" Lucas nunca ha ganado y por supuesto nunca ganará. Toma.

[Elias y el cliente chocan los puños]
- Elias: Lo has machacado.

- Randal: Escuchad una cosa, si Peter Jackson hubiese querido alucinarme con esas pelis de El señor de los anillos habría acabado la tercera llevándola a su conclusión lógica y no a los 25 finales siguientes.

- Elias: ¿Y cuál es la conclusión lógica?

- Cliente: Sí colega, ilumínanos.

- Randal: Cuando el puto"Frito" ese se despierta de su pequeño coma o lo que fuera y los hobbititos están saltando sobre su cama y Sam se asoma por la puerta y le lanza esamiradita tan gay.

- Elias: Los "anillos" no Randal, di lo que quieras sobre Jesús, pero por favor no te metas con Los "anillos".

- Cliente: Voy a llevarte hasta la Comarca a patadas si no cierras no de una vez la boca.

- Randal: Chicos, esa mirada era gay. Creía que Sam iba a decirle a los hobbititos que se fueran a dar una vuelta para que pudiera acercarse a Frodo y chuparle la polla. Ese sí era un final merecedor de un Oscar.

- Cliente: Eh, capullo. No son gays. Son Hobbits.

- Randal: Y luego, para rematar el rollito entre Sam y Frodo, antes del final Sam va y vuelve a entraren el armario con su familia "hetero".

- Cliente: Te juro que... que te den.

[El cliente se pone a vomitar y Randal salta de la barra y va hacia el despacho de Becky].

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Aquí os dejo el vídeo de ese momento en YouTube, obviamente está en inglés pero se sigue perfectamente. (^.^)

Escenas: "Un mundo perfecto"

Quiero empezar este post con las imágenes de lo que puede sonar extremadamente freaky, los cómics de la 8ª temporada de la serie Buffy Cazavampiros (en la misma frase Buffy y cómic es muy freaky, lo sé xD), todavía no tienen fecha de venta en España, pero ya se han podido ver las primeras imágenes de los estadounidenses, aquí podéis verlas. Estos cómics (escritos por Joss Whedon) continúan con las andanzas de Buffy y los Scoobies tras el final de la serie televisiva en su 7ª temporada, los cómics arrancan con la 8ª y se prevé que sean 22, como los capítulos de la serie, desconozco si harán más, si dependerá del éxito que tengan o qué harán después, pero espero que nos lleguen a España. Leyendo ese pequeño comienzo entiendo lo que se ve en la 5ª temporada de Angel, en aquel capítulo en el que Angel y Spike viajan a Roma a encontrar a Buffy y eso es lo que ven, ahora se explica. Ahí os lo dejo por si os interesa; hoy os voy a hablar de la película Un mundo perfecto (A Perfect World) dirigida por mi admirado Clint Eastwood. Ya he dicho muchísimas veces que Clint Eastwood es uno de mis directores favoritos (concretamente es mi favorito sobre los demás), y concretamente Un mundo perfecto es una de sus películas más infravaloradas, a pesar de que para mí es una de sus tantas casi obras maestras perfectas como director. A nivel de director la fama empezó a llegarle a Clint con la interesante película Bird, protagonizada por un magistral Forest Whitaker interpretando al intérprete de jazz Charlie Parker, con la que ganó el Globo de Oro al mejor director. Tras esa vino la magistral Sin Perdón, con la que revitalizó (y de qué manera) el western en los años 90, película que le reportó el Oscar a Mejor director y Mejor película, por primera vez en su carrera. Tras esta vino Un mundo perfecto, que pasó sin pena ni gloria, cuando es una película también casi perfecta. Después vinieron algunos clásicos como Los puentes de Madison, tras ésta la correcta pero altamente interesante Poder Absoluto, la intensa Medianoche en el jardín del bien y del mal, la bastante bien hecha y para mí buena Ejecución inminente y la divertida Space Cowboys. A partir de ahí llegó otra época, con la impresionante y magnífica Mystic River volvió a estar nominado a los Oscar y brindarles a sus actores principales los grandes premios, tras ella llegó la gloria con la también prácticamente perfecta Million Dollar Baby, consiguiendo todos los premios gordos a excepción del Mejor guión. Y este año su díptico sobre Iwo Jima, con la maravillosa Cartas desde Iwo Jima la visión japonesa, y la buena pero inferior Banderas de nuestros padres, en las que pudimos comprobar como dominaba también el tema bélico, y volvía a estar nominado a los Oscar, pero se fue prácticamente de vacío en el año Scorsese. Ahora prepara su nueva película, que podremos ver el año que viene en los cines, de la que todavía no se sabe demasiado pero que llevará por título The Changeling, y que protagonizará (por mucho que me pese) Angelina Jolie; del guión se encargó John Lee Hancock, que escribió también el guión de Medianoche en el jardín del bien y del mal; protagonizada por Kevin Costner (Bailando con lobos, JFK: Caso abierto) como Robert "Butch" Hayes, Clint Eastwood (Million Dollar Baby, Sin Perdón) como el Jefe de los Rangers de Texas Red Garnett, Laura Dern (Inland Empire, Lonely Hearts) como Sally Gerber y T.J Lowther (The Lond Road Home) es Phillip 'Buzz' Perry, entre otros; como dato curioso decir que Clint Eastwood no pensaba actuar inicialmente en la película, pero Kevin Costner le convenció, que a su vez tampoco era el que en principio Eastwood tenía pensado para interpretar a Butch, sino que era Denzel Washington; aquí os dejo mis momentos favoritos y mis impresiones generales sobre la película, hay SPOILERS sobre el final de la película.
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Qué difícil es escoger unos momentos de esta película casi perfecta de mi querido Clint Eastwood, pero allá van los que en definitiva más me gustan; la escena comienza con Butch Haynes (Kevin Costner) mirando al horizonte de la carretera por la que él y Buzz quieren escapar en el coche, es una carretera que empezaron hace 20 años pero que nunca fue terminada. Deben tomar una decisión, Buzz (T.J. Lowther) sale del coche y se coloca al lado de Butch imitando la posición que éste tiene. No pueden seguir hacia delante por esa carretera y depende del pequeño Buzz qué es lo que harán ahora, pueden regresar o pueden ir a un mundo mejor, que puede encontrarse en Alaska. Para eso Butch le enseña una postal a Buzz, es una bonita imagen de un lago en Alaska, su padre le envió aquella postal y él siempre ha querido ir allí. Buzz está dispuesto a escuchar la propuesta que Haynes le pueda ofrecer, pero deberán andar 2000 Km para poder llegar a su destino, a lo que Buzz responde con cara de sorpresa y como diciendo que es imposible. No les quedan casi provisiones, en la bolsa de papel ya no hay más que una soda, chicle y una chocolatina. Butch se enciende un cigarrillo y le dice a Phillip que le siga, coge al pequeño y le pasa al otro lado de la cerca, después aparta una parte de la verja y cruza él. Comienzan a andar los dos a través del campo. No muy lejos de allí están Red Garnett (Clint Eastwood) y los demás que se han salido de la carretera al intentar seguirles con la caravana, ésta ha quedado bastante destrozada y el gobernador solo se preocupa porque se la devuelvan para un desfile que hay al día siguiente. De manera contundente Red les dice que le digan al gobernador que vaya él a buscarla, mientras sigue mirando al frente; vamos siguiendo los pasos de Butch y Buzz a través del campo, Buzz le pregunta a dónde van ahora, mientras sigue vestido con el disfraz de Casper que robó él mismo de la tienda, a su pregunta Butch contesta diciendo que van a jugar al truco o trato. En ese momento Buzz se detiene en seco, se queda mirando a Butch, y éste se da la vuelta para ver qué ocurre. Le pregunta qué le pasa, y Buzz contesta que ni él ni su familia pueden hacer truco o trato, Butch se extraña y Buzz le explica que va en contra de su religión, que son Testigos de Jehová. Butch apaga su cigarro y le dice a Phillip (Buzz) que no se lo pregunta ni a su madre ni a Jehová, que se lo pregunta a él, que si él quiere jugar a truco o trato. El pequeño Phillip que ya en Halloween vemos como quiere hacer lo que los demás niños se lo piensa y en seguida le dice que sí a Butch. Butch comienza a seguir andando y un risueño Phillip le sigue. El niño corre hasta Butch y le coge de la mano, Butch le suelta poco a poco para coger el cigarro, pero Phillip insiste, Butch sigue soltándose, hasta que al final desiste y se van de la mano. Llegan a una casa, allí Butch le dice a Phillip que lo único que tiene que hacer es llamar a la puerta y decir: "truco o trato", el pequeño asiente con la cabeza y sale corriendo hacia la puerta de la casa. Sube las tres escaleras que hay y llama a una de las dos puertas que tiene la casa, espera a que le abran impaciente y una señora aparece por la otra puerta. Butch le espera apoyado en las escaleras. Se pone la careta de Casper, la señora abre del todo la puerta y Phillip le dice la frase de "truco o trato" esperando frente a la señora. La señora le dice que es el fantasma más precioso que ha visto, pero que ya se le terminaron los caramelos ayer (el día de Halloween). Mira un segundo a Butch y este le enseña parte de la pistola que lleva cargada, la mujer les dice que espere y entra en casa a por algunas cosas. Phillip no se ha enterado de lo que ha pasado y Butch le dice que lo ha hecho muy bien. Mientras esperan Butch se enciende otro cigarrillo y mira hacia arriba, ve el cable del teléfono, lo sigue hasta abajo. La señora sale de la casa, lleva un montón de comida que le echa a la bolsa de papel que lleva Phillip, mientras mira a Butch y vuelve a entrar en la casa, coge su bolso y les da algo de dinero. Butch le dice a Phillip que qué es lo que se dice en ese momento, y él dice "gracias", la señora entra en casa y cierra las puertas. Butch agarra el cable del teléfono y lo arranca de la pared, la escena termina con los dos volviendo hacia el coche y Butch diciéndole a Phillip: "Nunca te fíes de la bondad de la gente humilde, Phillip".

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Como ya he dicho antes, para mí Un mundo perfecto es una joya incomprendida dentro de la magnífica filmografía como director del gran Clint Eastwood. Para mí Un mundo perfecto es una magnífica película que nos cuenta de manera minimalista la búsqueda de un mundo mejor, el viaje por encontrar la felicidad en un mundo en el que para Butch reporta la cárcel y para el pequeño Philip es una vida sin muchas de las cosas que a los niños les gusta hacer, debido en su mayor parte a la religión que tanto él como su madre y sus hermanas profesan. De esta manera Eastwood se embarca tanto delante como detrás de las cámaras en contarnos la imposibilidad de que dichos deseos se realicen, de una manera bella y concisa. Así con esta interesante road-movie mezcla de género policiaco Clint Eastwood vuelve a hablarnos de la sociedad estadounidense. Personalmente considero Un mundo perfecto una de sus obras que se encuentran en mi lista de favoritas, podrá no ser una cinta para todos los gustos, a muchos les resultará simplona, a otros no les dirá nada, pero para mí es una magnífica película que casi roza la perfección, precisamente como ese mundo perfecto que tanto buscan Butch y Philip, yo le doy un 9'5; la historia comienza el día de Halloween, fecha señalada e importante para los niños y niñas estadounidenses, que se disfrazan y van de casa en casa pidiendo caramelos y dulces, algo que nunca ha podido hacer el pequeño Philip Perry, ya que su familia pertenece a los Testigos de Jehová y es algo que no les está permitido. Pero tan solo se trata de un niño, un niño que no entiende porqué no puede disfrazarse como los demás y pasárselo bien. Ese mismo día ha escapado de prisión un ladrón, Robert Haynes, también conocido como Butch, no tiene delitos graves a sus espaldas, pero aún así está marcado por su estancia en prisión, a la que decide poner punto final, escapando con un asesino bastante violento. Ellos dos llegarán por casualidad a la casa de la familia Perry, donde cogerán como rehén al pequeño Philip, dejando desolada a su madre que se ve más sola que nunca ya que hace años que su marido les abandonó. Para encontrarles Red Garnett y su equipo deberán ponerse en el lugar de Butch para acertar a saber qué es lo que está planeando y poder salvar al niño. Todos son conscientes de que Butch no supone ningún peligro, su infancia fue dura, su madre murió y su padre era un alcohólico que les dejó, pero que aún así inspiró anhelos de futuro en el pequeño, sin embargo su compañero es poco menos que un psicópata que puede acabar con cualquiera que se ponga en su camino, algo de lo que Butch es consciente y algo que pronto resolverá. A partir de ese momento los dos deciden poco a poco librarse de las ataduras que les unen como rehén y captor y hacerse cómplices, amigos, quizá el complemento paterno-filiar que siempre les faltó, para así emprender el viaje de sus vidas, hacia un futuro incierto pero en busca de la felicidad, para dejar atrás la pobreza y desolación de Texas en los años 60. Su huída por tierras norteamericanas a través de campos comienza, mientras les sigue la pista un comprensivo jefe de los Rangers de Texas, Red Garnett, con su especialista Sally Gerber, en momentos previos a la elección del Gobernador, que está más preocupado por recuperar su caravana que en hacer algo de provecho realmente; en esta maravillosa road-movie el viaje que realizan en coche los dos personajes casi podría ser una metáfora del viaje interior o avance de la relación que se crea entre ellos dos, el vínculo que comienza de rehén y secuestrador a ser amigos, confidentes, colegas y (casi) padre e hijo. Los dos han sufrido durante toda su vida la ausencia de su padre, a los dos les abandonó cuando eran pequeños, de hecho el pequeño de tan solo 8 años Philip todavía cree que su padre volverá, su madre le ha dicho que cuando cumpla 10 años volverá con ellos, pero eso no se cumplirá, nunca volverá, y Butch debe hacerle entender y hacerle madurar en ese aspecto. Así en los pocos días que pasan juntos en la carretera, ambos llenan el vacío interior que el otro tenía, creando vínculos afectivos que se destruirán de manera fatídica y rápida; en cuanto a las interpretaciones hay que decir que Kevin Costner para mí está en uno de los mejores papeles de su carrera, sino el mejor, nunca me pareció a nivel de actor de los mejores, pero desde luego aquí está magnífico, es el perfecto Butch. Una pena que el pequeño de tan solo 7 años T.J. Lowther fuera olvidado, para mí hace un papel perfecto, en alguna ocasión sus gestos quizá no se correspondan muy bien con lo que realmente requiere su personaje, pero aún así en general se podría decir que está estupendo. Ver en pantalla a Clint Eastwood siempre es alentador (vuelve Clint, vuelve) aunque en esta ocasión obviamente no estamos ante uno de los mejores papeles de su carrera, pero en el tramo final sí que aporta gran dramatismo a su personaje de Red Garnett. Laura Dern muy bien como siempre, esta vez en un papel secundario, como la especialista novata Sally Gerber; en Un mundo perfecto, Clint Eastwood ya nos hablaba del declive de la sociedad norteamericana, trasladando la situación a unos momentos previo asesinato de Kennedy en los que casualmente el país quedaría huérfano. Una sociedad empobrecida, a la que le falta algo, la felicidad. Aquí los personajes de Butch y Philip están en busca de ese mundo perfecto que no encuentran en Texas, un mundo que anhelan y necesitan desesperadamente para sobrevivir a sus inciertas existencias, un mundo que parece acercárseles en su intento por llegar a Alaska, al bello paraje descrito en una postal de recuerdo. Un mundo feliz que, desgraciadamente se ve truncado, los deseos de dos seres íntimamente solitarios que creen encontrar lo que necesitaban, terminan de una manera violenta y sangrienta. La búsqueda de ese imaginario e inexistente mundo feliz no conduce a nada, no existe, sino Butch no terminaría tirado en el suelo asesinado por un policía incompetente que no acata siquiera las órdenes de su superior y que se toma la justicia por su mano, y tampoco acabaría con el pequeño Philip llorando y clamando al cielo por Butch arrastrado por su madre; el trabajo de Clint Eastwood como director una vez más nos regaló una joya del cine que allá donde la miremos tiene algo que trasmitirnos, verdades y sentimientos alojados en lo más profundo de sus personajes, que en esta ocasión no podía acabar bien. Un nuevo ejemplo de la maestría de este gran hombre que sin duda, siempre perdurará en la historia del cine. (^.^)

"Sunshine" de Danny Boyle

Primero quiero empezar felicitando a mis amigas Laura y Marian porque hoy es su cumpleaños, ¡felicidadesssssssssss! Siento mucho no haber podido ir ayer Marian, pero es que si hubiera ido corría el peligro de ahogarme en mitad del bar y como que no habría sido muy agradable xD. Lau, al final esta semana voy a ver al conejo que te regalamos pues, ¿cómo le llamaste al final? mejor no me lo digas jaja; cambiando a temas más deportivos, Rafa Nadal vuelve a estar en forma (esperemos que la cosa se mantenga) y hoy ha ganado en la semifinal del Torneo ATP Master Series de Montecarlo a Tomas Berdych, por 6/0 y 6/4, pasando así a la final contra el número 1, Roger Federer, que se disputará mañana a partir de las 14:00, se trata de un torneo en pista de tierra batida, superficie que Rafa domina a la perfección y sobre la que siempre ha vencido a Federer, pero últimamente no está pasando por sus mejores momentos, así que quién sabe qué es lo que puede ocurrir. Lo que parece claro es que Rafa está dispuesto a volver a ganar todo lo que pueda, antes de que llegue la gran cita, Roland Garros, que ha ganado los dos últimos años (esperemos que este también :p); ya empiezan a llegar los grandes estrenos del año, ¿poco a poco? para qué, mejor todos juntos, esta semana tocó ir a ver Sunshine de Danny Boyle, que parecía muy interesante y había muchas ganas de verla.

Ficha Técnica:

Título original: Sunshine
Año: 2007
País: Reino Unido
Duración: 107 min
Director: Danny Boyle
Guión: Alex Garland
Música: John Murphy y Underworld
Fotografía: Alwin Kuchler
Montaje: Chris Gill
Diseño de producción: Mark Tildesley
Vestuario: Suttirat Anne Larlarb
Intérpretes: Cillian Murphy, Rose Byrne, Chris Evans, Cliff Curtis, Troy Garity, Michellen Yeoh, Benedict Wong, Hiroyuki Sanada, Mark Strong, Paloma Baeza.
Género: Ciencia-ficción / Thriller / Drama
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Estamos en el año 2057, el Sol está agonizando y la humanidad se enfrenta a su extinción. La última esperanza para la Tierra recae en la Ícaro II, una nave espacial con ocho tripulantes comandados por el capitán Kaneda (Hiroyuki Sanada). Su misión: transportar un dispositivo nuclear diseñado para volver a activar nuestra agonizante estrella. Ya durante el viaje, perdido el contacto con la Tierra, la tripulación oye una baliza de peligro de la Ícaro I, que desapareció en la misma misión siete años antes. Un terrible accidente pone en peligro la misión y pronto la tripulación se encuentra luchando no sólo por sus vidas y su estabilidad mental, sino por el futuro de todos nosotros...

Si el Sol muere, nosotros también. Con esta frase comercial tan contundente nos llega la nueva película de Danny Boyle, Sunshine, película mezcla de ciencia-ficción y thriller, que puedo decir sin miedo a equivocarme que se escapa de todo lo que solemos ver en este tipo de películas, se escapa pero para bien, porque Danny Boyle es la primera vez que se inmiscuye en este género pero aún así sigue dejando patente su sello personal, creando una película interesante desde cualquier punto de vista, una película que técnicamente podría decirse que es perfecta o casi perfecta, espectacular, en la que con un grupo reducido de actores (encabezados por Cillian Murphy) nos mete en una nave espacial, la Icarus II, nos lleva unos cuantos años en el futuro, hasta situarnos en el 2057, para que hagamos un viaje hasta el Sol, dejemos en el una bomba y nos volvamos a la Tierra para ver si la cosa ha funcionado; en esto se basa Sunshine, en la posibilidad de que en un futuro no muy lejano el Sol se esté muriendo, esté a punto de consumirse y la Tierra se suma en un invierno constante, llegando (cuando se produzca la muerte completa del Sol) a la extinción de todos los seres que en la Tierra habiten. Para intentar conseguir que la situación mejore y no se produzca la extinción, hace 6 años mandaron al Sol una nave, la Icarus I, que no llegó a su destino, y en la que se sobreentiende que todos los tripulantes perecieron, ya que no ha habido ninguna noticia de la nave en todos estos años. Tras ese periodo de tiempo las esperanzas de la Tierra van a peor, un constante invierno asola al planeta y han decidido enviar otra misión al Sol para intentar realizar lo que la Icarus I no pudo, crear una estrella dentro de otra estrella, detonando una gran carga explosiva en el interior del Sol para crear otra estrella en él capaz de dar calor como lo hacía años atrás la estrella central de la Vía Láctea. La Icarus II está liderada por el Capitán Kaneda, que a bordo de su nave lleva a 7 tripulantes más, que componen una serie de científicos y especialistas en diferentes materias que harán posible el viaje y la buena resolución de la misión con viaje de retorno a la tierra incluido; no os cuento más porque sino sería desvelar lo más importante de la película, su desarrollo. Solo deciros que es muy interesante, aunque haya algún giro final extraño y más cercano a otros géneros. En definitiva, que Sunshine es una película muy interesante de ver, que resulta muy entretenida y es de proporciones espectaculares; el tema de la astronomía, del espacio y demás es un tema que siempre me ha apasionado, pero no muchas veces se han hecho buenas películas al respecto, en este caso, Sunshine es un buen ejemplo de todo lo que rodea a ese mundillo, de manera ficticia obviamente, pero con una posibilidad que está en el aire, con la desaparición del Sol, algo que muchos científicos aseguran que ocurrirá dentro e 5000 años (dudo que la Tierra siga en pie con el cambio climático para aquel entonces). Además en la película se tratan temas como la corrupción que produce el poder (no entraré en detalles), el apego a los seres queridos, ya sean personas, plantas, etc, la indecisión y el deber por el deber, muchos de ellos resultan muy interesantes.

El inglés Danny Boyle nos ha traído esta nueva película, tres años después de Millions, y once después del gran éxito Trainspotting. Para mí Danny Boyle es un director de lo más interesante del panorama inglés, es cierto que su filmografía es un tanto inquietante por como sube y baja el listón de sus películas, llegando a tener grandes batacazos como la horrorosa La Playa, pero aún así siempre estará en nuestros corazones por habernos regalado esa prácticamente obra maestra que es Trainspotting, protagonizada por Ewan McGregor, Robert Carlyle, Kelly Macdonald, Ewen Bremner y Kevin McKidd. Con respecto a Trainspotting, se dice, se comenta, se rumorea, incluso afirmado por él mismo que se está preparando la segunda parte, trasladándola a cuando los personajes tuvieran 40 años, pero Ewan ha dicho que no está interesado en retomar su papel. Por lo que respecta a sus actores fetiche, Ewan McGregor ha sido hasta hace unos años el mayor, grandes amigos y que en su faceta de director y actor lo hacían bastante bien, trabajando juntos en Trainspotting, A life less ordinary y Shallow Grave, todas ellas buenísimas e imprescindibles si te gusta Ewan McGregor, incluso iba a protagonizar La Playa, pero finalmente por agenda y por algunas otras cosas como que quizá necesitaban una estrella (véase Leonardo DiCaprio en su etapa olvidable) la cosa no cuajó (gracias a Dios), desde entonces no han vuelto a trabajar juntos y parece que no ocurrirá tampoco en la segunda parte de Trainspotting; antes de Sunshine vinieron películas como Millions, una interesante y entretenida película, 28 días después, en la que ya contó con Cillian Murphy, dos años antes llegó La Playa (sobre la que me abstengo a hacer mayores comentarios), la genial A life less ordinary, con Ewan McGregor y Cameron Diaz, Trainspotting como ya os he dicho, en el 94 Shallow Grave, y unos años de colaboración en series y películas para la televisión; para mí, el nombre de Danny Boyle conlleva que puedo encontrarme una película inteligente, impactante y muy buena, a pesar de que haya tenido algún ligero traspiés, así que desde el momento en el que se habló de Sunshine me entró la curiosidad, curiosidad que intente paliar y no enterarme mucho de lo que iba la película, solo lo justo, creedme, es lo mejor, que vayáis sin una idea clara de lo que os vais a encontrar porque sino si sabéis incluso por donde va os chafáis todo lo demás; bajo mi punto de vista el trabajo de Boyle tras las cámaras en Sunshine es muy bueno, no es que sea una película perfecta, porque no lo es, pero sí que es muy buena y se sale de lo que es común en este tipo de películas, regalándonos una película inteligente y perfecta técnicamente. Una película que es puro entretenimiento pero sin caer en los tópicos ni en los malos hábitos que suelen tener las películas catastrofistas futuristas espaciales. Algunos momentos están rodados de manera fabulosa, por ejemplo los del personaje de Michelle Yeoh al final en el jardín del oxígeno, o prácticamente todos los que en solitario lleva Cillian Murphy.

A nivel interpretativo no podemos decir que encontremos en Sunshine grandes actuaciones, pero sí actuaciones buenas y/o decentes. Danny Boyle intentó conseguir un elenco de actores más o menos poco conocidos para que así la cosa saliera mejor, no quería estrellas para promocionar la película, quería actores con los que según él: "no supiéramos quien se moría", sobre esto no sé si solo me lo parecerá a mí pero no le salió muy bien eso, porque la mayoría son conocidos, pero eso no importa; comencemos por Cillian Murphy, él es Capa, el único de la tripulación del Icarus II que sabe cómo funciona la bomba, él será el que la explosione y por tanto es el que mayor importancia tiene para sus compañeros. Es un tío normal, muy trabajador, cuidadoso con su familia y muy indeciso, él es el encargado de decidir el transcurso del viaje, algo que no le gustará en absoluto ya que se basará en simples hipótesis, por su decisión todo cambiará completamente. Todos los días cuando duerme tiene un sueño, él cayendo hacia el Sol, gritando, no sabe exactamente qué quiere decir pero se repite una y otra vez, es algo que le obsesiona. Cillian Murphy parece destinado a ser el sucesor de mi querido Ewan McGregor a las órdenes de Danny Boyle, ya le pudimos ver en la también muy interesante 28 días después, una de las últimas películas de Boyle, también le hemos podido ver recientemente en El viento que agita la cebada, Desayuno en Plutón, Vuelo Nocturno y Batman Begins. Cillian Murphy es un actor muy versátil, que lo mismo te hace de malo siniestro que de científico buenazo salvador del mundo. Aquí lo hace bastante bien, sentimos su inquietud y su miedo ante lo que puede llegar, pero quiere salvar a la humanidad, para que su hermana y su familia puedan ver días mejores. En los últimos momentos de la película está estupendo; después tenemos a Chris Evans, él es Mace, entre los cuales hay tal confluencia de testosterona que hace que se peleen constantemente, porque el uno cree que todo es por culpa del otro, su personaje es muy interesante, le vemos evolucionar, vemos que quiere salvar a la Tierra y que no le importa lo que le ocurra a él, algo que tiene en común con el personaje de Cillian. Toma decisiones por el bien de todos, sabiendo que su primordialidad es acabar bien la misión. A Chris Evans le hemos podido ver y le podremos ver haciendo de Johnny Storm en las películas de Los cuatro fantásticos, y próximamente en The Nanny Diaries junto a Scarlett Johansson. No es un actor del que yo esperara una gran interpretación, pero la verdad es que me sorprendió gratamente, lo hace bastante bien y se quita ese aire de guapo (que lo es -y bastante además-, pero aquí eso no importaba) que impartió en Los cuatro fantásticos, teniendo varios momentos muy buenos; también tenemos a Rose Byrne, ella es Cassie, una de las tripulantes tremendamente sensible que se pasa la película diciendo que no a las decisiones importantes, y que al final será clave para que todo vaya bien. La verdad es que Rose Byrne siempre me había parecido una actriz a la que habían contenido, que si le dieran papeles interesantes y buenos lo podría hacer muy bien, pues aquí poco ha podido hacer, porque su personaje básicamente no existe, está como pegada porque tenía que haber alguien más, pero básicamente no hace nada, a parte de llorar y al final correr, SPOILER en la parte final con el tripulante del Icarus I fue cuando se lo pasó corriendo y gritando FIN SPOILER. Vamos que tampoco aquí es su momento, la hemos podido ver en Troya como Briseida, en Maria Antonieta, en un pequeñísimo papel en el Episodio II de Star Wars, y más recientemente en The Dead Girl; luego tenemos a Michelle Yeoh, que interpreta a Corazon, la encargada del jardín de oxígeno del que dispone la nave, una mujer que también es consciente de lo que deben hacer, pasando por lo que tengan que pasar (que críptico es esto, pero es por no contaros la película entera). Michellen Yeoh para mí es una gran actriz, la vimos estupenda en Memorias de una geisha, Tigre y Dragón, y El secreto de talismán, por nombrar algunas. Aquí lo hace muy bien, su personaje es muy interesante y sus momentos finales son magníficos; sobre el resto cabe destacar a Cliff Curtis, que tiene momentos impresionantes como Searle, el psicólogo del grupo, aunque en algunos otros su personaje sea un poco extraño.

Una de las palabras que puede definir cómo es Sunshine técnicamente, esa es: espectacular; esta vez Danny Boyle ha tirado la casa por la ventana en cuanto a efectos especiales y espectacularidad para su película se refiere. De los tremendos efectos especiales se ha encargado la empresa Moving Picture Company, dirigida por el supervisor de efectos visuales Tom Wood. El resultado final fue unos efectos especiales impresionantes y grandiosos que contribuyen al gran despliegue que supone Sunshine, el Sol, los efectos que crea, las explosiones, la Icarus II, todo es magnífico, realizado al más mínimo detalle y con grandiosidad. Todo cuidado hasta el extremo, Boyle quería que técnicamente la película se saliera de lo que solemos ver en los cines, y la verdad es que lo consigue, es muy vistosa y muy buena técnicamente; en cuanto a la fotografía lo mismo, fantástica, por parte de Alwin Kuchler, que ha creado una luminosidad perfecta; el montaje es correcto, no busquéis rapidez porque no la hay, algo que personalmente no me parece mal, ya que el que la historia transcurra lentamente simboliza más o menos el viaje en sí, un larguísimo viaje de años a través del espacio, nosotros nos situamos en el tramo final de dicho viaje, y los acontecimientos no pasan de manera que ni nos de tiempo a verlos, al contrario. El tramo final SPOILER con esa mezcla de cine de terror y cómo llega al final el personaje de Cillian Murphy me parecen buenos, sobre todo éste último FIN SPOILER; la música es muy buena, potente y acorde con la temática de la película. Me chocó muchísimo escuchar en el tráiler un fragmento de la banda sonora de Réquiem por un sueño, pero en la película no aparece en ningún momento, algo que me alegra, porque tampoco sé que tendría que ver la música de la gran película de Aronofsky; el diseño de producción es perfecto, toda la decoración y creación de la nave Icarus II (SPOILER y I fin SPOILER) es fabulosa, es como si estuviéramos viendo realmente una nave espacial de varias décadas en el futuro; en cuanto al guión, es bastante sólido e interesante, pero en lo que respecta a los personajes los toca muy por encima, exceptuando los de Cillian Murphy, Chris Evans y Michelle Yeoh, el resto están muy desdibujados, llegando al caso del de Rose Byrne que simplemente está de pegote. Sobre la historia que nos cuenta creo que está muy bien contada y bastante bien llevada, aunque ese giro final hacia el cine de terror es muy raro. En definitiva, está muy bien documentado sobre el tema.

La nueva película de Danny Boyle no defrauda, una gran película de ciencia-ficción, que se aleja de lo que suele inundar el género de catástrofes futuristas espaciales. Un nuevo e interesante trabajo de Boyle, que nos sorprende e inquieta a partes iguales con su filmografía, con batacazos considerables que es mejor ignorar, pero que ahora nos trae esta interesante e intensa película sobre el futuro del Sol y de la humanidad. Puede parecer similar a otras películas de parecida temática como Armageddon de Michael Bay, pero no es así, a parte de que Sunshine está considerablemente mejor rodada, mejor hecha, con unos mejores (esto era difícil, porque eso sí que tenía) efectos especiales, es una película que resulta compleja y tremendamente interesante por lo que nos cuenta. A nivel técnico chapeau por Boyle, ha empleado unos efectos especiales impresionantes, creando algunas escenas realmente brutales e impagables. Una película interesante de ciencia-ficción, con algún giro final un tanto extraño, pero que se perdona. A nivel de interpretación no es que encontremos grandes interpretaciones, pero sí hay que destacar a Cillian Murphy (¿el nuevo Ewan McGregor de Boyle?), Chris Evans y Michelle Yeoh. En fin, un gran entretenimiento de proporciones espectaculares. La recomiendo para todo aquel que ame la ciencia-ficción, el cine de Boyle, a alguno de los actores, la astronomía o la temática, o cualquiera que quiera pasar un rato impactante. Solo tengo una duda, ¿por qué en el tráiler ponen la música de Réquiem por un sueño? es que no lo comprendo. (^.^)

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"¡El Sol se está muriendo!"

"Así que si te levantas un día y notas que es un día particularmente hermoso, sabrás que lo hemos conseguido."

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Valoración: 8'5

Escenas: "La casa de las dagas voladoras"

Si sois alérgicos ya habréis notado la llegada de la primavera, como yo, que ya estoy de nuevo con mi querida alergia, a no ser que se trate de otro catarro, que también puede ser. Si a la lógica y normal alergia primaveral sumamos que en mi instituto están todos los tipos de árboles a los que tengo alergia, podéis imaginar como es mi estado de salud durante todo el año, sobre todo en estas fechas, estornudos, tos (llegando al casi ahogamiento en las clases de filosofía -¿?-) y congestión nasal, pero sobrevivo. Mañana tengo examen de lengua y espero que me salga bien, si lo poco que queda de curso va como hasta ahora (con los exámenes que ya hemos hecho de la 3ª evaluación, que llevaré mañana 6 hechos) la cosa irá bien, sino pues ya se verá lo que ocurre; bueno, hoy os voy a hablar de otra película de la que llevo tiempo queriendo hablar pero siempre había otras que había revisionado antes así que le toca el turno ahora a esta. Se trata de La Casa de las Dagas Voladoras (Shi mian mai fu o House of flying daggers) de Zhang Yimou. En los últimos años Yimou nos ha regalado películas como Un largo y doloroso camino, Hero, Happy Times, El camino a casa, La joya de Shangai y unas cuantas más. Particularmente es un director que me fascina, sobretodo por el poderío visual que imprime en todas sus películas, la semana que viene podremos ver la que hasta el momento es su última película, La maldición de la flor dorada (de la que ya os he hablado) que espero con muchas ganas, la verdad (aunque coincide con el estreno de The Fountain, así que espero poder ir dos veces la semana que viene). Yimou ha ganado dos BAFTAS a la Mejor película de habla no inglesa, por ¡Vivir! (en el 94) y por La linterna roja (en el 91), con La casa de las dagas voladoras optó al mismo premio, pero en esta ocasión no lo consiguió. Suele tener mucha presencia en los festivales de cine, por ejemplo en Cannes ha ganado dos veces, por ¡Vivir! ganó el Gran Premio del Jurado y La reina de Shangai el Premio Técnico, en el Festival de Cine de Berlín ganó en el 2002 por Hero, y por El camino a casa. Actualmente se encuentra en pleno rodaje de su próxima "película", lo pongo entre comillas porque es lo que podríamos comparar a Paris, Je T'aime, un film colectivo, formado por 33 cortos, él rodará uno de ellos; La casa de las dagas voladoras está protagonizada por la internacionalmente conocida Ziyi Zhang (Memorias de una geisha, Tigre y dragón) como Mei, Takeshi Kaneshiro (Fallen Angels, Perhaps Love) como Jin, Andy Lau (Infernal Afairs, I'll call you) es Leo y Dandan Song (The red suit, Familie Ties) es Yee; de la impresionante fotografía se encargó Xiaoding Zhao (La maldición de la flor dorada, Un largo y doloroso camino), el diseño de producción es de Tingxiao Huo (Hero, La maldición de la flor dorada), el vestuario es de Emi Wada (Hero, La novia del cabello blanco), el montaje de Long Cheng (Un largo y doloroso camino) y la banda sonora de Shigeru Umebayashi (La maldición de la flor dorada, Deseando amar); a partir de ahora podéis encontrar detalles importantes y/o Spoilers.
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Aquí os dejo mis momentos favoritos de la película, atención a su belleza; la escena comienza con Jin (Takeshi Kaneshiro) despertándose en medio del bosque, donde él y Mei (Ziyi Zhang) se están refugiando para seguir con su viaje hacia el Norte. Coge su espada y comprueba que Mei sigue durmiendo. Comienza a andar y va mirando atrás para asegurarse de que Mei no le sigue, atraviesa gran parte del bosque, parece que esté buscando a alguien. Aparece Leo (Andy Lau), quién le dio la orden de seguir a Mei hasta los jefes de las Dagas Voladoras. Los soldados que les han atacado antes eran amigos, pero eran el cebo perfecto para hacer creer a Mei que Jin la ha salvado de la muerte. Comienzan a hablar de cómo va la misión, Leo le dice a Jin que no se obsesiones con Mei, y Jin con tono poco modesto le dice que en todo caso ocurriría al revés. Terminan diciendo que lo que finge no debe realizarse, sino la misión acabará mal; Cambiamos de escenario, siguen en el bosque, pero van a caballo, Mei y Jin siguen su viaje hacia el Norte, paran a descansar en un gran campo lleno de flores. Vemos un gran plano general del hermoso campo de flores, Mei baja del caballo, coge su palo y se queda pensativa sonriendo, sabe que hay flores. Tira el bastón y se acerca más a las flores, se pone a acariciarlas, mientras Jin recoge los caballos. Mientras camina entre las flores, Mei le dice a Jin que ha hecho lo que le dijo, la ha llevado a un bello paraje. Jin que estaba bebiendo agua se queda mirándola. Unos segundos después coge el caballo y sale corriendo. Mei sigue arrodillada entre las flores, sonríe. Jin cabalga entre las flores, y empieza a arrancar flores, cabalga, se tumba y las coge. Las imágenes se ralentizan, van a cámara lenta en el galope de Jin por el campo. Al otro lado Mei sigue sonriendo. Al poco Jin aparece con un ramo de flores, las flores que ha ido arrancando, para dárselas a Mei. Ella las abraza, las toca y las huele, y le pide a Jin que le diga cuál es la más hermosa. Él coge una de ellas y se la coloca a Mei en el sombrero, los dos sonríen. Pero de repente la cosa cambia, se acercan soldados. Mei se queda parada con las flores y Jin saca su espada y se acerca a los dos soldados. Les hace señas de que se vayan, él es capitán del distrito, es de los suyos, pero los soldados no le escuchan y les atacan. Mei deja las flores en el suelo y coge su bastón. Empiezan a pelear, uno de los soldados hiere en la pierna a Jin con su espada, él reacciona tirando por los aires al otro. Mei se prepara, como es ciega tiene muy desarrollados sus otros sentidos, sobre todo el oído, se queda parada escuchando a los soldados, saca una de sus dagas voladoras y la lanza. Seguimos a la lanza en su recorrido, el soldado intenta detenerla con su espada, pero le es imposible, se clava en su cuello y cae muerto. De nuevo Mei vuelve a sacar una de sus dagas, la coge con la mano izquierda y ella y el soldado se aproximan rápidamente. Van sigilosos entre las flores, él se esconde y ella le ha encontrado, vuelve a lanzar la daga, él se protege con el escudo, pero la daga da la vuelta y le encuentra, también acaba muerto. Al otro lado, Jin lucha con otro soldado. Pero no han acabado con todos, se acercan otros cuatro, Mei lanza la tercera daga, la última que le queda, los soldados ya han visto lo que es capaz de hacer y se protegen los unos a los otros con los escudos, hasta que la daga cae al suelo. Jin rompe un trozo de tela para taparse la herida que le ha producido antes uno de los soldados, mientras Mei coge el bastón y se enfrenta a los que llegan. Comienza una lucha espectacular, ella salta de escudo en escudo, mientras a la vez se protege con su bastón y hace una pirueta. Pero en ese salto le rompen el bastón, uno de los soldados con su espada lo parte con la mitad, en ese momento Jin corre para ayudarla, pero se queda en la lejanía y usa sus flechas para acabar con los soldados. El último que queda se da cuenta de que Jin es el que está atacándoles y va hacia él, pero solo le queda una flecha. La lanza sobre uno de los soldados muertos, choca con su escudo y rebota llegando a darle al que se aproximaba. Jin llega hasta Mei que se da cuenta de que está herido, pero él le dice que no es grave, le quita el trozo de bastón y le da una espada. Él cojeando un poco llega hasta el soldado que acaba de matar y le quita la espada. Los dos se quedan pegados, de un plano suyo pasamos a un gran plano general de todo el campo y vemos que se acercan muchos soldados más hacia ellos. Jin la coge de la mano y salen corriendo.

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La casa de las dagas voladoras es ante todo una experiencia visual espectacular, llena de belleza y color. Es una película que se mire por donde se mire irradia belleza. Desde su primer minuto podemos comprobar la magnitud del espectáculo visual que vamos a presenciar, espectáculo visual que no concluirá hasta los títulos de crédito finales. Muchos dicen que solo se trata de eso, que no hay más allá en La casa de las dagas voladoras, bonito envoltorio pero poco caramelo, no estoy de acuerdo con eso, porque dentro de ese preciosismo visual vemos una buena historia de aventuras y amor, que es lo que promulga el film. Nos encontramos ante una épica, una de esas películas que tan bien saben hacer algunos directores asiáticos, Zhang Yimou es un claro ejemplo de ello, ya que en películas como Hero y la de inminente estreno, La maldición de la flor dorada, nos encontramos con películas de similar factura, con una impecable y magnífica puesta en escena. Así que, puedo afirmar que para ver La casa de las dagas voladoras solo hay que estar predispuesto para que te sorprendan con toda la gama cromática de colores existente en cualquier paleta de pintor, colores que producen sensaciones, sensaciones que recrean ambientes evocadores, y ambientes en los que las batallas espectaculares se suceden una tras otra, y esto obviamente no es poco. Personalmente considero La casa de las dagas voladoras una gran película, una de mis favoritas dentro del género, sencillamente espectacular, llegando incluso a poder calificarla como lírica en algunos de sus momentos, con escenas de batallas coreografiadas de manera impresionante. Yo le doy un 9; la historia es bastante simple, la dinastía Tang no está pasando por buenos momentos, el gobierno se corrompe cada día más. Y por todo el país están surgiendo grupos rebeldes que intentan mejorar la situación, acabando con la dinastía en secreto, uno de ellos es La casa de las dagas voladoras, que se ha hecho con el afecto del pueblo. Las autoridades locales quieren acabar con ellos, que no hacen más que darles quebraderos de cabeza, robando a los ricos de la localidad. Recientemente han matado al líder de La casa de las dagas voladoras y ya han elegido a uno nuevo, con el que sus intentos rebeldes continúan cada día más. Los capitanes del condado deben localizar al nuevo líder y acabar con él en pocos días, para eso deciden arrestar e interrogar a Mei, una joven ciega que es la Primera Dama de un conocido salón, en el que deleita con sus bailes, ya que creen que es la hija del anterior jefe. Como Mei no está dispuesta a desvelar ningún tipo de información, llevan a cabo otro plan, Jin se hará pasar por Viento, un hombre que libera a Mei de la prisión y la acompaña por el bosque, ganandose su confianza. Pero poco a poco el plan se va desbaratando porque los dos se enamoran; así que está claro que la historia no es nada nueva, la habremos visto mil veces, contada en diferentes ambientes, épocas y lugares, pero aún así La casa de las dagas voladoras tiene el poder de sorprender, sorprender hasta en el transcurso de sus acontecimientos, de hecho si siguiera todo de la misma manera no tendría demasiada gracia. Así comprobamos como todo son mentiras entre Jin y Mei, él intenta descubrir los secretos que conoce ella, engañándola diciéndole que es otra persona, y ella, también le engaña, no es ciega, no es quién él piensa, y sí le llevará ante La casa de las dagas voladoras, pero allí no encontrará lo que busca, de hecho se dará cuenta de que Leo es el antiguo amor de Mei, que siempre ha sabido la verdad de ambos, al igual que Mei, y que todo ha sido una farsa. Pero a pesar de eso, poco a poco va surgiendo el amor entre ambos, ninguno empezó con ese objetivo, ya que además empeora su situación hasta límites insospechados, pero no lo pueden evitar. El final, no podía ser de otra manera, final fatal para los enamorados, en esa batalla en la nieve en mitad de un campo. La rivalidad entre dos hombres acaba con lo que más amaban, Mei; el trabajo de interpretación es bastante bueno, sobre todo por parte de la bella Ziyi Zhang, que lo hace perfecto como Mei, la escena del baile es impresionante, y luego haciendo de ciega. La parte masculina flojea un poco más, tenemos a Takeshi Kaneshiro que hace el papel de Jin, pasando de egocéntrico a poco a poco enamorado de Mei, lo hace bien a ratos, el resto está bastante correcto, el otro es Andy Lau, que interpreta a Leo, a él le ve más fluctuante, no lo hace mal, pero algunas escenas están demasiado sobrepasadas. Aunque en general lo hacen bastante bien; a nivel de dirección todo es perfecto, Zhang Yimou está de sobresaliente, ha creado una película bellísima, impresionante y preciosa. Su dirección es perfecta incluso en las escenas de luchas acrobáticas, que siguen teniendo gran belleza visual, cámaras lentas, planos detalle de objetos, todo ayuda a ello; y como ya he dicho, visualmente es una maravilla, una preciosidad, la cantidad de colores que aparecen en todo momento es apabullante, creando todo tipo de sensaciones visuales. La fotografía es espléndida, fabulosa, solo hay que ver la escena del baile de Mei, increíble. La banda sonora es muy lírica y a la vez va cobrando fuerza. El vestuario impecable, una delicia. Todo en la película completa el preciosismo visual; en definitiva, La casa de las dagas voladoras tiene fuerza por sí misma, es evocadora en todos los sentidos que pueda tener la palabra, puede que la historia la hayamos visto muchas veces, pero aún así merece la pena por ver esa paleta de colores inmensa que Yimou empleó para crearla.

Escenas: "Una historia de violencia"

Por diversos problemas con Internet y de tiempo para solucionarlos y poder escribir hace días que os tengo un poco olvidados/as, pero es lo que tiene mi Tarifa Plana, que cuando quiere hace lo que le da la gana. Últimamente en la clase de Comunicación Audiovisual estamos viendo películas en las que vamos (o más bien el profesor) va comentando las escenas, es bastante curioso, porque como ninguno de nosotros le decimos nada al final como dice Rita, háblale de lo curiosa que es la cámara y ya está, y es verdad le dices eso y te dice que sí xD, pobre hombre le vamos a matar de un disgusto, aunque ya me ha dado a mí muchos disgustos con sus directores artistas y artesanos (conclusión, los artistas son los que le gustan a él y artesanos el resto, anda que no xD); mientras preparo una nueva sección que pronto verá la luz, os traigo de nuevo otros momentos a destacar de una película, esta vez se trata de Una historia de violencia (A history of violence), de David Cronenberg. He de confesar que no he visto ninguna película de Cronenberg, al menos que ahora mismo recuerde. Pero sí que puedo deciros algunas de sus películas. Una historia de violencia es hasta la fecha (ya tiene medio preparadas otras dos) su última película, concretamente es del año 2005, antes de ésta vinieron Spider con Ralph Fiennes y Miranda Richardson, eXistenZ con Jude Law, Ian Holm y Willem Dafoe, Crash protagonizaad por James Spader y Holly Hunter entre otros, y quizá una de sus más famosas películas sea Videodrome, del año 1983. Así que, vi Una historia de violencia sin saber demasiado sobre su cine, aunque sí lo esencial, en cuanto a violencia y demás; la película está basada en la novela gráfica de John Wagner y Vince Locke, que se encargó de escribir para la gran pantalla Josh Olson (Las moscas asesinas, Instinct to kill); la película está protagonizada por Viggo Mortensen (El señor de los anillos, olvidemos Alatriste) es Tom Stall, Maria Bello (World Trade Center, Asalto al distrito 13) interpreta a Edie Stall, Ed Harris (Copying Beethoven, Las Horas) es Carl Fogarty, William Hurt (El Bosque, Syriana) es Richie Cusack, Ashton Holmes (Peaceful Warrior, A Million Miles to Sunshine) es Jack Stall, y Peter MacNeill (The Marsh, God's Godness) como el Sheriff Sam Carney, entre otros; la música fue compuesta por Howard Shore (Infiltrados, El Señor de los anillos), la fotografía es de Peter Suschitzky (Crash, Amada inmortal), el montaje de Ronald Sanders (eXistenZ, Camera), y el diseño de producción de Carol Spier (Crash, Dracula 2001); para muchos Una historia de violencia fue la gran olvidada en los Oscar 2005, recibió dos nominaciones, al mejor guión adaptado y al mejor actor secundario (William Hurt), algo que realmente una vez vista resulta quizá insuficiente, ya que para mí tanto Viggo Mortensen como Maria Bello merecían la nominación e incluso David Cronenberg, pero aquel año había mucha competencia. Aquí podéis ver los premios y nominaciones que obtuvieron; Harrison Ford fue considerado para el papel de Tom Stall, pero finalmente lo rechazó. El nombre Millbrook del lugar donde la familia Stall vive es ficticio, en Indiana no hay ningún lugar llamado así, el nombre le viene del lugar de rodaje, en Canadá; ya sabéis, ahora cuidado que puede haber SPOILERS.
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Estos son los momentos que más destaco de la película; no hay que ponerse demasiado en antecedentes, solo que han irrumpido en la aparentemente apacible vida de la familia Stol un grupo de asesinos que creen ver en Tom Stall a Joey Cusack, un asesino de Filadelfia que intentó matar a Carl Fogarty, jefe de los que allí están; la escena comienza cuando Tom Stall (Viggo Mortensen) y su esposa, Edie Stall (Maria Bello) ven que se acercan de nuevo en el coche negro a su casa, Tom coge una escopeta y salen al porche. Tom les dice que se vayan, pero en vez de eso lo que hacen es decirle que se irán cuando él vuelva con ellos a Filadelfia. Le dicen que quieren verle y Tom sigue diciendo que él nunca ha estado en Filadelfia, que no es Joey. Carl Fogarty (Ed Harris) sigue diciéndole que da pena ver como se esfuerza por creerse sus propias mentiras, cuando ya ven que Tom no va a ir con ellos, deciden sacar a alguien del coche, es su hijo, Jack, le han raptado hace un rato y ahora le usan de cebo. En ese momento Edie se pone histérica, intenta correr hacia su hijo, pero Tom la detiene, y mientras Jack llama a su madre y ella llama a su hijo. Tom consigue convencer a Edie de que entre en casa, que él se ocupará de salvar a su hijo, mientras Fogarty le dice que no le harán daño si viaja con ellos, que será un "Viaje por la senda del recuerdo". Edie entra corriendo en casa para estar con su hija pequeña, Sarah, y sube hasta la ventana del piso de arriba para ver qué ocurre fuera. Fogarty le ordena a Tom que suelte la escopeta, él la tira al suelo. También le dice que se acerque a él, Tom observa a su hijo y se va acercando poco a poco. Cuando ya está frente a frente con Fogarty, Tom le dice a su hijo que entre en casa, Fogarty le deja ir. Mientras se va, Jack mira a su padre y entra corriendo en casa. Cuando ya su familia está a salvo, Tom decide no hacer lo que Fogarty y los suyos le piden, les dice que se vayan, a lo que Fogarty contesta mandando a un de sus secuaces a que lleve a Tom hasta el coche. Éste saca una pistola y los reflejos de Tom le llevan a con sus propias manos romperle el brazo y la nariz a golpes, después coge su pistola y dispara contra el otro acompañante, consiguiendo que Fogarty le dispare a él en la mano. Desde la ventana Edie lo ha visto todo y se lleva a otra habitación a su hija. Cuando Tom está tumbado en el suelo Fogarty está a punto de matarle, y Tom le dice "Debí haberte matado en Filadelfia", a lo que Fogarty contesta entre sonrisas "Sí, Joey. Debiste hacerlo". Cuando está a punto de pretar el gatillo, Jack le dispara por la espalda con la escopeta, matándole en ese instante y desparramando su sangre encima de su padre. Tom (o quizá debería decir Joey) coge la pistola de Fogarty y se la guarda en el pantalón, mientras Jack todavía trata de asimilar nervioso lo que acaba de pasar. Tom, con la cara totalmente ensangrentada le arrebata a su hijo la escopeta de las manos. Se quedan unos segundos mirándose sin decir nada, hasta que al final Tom abraza a Jack; ahora estamos en el hospital, una preocupada y desorientada Edie Stall entra en la habitación en la que Tom Stall está internado. En ese momento le pide que le diga la verdad. Él hace como si no comprendiera de qué le habla, y ella llorosa le pide que por favor se lo diga. Tom le pregunta que qué es lo que ha oído y Edie le dice que no es lo que ha oído, es lo que ha visto, ha visto en su jardín a Joey Cusack. Ella sigue preguntándole, mientras él le dice en tercera persona que Joey mataba tanto por placer como por dinero, pero que él, Tom Stall no lo haría. En ese momento Edie se pone a vomitar y va corriendo al lavabo de la habitación. Cuando vuelve a su lado ella se apoya contra la pared, preguntándole si es esquizofrénico o cambia cuando quiere, mientras Tom le dice que nunca creía que volvería a ser Joey. Edie no puede creer lo que está oyendo, Tom intenta convencerla de que "mató" a Joey, que ya no existe, le costó mucho convertirse en Tom Stall, en su marido. Ahora mientras se sienta en una silla cercana Edie le recrimina todas sus mentiras, todas las cosas de las que nunca le habló porque realmente no existían. Comienza a gritarle que cuál es el apellido real de sus hijos, si se lo inventó o qué es lo que hizo, mientras a Tom le cae una lágrima. Tom le dice con toda normalidad que Stall era el que estaba disponible, Edie termina diciendo: "Y yo también estaba disponible". Tira el pañuelo y se va.

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Una historia de violencia es un breve relato de la más pura violencia sin sentido aparente. Pero no solo es eso, en Una historia de violencia vemos el fiel reflejo de la sociedad actual, la violencia asola por todas partes, por venganza, para acobardar a alguien que crees más débil, simplemente porque sí, o quizá porque tenemos la convicción de que así se arreglan las cosas. A ello hay que sumarle que podemos comprobar como los norteamericanos tienen una pistola casi siempre, si tenemos en cuenta que llegan a regalarlas con las cuentas bancarias es bastante factible (y de hecho así ocurre) que cualquiera tenga un arma en casa para su propia "protección", a veces esa protección acaba en tragedia. Una historia de violencia es una película chocante, brusca y brutal, llegando al punta de poder ser catalogada como "demasiado sangrienta", sí hay bastante violencia y sangre, obviamente, pero tampoco es excesiva, sí que es cierto que cuando la hay la hay con ganas, pero es precisamente en torno a lo que gira la película. Una historia de violencia personalmente me parece una buena película, no una gran película, pero sí muy buena y muy impresionante, llegando a tener un aire realista patente en todo el metraje. Mi valoración personal hacia la película es de 8'5, tiene cosas que quizá parecen salidas de tono, pero aún así el efecto general es bastante bueno y efectivo; el argumento es bastante simple, sin efectismos ni grandes actos, solo parte de la vida de una familia normal y corriente como cualquier otra de los Estados Unidos. La película dura un par de minutos menos de 1 hora y media, con lo que después de verla sacamos como conclusión que es exactamente lo que el título nos decía, una historia (no muy larga) sobre la violencia, la violencia en todos y cada uno de sus aspectos; todo comienza con la apacible vida de la familia Stall, Tom, su mujer Edie y sus hijos Jack y Sarah, que viven en una pequeña ciudad de Indiana. Sus vidas parecen ser idílicas hasta que un día unos asesinos entran en la cafetería de los Stall, intentan asesinar a una de las camareras, amiga de Tom, y éste reacciona matándoles, a partir de ahí será encumbrado como un héroe local tanto por los vecinos como por los medios de comunicación. Los dos asesinos estaban buscados por la justicia, justicia que parece impartir de manera sorprendente el apacible Tom Stall. Pero ni él ni su familia buscaban la fama, así que intentan volver a su vida normal, lo que los medios de comunicación junto con su hazaña han conseguido es que un extraño grupo de hombres le busquen. Esos hombres liderados por Carl Fogarty creen ver en él a Joey Cusack, un asesino de Filadelfia que estuvo a punto de asesinarle. Pero tanto Tom como su familia están seguros de que él no es la persona que buscan, Tom asegura que nunca ha estado en Filadelfia, no sabe de lo que le hablan. Pero Fogarty y los suyos no están dispuestos a marcharse sin él, su acoso es constante, manteniendo en tensión a toda la familia; esta es en líneas generales la historia que se nos cuenta, una especie de búsqueda de venganza y de identidad. Cronenberg no se detiene solo con hablarnos de una sociedad llena de violencia, sino que intenta explicarnos las razones de porqué aflora esa violencia. Nos habla de como una vida aparentemente apacible y feliz puede cambiar de un plumazo, no todo es perfecto, nada lo es. En este caso esa "imperfección" viene dada porque hay secretos, grandes secretos escondidos durante toda una vida, cambios de identidad y asimilaciones de otras con total normalidad. El personaje de Tom Stall (Viggo Mortensen) no es como aparenta, realmente es Joey Cusack, a quien Fogarty y los suyos buscan, un ex asesino nato que dejó Filadelfia (y todo lo que para él representaba) atrás y decidió comenzar una nueva vida, con otro nombre, otra identidad y otra familia. Aquí es cuando entraríamos incluso en la búsqueda de redención, estamos hablando de un asesino, un criminal, que decide dejar todo atrás y "reformarse" gracias a su familia, esto podría considerarse incluso bueno hasta cierto punto, ese punto llega cuando sabemos que su familia desconoce esa información, no sabe que Tom Stall no es tal y que antes era un asesino, por eso cuando aparece Fogarty todos confían en que Tom dice la verdad. Por lo que vemos es que incluso Tom cree en su propia verdad, él cree que mató y enterró en un desierto a Joey, ahora es un hombre apacible, quiso cambiar y aparentemente lo consiguió. El problema es que por mucho que queramos eso sigue ahí, nuestro pasado es lo que somos, y tarde o temprano se iba a saber que Tom tenía un pasado oscuro, a través de ese pasado vemos como tiene una doble personalidad, podríamos decir que Joey aflora de vez en cuando, cuando Tom o algún ser querido se encuentra en peligro, que reacciona de manera agresiva y devastadora, asesinando. En ese momento entra en juego la hipocresía, si el que asesina es Tom Stall, el buen hombre de la ciudad, no nos molesta, es más, le encumbramos, pero cuando realmente vemos lo que es capaz de hacer (Edie mirando desde la ventana, impresionante imagen) nos damos cuenta de que quizá no es como pensábamos; en cuanto a las interpretaciones, Una historia de violencia podemos decir que está a la altura, con unas actuaciones brillantes, comenzando por Viggo Mortensen (intentemos olvidar Alatriste) que hace un papelón increíble, tiene momentos realmente brillantes, él es Joey y Tom a la vez y se lo vemos en la cara. Una impresionante Maria Bello acompaña a Mortensen, con algunas de las escenas más apoteósicas de la película, y con esa mirada final. Personalmente William Hurt creo que está bastante bien como Richie Cusack, hermano de Joey, pero me parece una actuación muy sobrevalorada, incluso consiguió la nominación al Oscar, cuando es evidente que Mortensen y Bello estaban radiantes. Ed Harris como siempre impecable, incluso en un papel corto, es el perfecto Fogarty; y hablando del trabajo de David Cronenberg, me parece que es perfecto, demasiado violento (el momento de la nariz me sobrepasó) para algunos, esos tendrán razón, pero también hay que tener en cuenta de lo que trata la historia, es eso, una historia sobre la violencia y ¿cómo puede mostrárnosla? con altas dosis de sangre. Cronenberg filmó una buena película, realmente impresionante, que conjuga el temor y la inquietud con la más pura atracción. Consigue incluso mantener expectante durante gran parte del metraje, hasta que no lo aclaran se está en una continua duda de si Tom es Tom o es Joey. Y cuando su historia y su venganza terminan, todos cenan tranquilos en la mesa, no se hablarán, quizá incluso ni se mirarán, pero todo ha acabado; Una historia de violencia es a la vez simple y directa, concisa y compleja, impactante y tentativa. Una película que sin duda no deja indiferente, muy intensa y con un final bastante inteligente. Todos podemos tener una doble personalidad o identidad, ya no a nivel legal, ni siquiera mental, sino con nosotros mismos, una vida llena de mentiras a cualquier nivel, mentiras que a la larga acaban destrozando toda una vida, ya quizá sin remedio. (^.^)

Escenas: "Donnie Darko"

Este fin de semana no ha sido posible ir al cine, no porque no se haya podido, sino porque no había nada que me interesara ver, quería ver Tristam Shandy: A cock and bull story pero no la trajeron la semana de su estreno y no creo que la vayan a traer ya, igual que La Vie en rose (biografía sobre la estupenda cantante Edith Piaf), así que por no ver alguna película que no me guste y teniendo en cuenta que mañana celebramos el cumpleaños de Lau, hoy me he dedicado a hacer los trabajos que tenía para este apretado fin de semana y así mañana poder estar libre como una perdiz. También he hecho más compras de DVDs, he conseguido Rent de Chris Columbus, de la que hace poco habló Nicktime y que me entraron ganas de verla, además de algunas de mi querido Clint Eastwood que todavía no estaban en mi colección y Cómo robar un millón de William Wyler con mi querida Audrey Hepburn; hoy os voy a hablar de una película que ya tenía ganas de comentar hace dos semanas, película de la que había leído maravillas y que hacía tiempo buscaba, Donnie Darko de Richard Kelly, película que ya he visto unas cuatro veces y la verdad es que no me canso. El norteamericano Richard Kelly debutó en la dirección de largometrajes con la interesante, original y fantástica Donnie Darko, antes había escrito y dirigido un par de cortos (The Goodbye Place y Visceral Matter), y ahora estamos a la espera de su nuevo trabajo, Southland Tales, del que ya os hablé hace tiempo, una cinta que vio su estreno en el Festival de Cine de Cannes y en la que no recibió demasiadas buenas críticas, sobretodo por su duración (3 horas) y que ha pasado (y parece ser está pasando) por un nuevo montaje para reducir su duración en casi una hora, en fin, desastres que quieren hacer. Mientras estrenan y no Southland Tales, Richard Kelly ha escrito el guión de la que dicen es horrorosa (no pienso verla) Domino de Tony Scott. En Donnie Darko también fue la imaginación de Kelly la que creó y escribió la historia, una mezcla de ciencia-ficción, thriller y drama en la que la posibilidad de los viajes en el tiempo y la separación espacio-temporal de dos mundos conviven con el peculiar Donnie Darko y su familia, otra de esas joyas que de vez en cuando nos llegan del Festival de Sundance (donde Richard Kelly estuvo nominado al Gran Premio del Jurado). Protagonizada por un fabuloso Jake Gyllenhaal (Brokeback Mountain, Zodiac), Holmes Osborne (Southland Tales, El amor es lo que tiene), Maggie Gyllenhaal (Secretary, Más extraño que la ficción), Mary McDowell (Crazy like a fox, Independence Day), Jena Malone (¡Marchando!, Orgullo y Prejuicio) James Duval (The Weekend, May), Patrick Swayze (Dirty Dancing, Ghost), Drew Barrymore (50 primeras citas, Duplex) y Noah Wyle (Urgencias, La flor del mal), entre otros. La estupenda banda sonora es de Michael Andrews (Paris, je t'aime, Orange County). Donnie Darko recibió varios premios y nominaciones, de la Academy of Science Fiction Fantasy & Horror Films, Amsterdan Fantastic Film Festival, Chlotrudis Award, Festival Internacional de Cine de Luxemburgo, Independent Spirit Awards, Festival de Cine de Sitges, y algunos más que podéis ver aquí. El dato curioso que más me ha gustado ha sido que Donnie Darko fue filmada en exactamente 28 días, el mismo tiempo que transcurre en la película desde que comienza hasta que se resuelve la situación producida al principio, y contó con un presupuesto de 5 millones de dólares. Ahora paso a comentaros algunos de mis momentos favoritos y lo que es para mí la película. A partir de ahora váis a encontrar SPOILERS.
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Me ha sido especialmente difícil elegir unos momentos concretos de toda la película, porque en sí me encanta enterita, pero aquí os dejo las dos escenas que son mis favoritas; la familia Darko está cenando, en su búsqueda de respuestas ante lo que está viendo, Donnie (Jake Gyllenhaal) ha pedido consejo a su profesor, Kenneth Monnitoff (Noah Wyle) que le habla sobre las teorías de los viajes en el tiempo y le presta un libro, Filosofía de los viajes en el tiempo, escrito precisamente por Roberta Sparrow (Patience Cleveland), la apodada "abuela muerte" por los jóvenes, que la ven una y otra vez cruzar la calle que separa el buzón del bosque para ver sin resultado si tiene correo. Toda la familia se pasa el libro, comentando lo que opinan de Sparrow; vemos a Donnie y Gretchen saltando en la cama elástica que tienen en el jardín. De eso pasamos a la terapia que Donnie tiene con la Doctora Lillian Thurman (Katharine Ross), le cuenta el episodio que él y su padre tuvieron con Roberta Sparrow hace unos días, cuando casi la atropellan. A partir de ahí Donnie saca sus propias conclusiones, cree que Frank, su amigo imaginario quiere que vaya a hablar con ella, ya que le habló sobre los viajes en el tiempo y Sparrow escribió un libro sobre ello. La Dra. le pregunta qué es lo que Roberta Sparrow le susurró cuando la vieron, Donnie le contesta que fue: "Todas las criaturas de este mundo mueren solas". Entonces comienzan a hablar sobre la soledad y sobre si Donnie en esos momentos se siente solo, él no sabe qué pensar, al final le dice que prefiere no pensar en ello, ni en eso ni en Dios, ya que no tendría sentido que existiera si todos morimos solos. Ahora vemos a Rose Darko (Mary McDowell), la madre de Donnie, que está con una amiga, esa amiga es como el resto de la ciudad, siguen las enseñanzas de Jim Cunningham (Patrick Swayze), sobre el amor y el miedo, Rose al igual que el resto de la familia, nunca han pensado que Cunningham tuviera algo de sentido; después vemos a Donnie, su padre, y unos amigos viendo un partido de rugby en la televisión del salón de su casa. Donnie se está quedando dormido, su hermana no hace más que dar vueltas por la habitación y los otros tres están empezando a enfadarse por cómo está yendo el partido. Donnie parece que sigue sin enterarse de nada, de repente mira a su padre y ve que algo transparente sale de su pecho. Lo mira sorprendido, nadie más parece verlo, es como un tubo que le sale de dentro y va haciendo el camino que después su padre va a seguir, llega a la cocina, abre la nevera, coge una cerveza, cierra la nevera y vuelve. Cuando todavía Donnie no sabe qué es lo que ha visto aparece otro, muy largo, detrás está su hermana pequeña, que sigue dando vueltas por la habitación. Ahora le sale a él del pecho, primero lo mira extrañado y luego se ríe. Lo sigue con la mirada, se acerca a la tele, pero él no se mueve, así que aparece en forma de mano y le hace señas para que vaya. Donnie lo sigue, sube por las escaleras, muy poco a poco. Llega a la habitación de sus padres y se para frente al armario. Lo abre, encuentra una caja y la abre, dentro hay una pistola, la coge y se la lleva; ha pasado un día, ahora Donnie y sus amigos están esperando el autobús como todos los días para ir al instituto. Están en la parada, cada uno pensando en lo suyo, ninguno habla, unos fuman, y Cherita sigue con sus orejeras. De repente se oye el ruido de un avión, que rompe la barrera del sonido justo encima de ellos. Todos miran hacia arriba, Donnie se queda todavía más pensativo, parece que ha descubierto la clave de algo (ha encontrado la nave con la que poder viajar en el tiempo a través de un agujero de gusano). La escena acaba con un primer plano de Donnie con los ojos mirando al suelo, ya ha descubierto algo más.

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Donnie Darko es una película difícil de comprender, una de esas películas que de tan complejas que resultan debemos hacer varios visionados para terminar de atar todos los cabos, eso me pasó a mí, la primera vez que la vi podría decirse que no entendí absolutamente nada, pero poco a poco se van comprendiendo la mayor parte de los puntos que se nos plantean en la película, aunque sin la ayuda del post de Donnie todavía seguiría preguntándome muchas cosas, porque no he podido ver la versión director's cut que realizó Richard Kelly con 20 minutos más de metraje. Además hay que decir que Donnie Darko pertenece a ese grupo de películas sobre las que os hablé hace algún tiempo, las denominadas (por mí) películas originales, películas que se escapan de lo que solemos ver, películas que plantean cosas interesantes en sus argumentos, películas que incluso son capaces de hacernos pensar para comprender qué es lo que estamos viendo y no pensar que el director está loco. Yo tenía muchas ganas desde hace tiempo por ver Donnie Darko y desde luego las expectativas que tenía eran muy altas y se han cumplido, para mí es una gran película, una magnífica película que Richard Kelly supo realizar a la perfección prácticamente, yo le doy un 9'5. La labor de Richard Kelly tanto en la dirección como en la escritura del guión es soberbia, realizó una pequeña película independiente producida por Drew Barrymore que acabó siendo una película de culto para muchos (otros no la comprenderán) y para mí es una joya de la ciencia-ficción. Richard Kelly es capaz de coger los estereotipos empleados hasta la saciedad como son el adolescente rebelde y problemático, problemas familiares, inadaptación social, alumna nueva en el instituto, profesores repelentes, el alumno malo, la profesora progre, y hacer con ellos un mix y darnos una "visión nueva" de todos ellos, o más bien jugar con ellos al puzzle de Donnie en el que debe juntar las piezas para conseguir averiguar porqué aquel motor de un avión no localizado calló en su habitación aquella noche. Todos esos personajes están ahí para abrirle el camino hacia lo que debe hacer, están para ayudarle a acabar con el fin del mundo que según Frank llegará en 28 días 6 horas 42 minutos 12 segundos. Podríamos incluso decir que Donnie Darko es una película altamente filosófica, ya que en ella se tratan temas como el destino, el sentido de la existencia vital, la existencia o no de Dios, la posibilidad de realizar viajes en el tiempo, la designación de un elegido que debe acabar con el fin del mundo (con su muerte, algo que debe averiguar él mismo) y ya de paso la fuerza del amor, el amor hacia su familia, sus amigos, su novia, hacia todo el mundo, por el que debe hacer un gran sacrificio; los actores también hacen un gran trabajo para la película, Donnie Darko es interpretado por un fabuloso Jake Gyllenhaal (nuevo actor a apuntar en mi lista de favoritos), que es capaz de transmitir ese punto entre adolescente normal y adolescente inquietante o paranoico, acompañado por unos también estupendos Holmes Osborne, Maggie Gyllenhaal (hermana en la realidad de Jake y que interpreta a la hermana de Donnie), Mary McDowell, James Duval y Patrick Swayze, con una un pelín sosa Jena Malone. Todos los personajes tienen algo que aportarle a Donnie y a su experiencia vital, todos tienen algo que ver en su decisión final que, ha de tomar solo pero no puede aislarse del mundo como para decidir lo contrario; la historia de Donnie Darko cambia cuando una noche, estando en su cama, alguien le llama y le hace salir de la casa para terminar sonámbulo en una pista de golf mientras en su casa (concretamente en su habitación) caía un motor suelto de un avión jamás encontrado y que, de no haber salido de allí, le habría matado al instante. La voz que le salvó fue la de Frank, un misterioso conejo imaginario que le dice que al mundo le quedan 28 días de vida, lo que él poco a poco capta como una advertencia a que debe hacer algo por remediarlo. Donnie es un chico peculiar, hace algún tiempo tuvo "problemas emocionales" que le llevaron a quemar una casa abandonada, debe tomar pastillas e ir asiduamente a la consulta de una psicóloga. A Donnie no parece extrañarle la existencia del misterioso conejo, que incluso le habla de viajes en el tiempo, él conejo está en un mundo paralelo, ¿el de su memoria? ¿uno que se creó al caer el motor? Según Richard Kelly la respuesta va con la segunda pregunta; sobre Donnie Darko muchas teorías corren por ahí, pero la que más se sostiene es que al caer el motor el mundo se divide en dos, el real y el tangencial, éste último tiene una duración de 28 días, tras los cuales el mundo dejará de existir. Por eso Donnie debe hacer lo que sea necesario para cerrar la brecha que se abrió y con la que se creó el otro mundo, para así salvar a todos. ¿Cómo se abre la brecha? pues con su no muerte por la caída del motor, Donnie es sonámbulo y en plena noche se despierta y sale de la casa (aparentemente llamado por Frank, personaje al que todavía no termino de situar), así lo que debía ocurrir (aquí entraríamos en la teoría del destino) no ocurre y todo cambia. Y ya que Donnie debe conseguir cerrar el ciclo antes de que todo acabe, necesita que le vayan dando pistas de lo que debe hacer, además de una serie de poderes sin los que le sería imposible, Frank representa el foco de información clave, está en un mundo imaginario y es el que le da las pistas para entender los viajes en el tiempo, además le obliga a hacer cosas. Precisamente, las escenas que he elegido ha sido por eso, porque son dos de los momentos en los que Donnie toma contacto con la situación, descubre las "naves" que salen del pecho de las personas, naves que viajan a través del espacio-tiempo, con lo que se consigue saber (quién las ve, en este caso Donnie) el futuro, ya que sabes hacia donde va a ir cada persona y si miras dentro (como ocurre en la fiesta) ver un portal o agujero de gusano con el que poder viajar en el tiempo. En la siguiente se da cuenta de qué nave puede emplearse para viajar en el tiempo, Donnie menciona al DeLorean de las películas, algo así es lo que cree encontrar cuando escucha el ruido de un avión, un avión será lo que le ayude a viajar en el tiempo; para no extenderme mucho más y no contar aquí toda la película, solo os voy a decir que, la frase que Gretchen le dice a Donnie: "¿Donnie Darko? ¿Qué clase de nombre es ese? Suena a súper héroe o algo por el estilo", no podía haber tenido un mejor doble sentido, porque al salvar al mundo con su muerte, Donnie podría considerarse como un héroe; la película termina con el viaje al pasado gracias al avión de la madre y la hermana de Donnie el día 28, Donnie ha asumido y entendido que solo acabará si su muerte se produce de verdad, así que viaja al pasado y se queda en su cama, riendo porque ya lo ha entendido todo; técnicamente Donnie Darko está muy bien hecha, con un empleo interesante de los efectos especiales, y un gran diseño de producción; en definitiva, Donnie Darko me ha parecido una gran película sobre la que se podría estar hablando horas y horas y quizá nunca terminaríamos de entender todos sus recovecos. Desde aquí os la recomiendo. (^.^)

Comienzo del mundial de Fórmula 1

Es curioso como unos pocos días pueden cambiar el curso del futuro de cualquiera de nosotros, no sé si en vuestro caso tenéis pensado vuestro futuro, si sois estudiantes y lo tenéis claro, si os gusta lo que hacéis, etc. Yo solo sé que el ambiente en el que vivo nada puede ser propicio para nada, que tipo de ánimo quieren que tenga cuando no hacemos más que volver de vacaciones y nos auguran un apocalíptico final de estudios porque no nos hemos pasado horas y horas frente a los libros durante una semana (y eso me lo dicen poco antes de recibir mi 10 en historia estudiada el día de antes, en fin, cada uno con su película), cuando no podemos permanecer en el hall del instituto (se desora, lo tienen que ver las futuras generaciones, cierto), los profesores llegan tarde a los exámenes, además acabo de volver de vacaciones y ya tengo todo exámenes y tengo que ser omnipresente para prepararlo todo y poder ir a los cumpleaños de mis amigas, pero bueno, por aquí en desanimar al personal no nos gana nadie; en fin, cambiando a temas más interesantes, primero quiero decir que mi querida amiga Ruth ha vuelto con el blog de Fórmula 1, y luego que hoy me he propuesto echar una mirada a como va el campeonato de Fórmula 1 tras su regreso en esta nueva y aparentemente apasionante temporada. Solo van dos carreras, así que os voy a comentar un poco como se sucedieron. Primero echemos la mirada a cómo terminó la temporada pasada: Fernando Alonso consiguió ser bicampeón del mundo, el heptacampeón Michael Schumacher se retira de la F1 en un mundial en el que tanto él como Ferrari dieron mucha guerra (buena y mala), Pedro Martinez de la Rosa ocupó el lugar dejado por Juan Pablo Montoya en el McLaren en el año que para nada acompañó a la escudería, consiguió un podio y fue (al menos para mí) mejor que su compañero Kimi Räikkonen que dio varias sorpresas con su McLaren, último año de Michelin (algo que nunca entenderé), último año de Alonso en Renault en el que ambos ganaron el mundial (de pilotos y de constructores), y emociones tras otras como suele ser habitual en la Fórmula 1.

Esta temporada 2007 se presentaba interesante por lo referente a varias cosas, algunos de los pilotos favoritos cambiaban de escudería (lo que sirve para demostrar su potencial): como es el caso de Fernando Alonso (a McLaren) y Kimi Räikkonen (a Ferrari), por los cambios en algunas escuderías, con pilotos más nóveles al volante (caso de Kovalainen y para desgracia de Pedro de la Rosa y sus seguidores -entre los que me encuentro, sin ninguna duda- Lewis Hamilton). Pero también había cosas que no terminaban de cuadrar, el que Bridgestone pasara a ser la única marca proveedora de neumáticos (algo que está teniendo graves consecuencias para Renault por ejemplo), que se hubiera producido una congelación de motores, y nuevas relegaciones de grandes pilotos como Pedro de la Rosa por su nacionalidad (dejemos claras las cosas, eso es así). Pero a pesar de lo malo, lo bueno está por encima y esta temporada se espera intensa, apasionante y ante todo emocionante; durante toda la pretemporada pudimos ver como Ferrari tenía un potencial impresionante, que dejaba a muchísima distancia a sus rivales más cercanos, una renovada McLaren, BMW Sauber y Honda. Escuderías como Honda a día de hoy (tras dos carreras) han quedado en meras propuestas, ya que su recorrido está siendo bastante decepcionante. Cuando hace un año y medio Fernando Alonso anunció públicamente tras ganar su primer campeonato del mundo que, dentro de dos temporadas cambiaría de escudería a su mayor rival por aquel entonces, muchos se llevaron las manos a la cabeza, se dijo por activa y por pasiva que se había precipitado al dar la noticia, ya que todavía le quedaba por delante toda una temporada con Renault y Briatore, algo a lo que se volvió a sacar a relucir tras los penosos acontecimientos de tuercas y demás a mediados de la temporada pasada (procuremos olvidar el siniestro de la tuerca... xD), y sobretodo viendo que McLaren estaba pasando por una mala racha (hasta el pasado domingo no habían ganado una carrera en 18 meses) y que no daban pie con bola, básicamente, pero aún así Fernando Alonso se lanzó; la primera carrera se presentaba infinitamente propicia para los Ferrari, ya que todos incluidos los McLaren estaban muy lejos del nivel que habían llevado durante toda la pretemporada. Era el Gran Premio de Australia, en el circuito de Albert Park. En la sesión clasificatoria la pole la consiguió Kimi Räikkonen, que partiría desde la 1ª línea de salida seguido por Fernando Alonso, Nick Heidfeld, Lewis Hamilton, Robert Kubica y Giancarlo Fisichella, había que echar la mirada hasta el puesto 16º para encontrar a Felipe Massa, que había tenido muchos problemas con el motor. La carrera se caracterizó por el dominio de Räikkonen y su Ferrari sobre el resto, además de una horrible salida de Fernando Alonso, que es de las peores que hemos podido ver suyas, ya que nos tiene acostumbrados a lo contrario, con eso Fernando quedó relegado al 4º puesto, que le costó superar, algo que logró gracias a las paradas en boxes. Por detrás Felipe Massa ascendía y ascendía posiciones, finalmente consiguió el 6º puesto. Por delante, Fernando Alonso consiguió posicionarse 2º y siguió la estela lejana de Kimi Räikkonen al que ya le era imposible alcanzar después de haber tenido tanto tiempo delante a su compañero y a Heidfeld, de todas formas rápidamente fue bajando la distancia que les superaba que acabó siendo de 7'2 segundos, algo que desde luego dejaba un sabor de boca a gloria para la escudería McLaren. Los rumores comentaban desde entonces y durante las dos semanas de parón que hubo después que (además de que Räikkonen fue sin radio), su motor quedó bastante tocado y que estuvo al borde (de qué, no lo digo porque no pasó, así que no), lo que implicó que hasta el último minuto el pasado sábado se pensara que tendría que cambiar el motor. El primer podio de la temporada fue: Kimi Räikkonen, Fernando Alonso y Lewis Hamilton. Así Hamilton se convertía en el primer debutante en conseguir un podio en su primera carrera de Fórmula 1.

Y el pasado fin de semana se retomó la temporada tras dos semanas de descanso, la cita era menos temprana que la anterior aunque seguía siendo en horario Europeo bastante pronto, fue el Gran Premio de Malasia, en el circuito de Sepang. Después de haber visto quince días antes que, el excelso dominio de los Ferrari no era tal, llevaban mucha ventaja, sí, pero McLaren estaba más cerca de lo que parecía, llegaba la duda de qué ocurriría en Malasia; además, solo una carrera después de comenzar el campeonato ya han saltado las alarmas con posibles medidas no muy legales empleadas por Ferrari y los BMW Sauber, se trata de la flexibilidad de sus chasis lo que les dotaba de una supuesta mayor velocidad punta y una mejor aerodinámica. Estas técnicas de aerodinámica innovadoras han quedado prohibidas por ilegales, en Sepang se prohibió su uso, lo que podría dar las causas al porque de la bajada en aerodinámica y superioridad en velocidad punta de los Ferrari. Los equipos saben que ciertas cosas son poco legales, pero aún así siguen investigando y si cuela cuela (si lo hubiera hecho McLaren o cualquier otra me parecería igual de absurdo, porque visto lo visto todos saben que entre sí van a delatarse), pero no por eso acaba el espectáculo, todo son investigaciones que quizá algún día puedan usarse de manera legal; durante la sesión clasificatoria la lluvia amenazaba con aparecer y si llueve en Sepang llueve con ganas, así que todos estaban expectantes de lo que ocurriría. Fernando Alonso consiguió el mejor tiempo en la Q1 y Q2, pero al llegar a la Q3 Felipe Massa y su Ferrari se impusieron por 3 décimas, consiguiendo así la pole y dejando el 2º puesto en la parrilla de salida a Fernando, por detrás salían 3º Kimi Räikkonen, 4º Lewis Hamilton, 5º Heidfeld, 6º Rosberg, 7º Kubica, 8º Trulli, 9º Ralf Schumacher y 10º Webber; la salida jugó un papel clave en el desarrollo de toda la carrera, si Fernando Alonso lo hizo mal en Australia aquí realizó la revancha contra sí mismo, porque hizo una salida espectacular, absolutamente brillante (foto de arriba), saliendo por la zona sucia (que era la propicia para coger la primera curva) consiguió ponerse en paralelo con Massa para terminar adelantándole y colocándose en el 1er lugar que llevó hasta que bajó la bandera. Tras él un impresionante Lewis Hamilton (no quería que estuviera por Pedro de la Rosa, pero la verdad es que lo está haciendo magníficamente) le seguía la trazada y pasaba de un plumazo a Kimi Räikkonen y a Felipe Massa colocándose 2º tras su compañero de escudería. Con aquella jugada redonda para McLaren Fernando Alonso comenzó a alejarse poco a poco, Hamilton iba más cargado que los cuatro primeros así que era de esperar que tapara el tráfico, sabemos que no existen ese tipo de órdenes de equipo en McLaren, así que no le dijeron ponte y tapa, él se puso ahí y quizá no podía ir más o quizá sí, eso no lo sabemos, el caso es que contuvo las embestidas de Massa y Räikkonen. Alonso seguía alejándose, vuelta tras vuelta sumaba segundos a su cuenta con el resto y detrás Lewis tapaba las acometidas de Massa que le pasó dos veces pero Hamilton se desquitó y volvía a su 2º puesto, en una de ellas Massa se precipitó y se salió de pista, quedando relegado así al 5º puesto con el que se jugó toda la carrera. Durante la carrera pudimos ver los chascos que han resultado los ecológicos (por su apariencia) Honda de Jenson Button y Rubens Barrichello, que Renault está de capa caída (parte de culpa la tienen los neumáticos Bridgestone) y que los BMW Sauber están también dispuestos a todo. En pista las cosas por delante no cambiaron, Alonso se alzaba con el primer puesto tras liderar la carrera desde la primera curva a excepción de en los repostajes, Lewis Hamilton se hizo con el 2º puesto en su 2ª carrera en la Fórmula 1 (impresionante), Kimi Räikkonen no pudo pasar a Hamilton, parece que su velocidad punta no era tan abismal, y hay escuderías que lo están poniendo interesante. El podio quedó así: Fernando Alonso, Lewis Hamilton, Kimi Räikkonen.

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Así Alonso se vuelve a colocar líder del mundial, tanto de pilotos como de constructores, sacando así del bache a McLaren y llevando el espíritu que tanto vimos en Renault, todos juntos gritando, con la bandera española, se vaya a la escudería que se vaya. Y comenzó el dilema, ¿cuál es el himno que debe sonar tras el español, el inglés por McLaren o el alemán por Mercedes? interesante pregunta que la verdad me da igual xD, lo importante es que Alonso me volvió a hacer pasar una carrera de emociones, tanto él como Hamilton, Räikkonen y los demás. En la carrera en la que Fernando Alonso consiguió su primer podio en 2003 (un 3er puesto) ha ganado por primera vez, callando algunas bocas de la gente que dijo que no volvería a ganar ahora con McLaren. Intento olvidar esa anécdota absurda sobre el trofeo que ganó en el 2003 con algún jugador de la Selección española de fútbol (también llamados nos quedamos en cuartos hasta que este año nos quedamos en octavos porque somos así de guays) que cuando le vio allá por el 2003 en el aeropuerto soltó un "mira que trofeo más feo lleva ese" (yo te diría, hijo no sé quién eres pero tú no verás uno en tu vida y me quedo tan pancha xD) y otro compañero le dijo "ese, es Fernando Alonso", interesante; este es el encanto de la Fórmula 1, que atrapa de principio a fin; este fin de semana próxima carrera, en Barhein, a las 13:00, después parón de un mes y Montmeló (otro año sin ir, Ruty debemos ir, sí sí); y ya de paso el post te lo dedicó a ti amigüita. (^.^)

Escenas: "Casino Royale"

Primero quiero dejar constancia de que ayer fue el cumpleaños de mi amiga Sara (¡Felicidades!), ya van quedando menos para que todos tengamos los 18; mientras algunas personas todavía están pensando en la portada de Rose McGowan y Rosario Dawson yo me quedo con la próxima de Vanity Fair, especial dedicado a la ecología y al cambio climático, que tiene como protagonistas a ese oso tan famoso últimamente (y lo que le queda) criado en cautividad llamado Knut y un pletórico Leonardo DiCaprio, seguro que sabéis que Leonardo siempre ha estado muy inmiscuido en los temas de ecología y en contra del cambio climático, ya que incluso ha realizado un documental (The 11th Hour), así que no es de extrañar que le hayan llamado a él para esta bonita portada, de cuya foto se ha encargado la famosa Annie Leibovitz. Para más información podéis visitar la Web de Vanity Fair, que además le dedica una retrospectiva con las mejores imágenes que han sacado de DiCaprio, yo me quedo con las que le hicieron desde El Aviador, que sin duda es desde que comenzó a interesarme; en fin, que hoy os voy a hablar de otra película que he podido ver recientemente, Casino Royale (Casino Royale 007), dirigida por el neocelandés Martin Campbell, director de películas como La Leyenda del Zorro, de Antonio Banderas y Catherine Zeta-Jones, Beyond the Borders, Límite Vertical, El Zorro, y lo que tiene más relevancia con respecto a la que nos ocupa, fue el director de GoldenEye, si mal no recuerdo es la primera película de la etapa de Pierce Brosnam como el agente 007. Casino Royale supone una vuelta a los comienzos del agente 007 con licencia para matar, ya que se trata de una nueva adaptación de la primera novela de Ian Fleming, del guión se han encargado en esta ocasión Neal Purvis (Sentencia de muerte, Muere otro día), Robert Wade (El mundo nunca es suficiente, Muere otro día) y el oscarizado Paul Haggis (Million Dollar Baby, Crash); la polémica llegó a la hora de escoger al que sería el nuevo James Bond, el nuevo actor que encarnaría y encarnará durante varias películas al 007, muchos nombres se barajaron, los últimos en sonar (y que lo rechazaron) fueron Ewan McGregor y Clive Owen (esto habría sido impresionante, además le debo un post), pero la elección final fue el rubio de ojos azules Daniel Craig (Munich, Sylvia), un actor no demasiado conocido para el público en general y contra el que saltaron todas las alarmas y más si tenemos en cuenta que durante el rodaje se tuvo noticia de que se había roto varios dientes y se había dado varios golpes, todos se echaban las manos a la cabeza (a mí no me preocupaba pero quería que hubieran sido o McGregor u Owen) pero la verdad es que una vez vista la película hay que reconocer que para mí es uno de los mejores James Bond que ha habido, para mí están él y Sean Connery. La nueva chica Bond ha sido Eva Green (Soñadores, El Reino de los Cielos) que interpreta a Vesper Lynd, el único amor de James Bond, la única de la que realmente se enamora. El malo de la función es danés Mads Milkensen (Exit, El Rey Arturo) él interpreta a Le Chiffre. Y la siempre presente Judi Dench (Diario de un Escándalo, Iris) que es M, la jefa del MI6 de Bond; Casino Royale es la primera película de James Bond que pasa la censura en China, un dato curioso; ya se está planeando una nueva película, sin título todavía, que obviamente protagonizaría Daniel Craig, junto con Judi Dench y Giancarlo Giannini de la que solo se sabe que se estrenará a finales del próximo año; aquí os dejo mis momentos más destacados de la película y lo que en general me pareció la película.
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Estos son los momentos que más me han gustado de Casino Royale, ha habido más, pero este es la esencia más pura de James Bond; situémonos, estamos en el Casino Royale, el agente 007 James Bond acaba de perder los 10 millones de dólares que le habían proporcionado para intentar atrapar a Le Chiffre, quien contrariamente a lo que pensaba Bond se los ha ganado. Todo apunta a que alguien de su confianza (Mathis es la primera opción) puede haberle confiado cierta información que Bond disponía al propio Le Chiffre. La contable Vesper Lynd (Eva Green) aparece en la terraza en la que James (Daniel Craig) está pensando, ella está bastante afectada, porque de seguir así estarán financiando con dinero del Estado al terrorismo, él le pide los otros 5 millones para poder recomprar y seguir jugando, ella se niega y empiezan a discutir sobre el ego de James, al final ella se marcha. James vuelve a entrar al bar del Casino bastante enfadado, cuando ve a Le Chiffre (Mads Mikkelsen), a su novia y a sus guardaespaldas coge un cuchillo que había sobre la mesa y va tras ellos, por el camino se encuentra a Mathis y le dice que se lleve a Vesper. Baja por las grandes escaleras y cuando está a punto de alcanzarles se encuentra con Felix Leiter (Jeffrey Wright), otro de los jugadores de su mesa que le confiesa que es un agente de la CIA y le pide que espere, que tenga paciencia, se ha quedado sin dinero y él está dispuesto a darle el de que dispone para que pueda seguir a por él si a cambio deja que los norteamericanos detengan a Le Chiffre. Los dos aceptan y Bond aparece de nuevo en la mesa con unos cuantos millones para apostar, ante la sorpresa de Le Chiffre. Siguen jugando al póquer, Le Chiffre parece olvidar por un instante su gesto que le delata ante James su farol, pero en seguida lo nota y pasa; ahora vemos unas manos de mujer introduciendo una sustancia en una de las copas que van a ir a la mesa en la que están jugando, un plano después descubrimos que se trata de Valenka, novia de Le Chiffre, la copa va a parar a las manos de James Bond, que toma un trago mientras observa a una desinteresada Verper Lynd, de lo que no se da cuenta es de que Le Chiffre le ha estado observando a él mientras bebía. A James no le da tiempo siquiera de terminar de jugar la mano que llevaban cuando se da cuenta de que le ocurre, algo empieza a notar que lo que ha bebido llevaba veneno, mientras Le Chiffre continua mirándole fijamente. En seguida se da cuenta de que le han envenenado y deja la mesa. Todos le observan cuando se marcha, Leiter no sabe qué ocurre. Mientras sale de la sala, James coge un vaso vacío y un salero, Vesper que está sentada en la barra del bar se queda mirándole sin entender tampoco lo que le ocurre. Cambiamos de ambientación, ahora estamos en el lavabo, lleno de luz, todo da vueltas, mientras James se llena el vaso de agua y echa la sal, se la bebe para así poder vomitar lo que le hayan dado. Después le vemos deambulando sudoroso y sin equilibrio cruzando la carretera para llegar a su coche. Cuando consigue entrar, a través del microchip que le habían implantado en el antebrazo contacta con el despacho del MI6, que a su vez avisan a M (Judi Dench) de que Bond ha sido envenenado y está a punto de sufrir un paro cardíaco. Le van a ir indicando qué debe hacer, primero tiene que colocarse el desfibrilador portátil que lleva en el coche (¿?). En el despacho se ponen a debatir apresuradamente sobre qué deben recomendarle, uno le dice que se desfibrile, otro que no, primero debe ponerse un boli combi en el cuello para contrarrestar el veneno. Ahora ya puede pulsar el botón rojo y desfibrilarse, pero algo no funciona, el aparato no funciona, se da cuenta de que un cable está suelto, todos le gritan que pulse el botón y él intenta colocar el cable, pero es tarde, se desmaya. Su pulso sigue disminuyendo, todos se temen lo peor, pero de pronto aparece Vesper Lynd, que le ha seguido para ver qué le ocurría, enchufa el cable y presiona el botón. Surte efecto, James Bond vuelve a estar consciente y su corazón vuelve a ir perfectamente, todos respiran tranquilo. Y nada más ver a Vesper le pregunta ¿Estás bien?

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Casino Royale ha supuesto una regresión a los comienzos de uno de los personajes clave de la cultura popular inglesa, personaje al que ya le iba haciendo falta esta regresión, porque las últimas películas que se han hecho sobre el Agente 007 eran bastante prescindibles. Nunca me han interesado en demasía las películas de James Bond, eso es algo que debo dejar claro desde el principio, porque creo que aporta un mayor mérito a este Casino Royale, pero sí que tengo mis preferencias en cuanto a Bonds se refiere, para mí siempre había sido Sean Connery el mejor James Bond, y desde ahora está seguido de cerca por Daniel Craig, que aunque desde el principio fui reticente hacia él ha demostrado que (a pesar de poner siempre morritos) lo puede hacer muy bien y que es más James Bond que algunos otros. Este Casino Royale es el equivalente al Batman Begins de Christopher Nolan, en el que vemos los comienzos de James Bond como agente 007 del MI6, en ese fantástico prólogo en blanco y negro, en el que un agente llamado James Bond comete los dos asesinatos que son requeridos para todo agente doble 0, con lo que pasa a engrosar las listas de los agentes con menor esperanza de futuro al servicio de la Reina. Es precisamente ese aire de renovación que le han dado a la saga con esta precuela, como hizo Nolan en su momento con Batman, el que le ha dado el toque interesante a James Bond, siempre había sido el típico espía donjuanesco con licencia para matar que iba repeinado y a pesar de los golpes, las explosiones y demás nunca se despeinaba, algo que no ocurre en Casino Royale, porque Daniel Craig se llevó más palos de los que suele ser normal para una persona, da y recibe, no solo se trata de emplear gadgets de última generación que te permitan liquidar a tus enemigos sin que peligre tu vida, este Bond es más de luchar cuerpo a cuerpo, no le importa si tiene que dejar su pistola con silenciador para pasar a pegar puñetazos. Dentro de esa renovación que con lo que ya os he comentado hace al personaje de Bond más creíble, tenemos también el aspecto personal, James Bond es un hombre que se guía por sus impulsos, por su ego y por salvar a la mujer que parece amar, es un hombre que sufre y padece por la traición. Han sabido darle una dimensión más como persona que como agente del MI6, que como todos los humanos se equivoca, aunque le cueste reconocerlo, y que es capaz realmente de amar; y como película de acción y entretenimiento está muy bien, el ritmo a pesar de sus casi 2 horas y media es muy bueno, nunca decae el interés, aunque sí que es cierto que algunas escenas de acción son demasiado largas. Así que en definitiva yo le doy un 8'25, no está nada mal, sobretodo si tenemos en cuenta que no me gustan las películas de James Bond, por eso mismo no la vi en el cine pero he creído que era oportuno ver cómo había salido esta "humanización" del 007; la historia de Casino Royale se centra en el comienzo de James Bond como agente doble 0, que decide investigar por su cuenta a Le Chiffre, un banquero relacionado con el terrorismo, que de hecho lo sufraga. Al final se convertirá en la primera misión para el MI6 como agente 007, que realizará al lado de la contable Vesper Lynd, que le proporcionará los millones necesarios para participar en las partidas del Casino Royale, en las que poder atrapar a Le Chiffre. Poco a poco la historia se complica, hay un topo que filtra los planes de Bond, James sospecha de Mathis pero no están las cosas claras; en cuanto a los actores, Daniel Craig lo hace muy bien como James Bond, un nuevo y revitalizado James, que no tiene ningún reparo en despeinarse y pegarse mamporros si hace falta. Eva Green está bien en su papel de chica Bond, Vesper Lynd es el único amor verdadero de Bond, incluso en un papel tan limitado y estereotipado como el de la chica Bond sabe sacarle el jugo, además de que su belleza ayuda. Mads Milkensen ya hizo de malo en El Rey Arturo y aquí también está a la altura. Y Judi Dench como siempre, en su sitio como M; y he elegido precisamente esos momentos de la película porque creo que son la esencia del James Bond de siempre y del nuevo James Bond, se da cuenta de que ha fallado, aunque su ego siga diciéndole que puede arreglarlo, es impulsivo, le envenenan, está a punto de darle un paro cardíaco y sigue riendo, en su coche lleva un desfibrilador portátil (fíjate tú que práctico) y después de desmayarse lo primero que hace es preguntarle a Vesper Lynd si está bien. Además con ese toque más humano hacia el personaje conocemos cosas que yo personalmente no sabía, por ejemplo que es huérfano, además de su debilidad por las mujeres -esto ya lo sabíamos- (comprometidas), y también sabemos el porqué de que en cada película salieran una o varias chicas Bond; la música también es algo clave en las películas de James Bond, la habitual sintonía se junta esta vez con una estupenda canción, You know my name de Chris Cornell, que incluso estuvo preseleccionada para ser nominada al Oscar a la Mejor canción original, acompaña a la perfección esos elaborados títulos de crédito iniciales; en definitiva, mi película favorita de James Bond, un buen entretenimiento, que supone además un golpe de aire fresco para el personaje, que ya iba siendo hora. Esperaremos a ver qué tal lo hace Daniel Craig en la siguiente. ¿Y cómo termina la película? Con un impresionante James Bond trajeado sediento de venganza y diciendo: Me llamo Bond, James Bond. (^.^)

"La Flauta Mágica" de Kenneth Branagh

Ya se acaban las vacaciones, esa es una expresión que duele mucho, al menos a mí, pero es la realidad, a mí ya solo me queda el lunes del periodo vacacional, después de nuevo a las clases y a la parte final del curso, que como sigan dando estos ánimos acabará su tía (efectivamente, porque si presionan y dan mal yo no, además, ¿quién se ha sacado de la manga que me voy a estudiar Audiovisual a Valencia? eso me inquieta xD). En fin, que espero que a todos/as os vaya bien la vuelta al trabajo y al estudio o lo que hagáis, ya queda menos para el verano; este fin de semana de nuevo hay Fórmula 1, después de dos semanas de descanso desde la primera y gran carrera, mañana es el Gran Premio de Malasia en el circuito de Shepang, la carrera será a las 9:00 am, Felipe Massa saldrá en la pole, seguido de Fernando Alonso, Kimi Räikkonen y Lewis Hamilton, veremos que nos depara una de las carreras favoritas de todos los pilotos. En fútbol hoy hemos ganado al Barça, en casa, en La Romareda, entre el Ebro medio desbordado y la ilusión por llegar a la Champions, 1-0, con gol de (¿quién quién? :p) Diego Milito, que de momento se pone junto con Kanouté (Sevilla) pichichi con 19 goles. En tenis, la Copa Davis ha ido bastante mal, España ha perdido frente a Estados Unidos, tres de los cinco partidos que iban a disputarse, lo cual nos elimina del todo, falta Rafa Nadal, pero no debe notarse su ausencia de manera tan acusada; ayer entre procesiones de Semana Santa canceladas por las lluvias y multitud de gente en las calles fui al cine, vi La Flauta Mágica, de Kenneth Branagh, de la que os he hablado en muchas ocasiones y que tenía muchísimas ganas de ver, mis peores temores me decían que quizá no la traerían, pero sí, en un solo cine, pero se han dignado a traérnosla, en V.O por supuesto, algo bastante sorprendente por aquí, pero lo demencial habría sido lo contrario. Increíblemente no pusieron ningún tráiler antes, personalmente no me pareció mal, porque cada vez nos cuentan más cosas en los tráilers que quizá es mejor no ver. Aquí os dejo mi opinión sobre la película, para todo aquel que no conozca el singspiel (no ópera, es una variante) en el que se basa va a haber SPOILERS.

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Ficha Técnica:
Título Original: The Magic Flute
Año: 2006
País: Reino Unido y Francia
Duración: 138 min
Director: Kenneth Branagh
Guión: Kenneth Branagh y Stephen Fry; basado en la ópera de 1791 de Wolfgang Amadeus Mozart (música) y Emanuel Schikaneder (libreto); con libreto y diálogos en inglés de Stephen Fry
Música: Wolfgang Amadeus Mozart
Fotografía: Roger Lanser
Montaje: Michael Parker
Diseño de Producción: Tim Harvey
Vestuario: Christopher Oram
Intérpretes: Joseph Kaiser, Amy Carson, Benjamin Jay Davis, Silvia Moi, René Pape, Lyubov Petrova, Tom Randle, Ben Uttley, Liz Smith, Teuta Koco, Louise Callinan, Kim-Maria Woodhouse
Género: Musical
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Adaptación cinematográfica de la ópera clásica de Mozart. En vísperas de la I Guerra Mundial, se desarrolla un drama mágico cuando Tamino (Joseph Kaiser) comienza un arriesgado viaje en busca del amor, la luz y la paz en un mundo aquejado por la oscuridad, la muerte y la destrucción, con el fin de liberar a Pamina (Amy Carson), la adorable hija de la Reina de la Noche (Lyubov Petrova), secuestrada por el malvado Sarastro (René Pape). Una aventura musical en la que el destino de una pareja de jóvenes amantes puede ayudar a determinar la suerte de las naciones y la vida de millones de personas...

En Amadeus, la oscarizada y brillante película de Milos Forman, supuesto biopic de Wolfgang Amadeus Mozart, cercano al final vemos la representación de la que sería una de sus últimas obras, que además resultó ser su primera (y única) ópera (o más bien singspiel) en alemán, en ella su mayor enemigo, el también compositor Antonio Salieri observa anonadado y casi embelesado la que es una de las mayores óperas de la historia, callendo rendido a los pies del que hasta entonces había odiado, destruido y según Shaffer casi inducido a la muerte, Mozart. La maravillosa composición le hace adorar al que fue y será el niño prodigio por excelencia, hasta el punto de ayudarle a transcribir parte de su Réquiem. En la realidad, dicha situación nunca se produjo, ni siquiera se sabe con certeza si Salieri asistió al estreno el 30 de Septiembre de 1791 en el Theater an der Wien de la ciudad de Viena, ciudad de la música en la época de Mozart, bajo la dirección del propio Wolfgang, poco más de dos meses antes de su fallecimiento; el singspiel más popularizante que Mozart compuso nunca contaba con el libreto de Emanuel Schikaneder, junto al que había decidido que fuera en alemán para cambiar con lo preestablecido y acercar así la música al pueblo. El mismo Schikaneder fue quien interpretó a Papageno en la primera versión, dirigida por Mozart. Mucho se ha especulado (y de hecho no hay que especular mucho, solo hay que abrir los ojos y pensar en la época de la que se trata) con la temática y contenido masónico de la obra, si Mozart fue masón eso no lo sé, pero que el signspiel está repleto de la supuesta doctrina masónica está claro (otros prefieren ver un simple cuento de hadas, que también puede ser), el ir en contra del mal (mal encarnado en la Reina de la Noche) que nos engaña, el bien supremo y la sabiduría (encarnado en Sarastro) y demás alegorías incluidas que desconozco, son las claves de las sospechas. En la época de Mozart la masonería estaba totalmente prohibida e incluso era muy temida por el Imperio, lo que hizo que las claves de existir realmente se ocultaran entre todo el entramado de esta maravillosa obra; en esta ocasión Kenneth Branagh y Stephen Fry se han propuesto trasladar la conocida obra de Mozart al cine, ambientándola en la época de la Primera Guerra Mundial, lo que supone un alegato en contra de la guerra perfecto, porque nos deja escenas como la del gran cementerio en las que se nos deja claro lo único que la guerra produce, la eterna lucha del bien y del mal, la búsqueda del amor en tiempos de desastre, y por supuesto el poder de la música sobre todas las cosas, encarnado en la flauta mágica de Tamino y en las campanillas de Papageno. La flauta mágica tiene el poder de con su sonido hacer cambiar al que la oye, de ahí que las Tres Damas, enviadas por la Reina de la Noche, se la entreguen a Tamino en su incesante búsqueda para salvar a su amada Pamina. Obra dramática y cómica a partes iguales, que mezcla la fantasía con la realidad, personajes que vuelan, enamorados que se conocen por foto, amores que aparecen y cambian de aspecto como Papagena, e incluso una Reina de la Noche que aparece subida en un tanque (esto me chocó bastante, pero tiene sentido); y realmente los cambios de ambientación que Branagh y Fry han realizado no lastran, ni entormecen, ni siquiera cambian la historia, cualquiera que haya visto alguna versión operística de La Flauta Mágica puede ver claramente todo lo que en ella ocurre, obviamente en diferente paraje, pero aún así es lo mismo, yo vi una versión el año pasado y la historia se sigue a la perfección; personalmente, el trabajo de Kenneth Branagh adaptando La Flauta Mágica me parece muy bueno, ha realizado una gran película, que visualmente es una belleza y que artísticamente y sobretodo a nivel de voces es una maravilla.

En alguna ocasión desde que os comenté mi interés por La Flauta Mágica y por As you like it (Cómo gustéis) -todavía pendiente de fecha de estreno en España- os dejé clara mi admiración por Kenneth Branagh en su faceta de director, un director bastante olvidado, infravalorado e incomprendido en muchas ocasiones. Este irlandés afincado desde pequeño en Inglaterra ha demostrado ser uno de los mejores (sino el mejor) directores en adaptar las obras del escritor inglés por excelencia, Shakespeare. En el 96 nos regaló la brillante Hamlet, que le reportó a Branagh la nominación al Oscar al Mejor guión adaptado. En el 2000 tras cuatro años de inactividad en la dirección, presentó la interesante Trabajos de Amor perdidos. Desde ésta última no había vuelto a dirigir ningún largometraje, hasta que el año pasado presentó La Flauta Mágica y As you like it, la primera nos llega ahora y la otra ni se sabe. Branagh no pudo tener un comienzo mejor en la dirección, fue con la película Enrique V, en el año 89, con la que recibió la nominación al Oscar al Mejor director y al Mejor actor, de las que al final no consiguió ninguna. Después vinieron Morir Todavía, Los Amigos de Peter, Mucho Ruido y Pocas Nueces, una versión de la novela de Mary Shelley Frankestein, y En lo más crudo del invierno; en los últimos años (y de hecho prácticamente siempre) a Kenneth Branagh se le ha infravalorado en demasía, para mí es un director muy interesante, que tiene grandes películas, en todas las películas que he podido ver de su filmografía (prácticamente todas) siempre se sacan muchas cosas positivas, y lo que ha estas alturas es innegable es que se trata del director que mejor ha sabido adaptar las obras de William Shakespeare, algunas de ellas incluso haciendo lo mismo que en La Flauta Mágica, trasportándolas a otra época, sin que por ello la obra carezca de sentido o sea mala; Kenneth Branagh nunca ha tenido ningún tipo de relación con el mundo de la ópera, lo que significa que al igual que sus intérpretes con el mundo del cine, eran debutantes en este estilo, y han salido bastante bien parados, ya que espera poder dirigir próximamente nuevas óperas. La idea de escoger el inglés para la película en vez de mantener el idioma original de la obra, el alemán, está explicado por el propio Branagh como un intento similar al de Mozart en su época, el de acercar la obra a todo el mundo, ya que entonces lo normal era componer las óperas en italiano y él la compuso en alemán para acercarla a un mayor número de personas, algo así es lo que han intentado Branagh y Fry cambiándola al inglés; y en cuanto a la ambientación, Branagh quería acercarse a la historia dramática que hay tras La Flauta Mágica, creo que con las palabras de Branagh queda bien explicado: “Lo que más me interesaba era la historia de amor de Tamino y Pamina, o más bien su evolución personal. Ellos realizan un viaje a través de la oscuridad para alcanzar la luz que es una metáfora sobre la propia experiencia de cada uno de nosotros al abandonar la infancia, superar la adolescencia y alcanzar la madurez. El filme avanza estéticamente de forma que quede más claro ese mensaje. Cada vez es menos oscuro, y la música va ganando en gravedad, peso y escala, hasta alcanzar esa maravillosa resolución musical en la que el conflicto termina y ganan los buenos sentimientos. Tal y como lo imaginó el propio Mozart”.

Todos y cada uno de los intérpretes de La Flauta Mágica son debutantes en el cine, son cantantes profesionales de ópera con mayor o menor experiencia y reconocimiento mundial, pero todos son cantantes. Por tanto hay que tener esto en cuenta, el cine es un campo nuevo para ellos, ya que obviamente no es lo mismo la ópera que el cine, a nivel de voz ninguna pega, es más, he de decir que me sorprendieron enormemente, porque tienen unas voces realmente impresionantes, sobretodo si hablamos del universalmente conocido (no me extraña que sea considerado el mejor bajo del mundo) René Pape y Lyubov Petrova, que tienen los personajes más complejos (tanto a nivel vocal como interpretativo) Sarastro y la Reina de la Noche. El pequeño problema que tienen los actores es que, al ser intérpretes de ópera les caracteriza una gran expresividad, sobretodo facial, lo que en algunos momentos es demasiado excesivo, ya que exageran mucho sus personajes, algo que por otra parte La Flauta Mágica acrecienta, ya que además requería que sus intérpretes fueran cómicos, sobretodo algunos, para mí se ajusta a la obra de Mozart, para otros podrá ser ridículo; el canadiense Joseph Kaiser es el encargado de interpretar a Tamino, el joven que se ve involucrado en la Primera Guerra Mundial y que de repente es salvado por las tres damas enviadas por la Reina de la Noche, estas le muestran una imagen de Pamina, la hija de la Reina, y éste queda profundamente enamorado de ella al instante. Le encomiendan que la salve de su secuestrador, el temido Sarastro, y le prometen que se podrá casar con ella cuando la libere, para ello le dan la flauta mágica, capaz de cambiar el carácter de cualquiera que oiga su música. Su impresionante voz de tenor le hace perfecto para el papel, que además interpreta con bastante soltura, aunque tiene algún momento que se nota que es más actor de ópera, aquí podéis ver un fragmento de una situación con Papageno y las Tres Damas; la soprano Amy Carson interpreta a Pamina, hija de la Reina de la Noche que un día es raptada por el temido Sarastro y llevada a su castillo. Envían a Tamino y a Papageno a rescatarla, cuando se entera de que Tamino está enamorado de ella, ella también cae enamorada. Su voz también es una maravilla, quizá sea uno de los personajes que menor esfuerzo necesita (sobretodo si la comparamos con la también soprano Reina de la Noche), pero aún así lo hace bastante bien; el estadounidense Benjamin Jay Davis interpreta a Papageno, el pajarero que se encuentra de pronto con Tamino y le hace creer (o más bien no le dice que no) que le ha salvado en la batalla, a partir de ahí comienza su viaje juntos para salvar a Pamina, ya que las Tres Damas le otorgan unas campanas con las que también podrá ayudar. Es un personaje divertido, cómico, en busca del amor que parece no llegarle nunca. Su voz de barítono protagoniza el aria junto al personaje de Papagena que también es famosísima de la obra, su interpretación es muy divertida, podéis ver un fragmento aquí; el internacionalmente conocido René Pape interpreta a Sarastro, el supuesto malvado de la historia que ha raptado a Pamina, lo que no sabemos es que realmente es su padre y que lo único que ha hecho ha sido apartarla del influjo de mal que es la Reina de la Noche. La imponente y magnífica voz de bajo que tiene Pape le hace ser un intérprete de ópera reconocido en el mundo entero, es alemán y ya en 1995 había realizado el papel de Sarastro en la producción de Georg Solti. Su interpretación es brillante, tanto a nivel de voz como la estrictamente interpretativa, aquí podéis ver el fragmento en el que se "enfrenta" al personaje de Tamino; otra grande es Lyubov Petrova, interpreta a la Reina de la Noche, madre de Pamina que encarga a Tamino que la rescate, prometiéndole que se podrá casar con ella. Realmente su personaje es el malo de la función, no Sarastro, como nos quiere hacer ver. Su personaje es al igual que prácticamente todos los personajes femeninos una soprano, pero sin duda es el papel más difícil y el que reporta un mayor reconocimiento, sus dos arias son las más conocidas de toda la obra, este fragmento es posiblemente la más conocida, su interpretación es magnífica; el resto de intérpretes están también perfectos en sus papeles, con voces realmente buenas.

Plasmar lo que un compositor (y más si nos referimos a Mozart, el que posiblemente sea el mejor compositor de la historia) ha concebido varios siglos atrás como una obra escénica, en este caso un singspiel (u ópera alemana de carácter popular y más corta que una ópera normal) no es tarea fácil, sobretodo porque conjugar ópera y cine es complicado, además de darle la ambientación adecuada; pues hay que decir que La Flauta Mágica es una obra perfecta a nivel visual, Kenneth Branagh ha sabido emplear los efectos especiales sin pasarse para crear ese ambiente entre mágico y real que respira la obra. Los efectos especiales como digo son perfectos, hay escenas realmente brillantes que están hechas a partir de los efectos especiales y que le han quedado perfectas incrustadas en la película; la fotografía también es una maravilla, en los momentos de guerra es tétrica y oscura, mostrándonos lo devastador de la guerra, mientras que en los otros es muy colorista, creando una especie de mundo de fantasía; el diseño de producción, vestuarios y demás también es estupendo, obviamente no podemos comparar los decorados de la película con los que se pueden emplear en las versiones operísticas, pero aún así está a la altura y queda magnífico. El vestuario también es muy bueno, destaco el genial diseño del traje de Papagena; la música obviamente es la composición de Wolfgang Amadeus Mozart, en lo que es una buena versión, ahora mismo desconozco la duración real de la obra, pero supongo que estará en su totalidad impresa en la película. Las voces de todos los intérpretes son muy buenas; el montaje puede dar los problemas a los espectadores ansiosos, porque obviamente está supeditado a la música, no puede ir ni más ágil ni más lento, es sencillamente el que la música tiene. Ese es el problema que a veces tiene la ópera, que si no eres capaz de seguir el ritmo pausado que muchas veces tiene acabas cansado, por mucho que la música te guste. Es el problema que puede tener para muchos La Flauta Mágica; el guión es una adaptación del libreto de Emanuel Schikaneder, traducido al inglés y con las variaciones ambientales que ya os he comentado, la más clara es acercar la historia hasta la Primera Guerra Mundial, como adaptación está bastante bien.

Para mí, La Flauta Mágica es una gran película, que ha sabido captar a la perfección el espíritu de la gran obra de Mozart. Otra muestra de la genialidad incomprendida de Kenneth Branagh. Una película visualmente deslumbrante, con efectos especiales perfectos y una estética preciosa. En un primer momento puede chocar la elección de Branagh de cambiar el idioma original de la obra del alemán al inglés, pero es comprensible, ya que en aquella época Mozart lo hizo para acercarla más al público, como ha ocurrido con la elección de Branagh y Fry, que hacen una buena adaptación del libreto original. Hay cambios en la ambientación, sí, la han acercado a la Primera Guerra Mundial, pero no por eso ya es mala la adaptación, no, el contexto en esta obra concretamente no importa, no pretenderíamos que nos la plantaran (nunca mejor dicho) en un bosque entre un príncipe y una princesa con pájaros que hablan y animalitos pululando, está acercada a la actualidad de una manera muy interesante. Se trata de un gran alegato en contra de la guerra y a favor del amor en contraposición, además del poder de la música. Una propuesta arriesgada que sin ser brillante personalmente me ha parecido fantástica. La prueba viviente de que la ópera y el cine pueden entenderse perfectamente. Con unas voces realmente magníficas. Eso sí, absténgase cualquiera que no tolere los musicales y más concretamente la ópera, ya que el 90% de su metraje es cantado.

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Valoración: 8'5

Escenas: "Magnolia"

Hoy quiero hablaros de Magnolia, dirigida y escrita por Paul Thomas Anderson, para mí hasta este momento un director desconocido, que comenzó en el cine con la película Sydney, desde la que ha ido contando con varios actores para sus siguientes películas hasta llegar a Magnolia, después rodó Boogie Nights, protagonizada por Mark Wahlberg y que retrata la vida de un hombre metido en el cine porno, después llegó Magnolia, en el 98, y hasta el año que viene solo habrá filmado otra película más, Punch-Drunk Love con Adam Sandler y algunos de sus habituales. La película se compone de un reparto coral formado por: Julianne Moore (Hijos de los Hombres, Las Horas) como Linda Partridge, William H. Macy (Bobby, Edmond) como Donnie Smith, John C. Reilly (Dark Water, El Último Show) es Jim Kurring, Tom Cruise (Collateral, La Guerra de los Mundos) es Frank T.J. Mackey, Philip Baker Hall (La Morada del Miedo, In Good Company) interpreta a Jimmy Gator, el oscarizado Philip Seymour Hoffman (Truman Capote, Casi Famosos) es Phil Parma, Jason Robards (Enemigo Público, Beloved) es Earl Patridge, Melora Walters (Cold Mountain, Boogie Nights) interpreta a Claudia Wilson Gator, y Jeremy Blackman (Zigs) es Stanley Spector; Magnolia fue nominada a tres Oscars, al Mejor actor secundario (Tom Cruise), Mejor canción original (Save me) y Mejor guión original, pero no consiguió ninguno. Fue la ganadora del Oso de Oro al mejor director del Festival Internacional de Cine de Berlín, ganó el premio a la película del año del Festival de San Sebastián, ganó en el Festival de Cine de Toronto, y el reparto ganó premios como el National Board of Review en el cual Julianne Moore y Philip Seymour Hoffman lo ganaron también de forma individual, Tom Cruise se llevó el Globo de Oro al Mejor actor secundario y varios premios más;como anécdota, la palabra "fuck" es empleada en 190 ocasiones, casi nada. Aquí os dejo mi particular visión sobre Magnolia.
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Nueva dosis de momentos de películas, en este caso como ya os he dicho se trata de Magnolia, película que podría destacar en prácticamente su totalidad, pero aún así me quedo con estos; la escena comienza con una destruida Linda (Julianne Moore) en los brazos de su moribundo marido, Earl Patridge (Jason Robards). Linda se ha dado cuenta de que con el paso de los años ha terminado enamorándose de Earl, se casó con él por el dinero, le fue infiel en multitud de ocasiones, pero al final, cuando ya todo está a punto de terminar, se ha dado cuenta de que a pesar de eso ha acabado queriéndole de verdad, por eso no puede aceptar que esté a punto de morir. En un acto desesperado ha intentado que cambien el testamento, no quiere quedarse con el dinero de Earl, no quiere nada suyo, porque le ha tenido engañado, pero si no lo acepta pasará a su hijo, Frank Mackey (Tom Cruise). Allí echada en la cama junto a Earl entre sollozos le dice que le quiere, mientras él está dormido, debe tomar la decisión de darle el suero o no, si lo hace el Earl que conoce dejará de existir. Al borde del llanto se queda observando el bote de las gotas, coge el resto de medicamentos que compró y se acerca a Phil (Philip Seymour Hoffman), le dice que le perdone por haberle pegado y que va a marcharse sin mirar atrás, quiere que le diga a Earl que está bien, que gracias por haberla cuidado estos años, y sin más se marcha. Ahora, Phil, el enfermero es el encargado de cuidar en sus últimos momentos a Earl, debe darle las gotas, mientras intenta localizar a su hijo. Entra en escena Frank T.J. Mackey, en su conferencia particular para hablar de sus secretos para conseguir mujeres, acaba de terminar bruscamente con la que parecía ser una apacible entrevista, a la vista de que la periodista sabe que su madre murió y su padre está vivo, contrariamente a lo que él estaba diciendo. Prosigue como si nada con sus clases particulares de "sabiduría", empieza a hablar de los estereotipos que constantemente hay entre el hombre y la mujer, y luego empezamos a notar como la situación anterior le ha afectado ya que empieza incluso a perderse en su propio discurso. Mientras tanto, Earl Patridge, su padre, sigue al borde de la muerte, con un desesperado Phil, comienzan una conversación sobre Lilly, la madre de Frank, su primera esposa, a la que llama el amor de su vida. Earl le cuenta cómo la conoció, cómo vivieron juntos y todo lo que le hizo a ella, le fue infiel, la abandonó y dejó sola con su hijo, se da cuenta de que el pequeño tuvo que cuidar a su madre mientras moría, se arrepiente de todo lo que les hizo. A la vez fingen que se esté fumando un cigarro, mientras vemos como llega en un coche bajo la tormenta un apurado Jimmy Gator (Philip Baker Hall), al que van a su encuentro su mujer y una amiga. Dentro le cambian de ropa, tras el incidente de su desmayo en pleno programa. De allí pasamos a Claudia (Melora Walters), hija de Jimmy, se está preparando para su cita con Jim, el policía. Todavía seguimos escuchando como Earl se lamenta de sus remordimientos, y vemos como Claudia no sabe si meterse un par de rayas de cocaína o ir completamente despejada. No muy lejos el departamento de policía está trabajando bajo la tormenta, Jim forma parte de la búsqueda. El pequeño Stanley (Jeremy Blackman) ha huido del programa y de la opresión de su padre y se ha refugiado en la biblioteca, buscando libros y recortes sobre los niños inteligentes de la historia. Por su lado el ya no tan joven Donnie Smith coge sus llaves. Volvemos a ver a Linda (Julianne), está en su coche, en medio de la calle y en plena tormenta, tomando todas las pastillas que ha comprado antes, todos los medicamentos que encuentra, entre sollozos. También está Frank (Cruise), en su coche, con la mirada perdida en sus pensamientos. En la casa, Phil (Seymour Hoffman) decide quedarse hasta el final con Earl, despacha en seguida a su enfermero relevo, vuelve con Earl, se seca las lágrimas y coge el bote de la morfina para dárselas a Earl, después le abraza; después empieza la secuencia en la que vamos viendo a todos los personajes, mientras susurran la canción Wise Up a la vez que escuchamos la versión original, todos están sentados mientras piensan en lo que les está pasando y quizá en lo que van a hacer ahora.

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Magnolia es el vivo ejemplo de que debemos tomar en serio el cine independiente, que desde hace varios años nos llega con cuenta gotas (cada vez más abundante) pero que siempre nos da sorpresas agradables. Magnolia es una de esas películas que cuentan con un reparto coral brillante, que además se ve salpicado por algunas caras conocidas, quizá comparable al caso de la oscarizada Crash, las dos corales, independientes, tocan temas de la vida norteamericana, pero son en el fondo muy diferentes entre sí. Magnolia es un relato que abarca multitud de personajes que entre sí aparentemente no tienen ninguna relación, pero poco a poco vamos viendo que la tela de araña que conforman llega del primero al último, formándose una interrelación que culmina con la lluvia misteriosa de ranas. Sus personajes son el arquetipo de la sociedad actual, pero yo diría que ni siquiera solamente norteamericana, sino que esos mismos personajes podríamos encontrarlos en cualquier otro punto del planeta. Magnolia es una gran película, intimista, sí, pero una película magnífica, a la que le doy un 9'5. La película va ganando mucho conforme avanza su metraje, aunque no olvidemos que su duración es de prácticamente 3 horas, lo que puede causar a muchos un ligero o abrumador lastre, al contrario que a mí, que personalmente me fue gustando más conforme pasaban los minutos. Paul Thomas Anderson supo filmar una pequeña joyita, para muchos difícil de comprender y para otros simplemente maravillosa, yo soy de la segunda opinión, Magnolia es una película con muchos matices que a simple vista pueden ser difíciles de entender, pero no por ello le resta encanto; los personajes entre sí tienen más en común de lo que podría parecer, el antes y el después de un niño prodigio con el desesperado Donnie Smith con mucho amor para dar y el pequeño Stanley que lo único que quiere es que no le toque siempre a él contestar las preguntas del concurso de televisión, Stanley ha podido escapar al menos de momento, pero Donnie no pudo, éste se refugia en un bar en el que su amor platónico, Brad el camarero de ortodoncia. Claudia y Frank, ella hija del presentador de televisión Jimmy Gator, él hijo de Earl Patridge, productor de dicho programa, ella drogadicta y él misógino de profesión, los dos tienen cuentas pendientes paterno filiares y padres al borde de la muerte, destrozados por el llanto sin apenas darse cuenta. Para cerrar el círculo de Claudia y Frank están Jim el policía y Phil el enfermero, Jim llega por el azar a casa de Claudia, se conocen, se atraen y quedan para cenar, Phil es el enfermero de Earl que ha conseguido contactar con el famoso Frank para que vaya a ver a su moribundo padre del que reniega. Luego está la perdida Linda, en busca de respuestas, a la par que Rose Gator en busca de otras respuestas, Linda acaba de descubrir que quiere a su moribundo esposo, después de las múltiples infidelidades a las que le ha sometido, se casó con él por su dinero, pero ahora cuando está a punto de morir se da cuenta de que le quiere, mientras Rose sabe que quiere a su marido pero ahora comprende porqué su hija Claudia no quiere verle; todo el reparto está absolutamente brillante, desde la maravillosa (lo ha demostrado incluso en papeles cortísimos) Julianne Moore, pasando por el normalmente algo soso Tom Cruise, William H. Macy, Philip Seymour Hoffman, Melora Walters, todos al completo; en Magnolia todo ocurre por una razón, y todo en un sólo día, o quizá no todo por una razón, sino que todos van en busca de su razón, están buscando lo que les falta, desesperados, incluso al borde de la muerte, queriendo echar atrás el tiempo para cambiar lo que hicieron mal. Entre pronósticos de tormenta (de qué tipo sería la pregunta clave) y lluvia de ranas, hechos inexplicables relacionados con Charles Font y sus teorías, incluso con las plagas que asolaron Egipto. Magnolia es la genialidad de Paul Thomas Anderson personificada, desde el primer momento en el que vemos las historias del buzo colgado de un árbol y del suicida accidentalmente asesinado por su madre en plena discusión con su padre. Solo hay que fijarse en que Paul Thomas Anderson se inspiró en las canciones que después poblaron Magnolia, para diálogos y momentos de desahogo. Además es capaz de con unos pequeños brochazos describirnos parte de la sociedad en la que vivimos, llena de desesperación, concursos televisivos, programas de autoayuda bastante cuestionables y personas en busca del perdón por los años pasados, cualquiera querría una máquina del tiempo para cambiar algún instante, algún momento que nunca debería haber pasado o algún daño que hicimos a alguien. Para Thomas Anderson la plaga de ranas no es algo malo, sino que las sendas que estaban buscando les son abiertas, encuentran lo que les faltaba, salvándose así de la autodestrucción, es capaz incluso de sacar una sonrisa al borde del precipicio. Quizá ahora ya no se detengan a mirar el pronóstico del tiempo, o tal vez ahora con mayor razón, por si deben resguardarse de alguna otra visita. (^.^)

Escenas: "Réquiem por un Sueño"

Parece que el domingo ocurrió algún error con Blogger que impidió que el post anterior se publicara, yo me fui pensando que estaba ahí pero no, ayer le volví a dar a publicar y apareció, siento la confusión; en estas últimas semanas he podido (y sigo) viendo muchas películas que a lo largo de estas semanas os iré comentando, una de ellas es como no Donnie Darko, que por fin he conseguido entender (¡gracias Donnie por tu esclarecedor post! :D); pasada la tempestad de ese concurso horriplante de Misses y Misters españoles de forma rápida me gustaría hablar de unas noticias o "premios" o "condecoraciones" que se han dado recientemente a otros bellos y bellas, hace un par de semanas supimos que se había elegido a las caras más bellas del mundo, en cuestión de hombres se eligió al estupendo actor Christian Bale y de mujeres a la modelo últimamente conocida por sus escándalos Naomi Campbell, personalmente con la elección de Bale estoy de acuerdo, siempre me ha parecido un actor muy atractivo y bastante guapo (que los hay más, cierto) pero a la modelo nunca le vi la belleza, además de que por supuesto las hay mucho más guapas al rededor del planeta. También se ha elegido a los más guapos televisivos, actores de series se agolpaban a la par que actrices, los ganadores fueron la "perdida" Evangeline Lilly y el "doctor macizo" Patrick Dempsey, sobre estos me parece que Lilly es una preciosidad aunque puede haberlas más guapas pero es que en el caso de Dempsey no sé que decir, a mí no me ha gustado demasiado nunca, prefiero mil veces a Hugh Laurie, archiconocido por House, o porqué no Milo Ventimiglia y/o David Boreanaz (por pedir que no quede xD, que para mí siempre han sido los guapos guapos de la tele); en fin, que ya me he extendido demasiado sobre eso, hoy os voy a comentar Réquiem por un Sueño (Requiem for a dream), del siempre peculiar Darren Aronofsky, el newyorkino casado o arrejuntado con la maravillosa Rachel Weisz tiene una filmografía corta como director, pero a la que podríamos denominar como intensa, tras varios cortometrajes se inició en la dirección de films con Pi, fe en el caos (Pi) en 1998, la película en blanco y negro que exploraba a través de un científico la búsqueda de un número perfecto, presumiblemente el número Pi, Aronofsky arrastró tanto aplausos como desoriento allá por donde pasaba, desde entonces tiene a sus espaldas tanto una legión de seguidores acérrimos como una de odios profundos que consideran una pérdida de tiempo sus películas. Después de Pi vino Réquiem por un Sueño, que gustó bastante más, pero aún así sigue teniendo sus detractores y aquí estamos a la espera de la que puede ser una maravilla, La Fuente de la Vida, de la que ya os he hablado tanto y que espero con muchísimas ganas (se estrena por fin este mes, a no ser que haya de nuevo cambios de última hora como llevamos viviendo desde Diciembre) y con la que tuvo su propia Odisea para realizar, protagonizan su pareja la fabulosa Rachel Weisz y el infravalorado y también estupendo Hugh Jackman, recomiendo encarecidamente la novela gráfica, es una delicia; Réquiem por un sueño está protagonizada por una brillante Ellen Burstyn (The Wicker Man, El Exorcista) como Sara Goldfard, un peculiar pero fabuloso Jared Leto (El Señor de la Guerra, La Habitación del Pánico) es Harry Goldfard, una magnífica Jennifer Connelly (Diamante de Sangre, Little Children) es Marion Silver, Marlon Wayans (Pequeño pero Matón, Scary Movie 2) como Tyrone C. Love y Christopher McDonald (Dicen por ahí..., El hombre que nunca estuvo allí) es Tappy Tibbons, entre otros; la película está basada en la novela de Hubert Selby Jr., el mismo que junto con Darren Aronofsky realizaron el guión para la película. La impresionante banda sonora corre a cargo de Clint Mansell, habitual de Aronofsky. Réquiem por un Sueño obtuvo una nominación al Oscar, para Ellen Burstyn como Mejor actriz secundaria, que no ganó, premio que sí consiguió en los Independent Spirit Awards, en Kansas City Film Critics Circle, en Las Vegas Film Critics Society, Phoenix Film Critics Society, Satellite Awards, y algunos otros, incluso Aronofsky ganó en el Festival de Cine de Valladolid; acontinuación es posible que haya SPOILERS.
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En esta ocasión me ha sido más difícil elegir un momento que más me haya gustado, y realmente tampoco sé muy bien porqué he escogido estos, pero son los que tras mucho pensar creo que me gustan más, de entre todos; la escena comienza con Harry Goldfard preparándose su dosis de droga para un rato, son esos pocos segundos que Aronofsky nos relata hasta que la droga entra en Harry. A partir de ahí empieza su diversión particular, a cámara rápida vemos lo que Harry va haciendo en la habitación, va de un lado a otro, no se detiene demasiado rato e incluso se pone a hacer mezclas de música. En ese momento todo se detiene, parece que ha visto algo, se queda mirando por la ventana de la habitación. En ese momento tiene una alucinación, a lo lejos se ve a una mujer joven vestida de rojo, mirando desde una gran barandilla al mar. Esa alucinación de pronto parece realidad, la habitación desaparece y se ve en el mismo barracón en el que está la mujer, observa a su al rededor un poco atónito. Pero cuando se da cuenta de que está allí comienza a correr hacia la misteriosa mujer, parece conocerla. Al llegar a ella se detiene justo detrás, resulta ser Marion, su novia, con el vestido rojo de su madre. Pero justo cuando se gira alguien abre la puerta de la habitación, sólo había sido una alucinación, es Tyrone que trae más droga. Llevan algún tiempo pensando en dedicarse al mundo de la droga de manera profesional, pasándola ellos mismos, por eso Harry al principio le dice que es mejor guardarla, para el negocio, que no van a conseguir nada probando ellos la mitad, pueden sacar mucho dinero con el negocio. Entablan un debate sobre si deben o no colocarse con lo que ha traído Tyrone, al final deciden que sí que tienen que probarla, para saber como cortarla a la hora de venderla, excusas. De nuevo tenemos los segundos que nos relata Aronofsky sobre las drogas, hasta la dilatación de sus pupilas, incluidas. Después les entra la tontería en el cuerpo, pierden facultades de control; de ahí nos vamos a otro tipo de droga, la que lleva consumiendo Sara Godfarb, la madre de Harry, desde hace años, la televisión. Se nos presenta de manera similar que con las drogas que llevan el nombre propiamente dicho, vemos a una hambrienta Sara mirando su programa favorito de televisión. Hambrienta porque ha decidido hacer dieta para poder ponerse su vestido rojo (el que Marion llevaba en la alucinación de Harry) para ir al programa de televisión, algo por lo que vive diariamente, no hace otra cosa. Parece desesperada por el hambre, para ella los segundos se hacen eternos, no ve la hora de que el día se acabe y siga con su dieta. Mira los relojes sin parar, comienza a ponerse nerviosa, allá donde mira de la casa aparecen de manera alucinógena alimentos apetecibles. Llega el momento del frigorífico, Sara se queda mirándolo, como si esperara algo, en ese momento sin abrir la puerta del mismo ve lo de dentro, tiene tentación de coger algo pero sabe que no es su objetivo. Decide apagar la televisión, todas las luces y echarse a dormir, para ver si así las horas pasan más rápido y llega un nuevo día. Mientras está echada en su cama la vemos sudorosa, nerviosa, mirando al techo. Incluso allí cree que ve comida, los pasteles, bollos y galletas parecen atacarla, mientras ella se esconde bajo el edredón. En ese momento salta de la cama, enciende la lámpara de la mesilla de noche y llama a su amiga Rossi, que ese mismo día le había dicho que su hija yendo a un especialista había adelgazado bastantes kilos en pocos días. Le pide su teléfono, en seguida pide cita para acudir a él, la angustia de no comer la está haciendo delirar.

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Réquiem por un sueño es básicamente una de esas películas que te deja KO después de verla, durante unas horas e incluso durante unos días sigues pensando en lo que has visto y sigues teniendo el ánimo por los suelos viendo lo que pasa en la realidad (es ficción pero no hay duda en que ocurre realmente), por tanto lo que está claro es que se trata de una película dura, muy dura, quizá no apta para cualquiera. Pero no por eso la genialidad de Darren Aronofsky al contárnosla es menor, para mí Réquiem por un Sueño es una gran película, a la que yo le doy un 9, porque creo que está rodada con maestría, de una forma impactante pero con mucho sentido y que, pese a que muchos detesten el cine de Aronofsky, no se le puede negar que tiene ese algo que le hace diferente al resto, diferente para mí en el buen sentido, para otros desde luego es en el malo. Me parece una película de sensaciones y sentimientos, sentimientos que tenemos por algunas cosas, substancias y/o personas que a veces no llegan a ser como queremos y todo en nuestra vida puede llegar a desmoronarse, como les ocurre a los personajes de Réquiem por un sueño, y de sensaciones en tanto que los momentos por los que los protagonistas pasan llegan a ser agónicos y los peores que puede sufrir el ser humano, en cada fotograma están impregnadas las sensaciones que Aronofsky quiere transmitirnos con esas imágenes y que perfectamente las sentimos mientras las vemos. El trabajo de Aronofsky tras la cámara es de una precisión absoluta, emplea técnicas que bajo mi punto de vista consiguen que incluso tengamos algunas de las sensaciones que los personajes están teniendo en esos momentos, el uso de la cámara rápida y los efectos de sonido electrónicos en los momentos del mayor colapso y efecto de los estupefacientes y otras "drogas", que nos hacen comprender el nerviosismo y la hiperactividad que en esos momentos tienen Harry, Marion, Tyrone e incluso llegado cierto momento Sara. Por tanto creo que no se puede negar que el trabajo de Aronofsky es interesante, puede gustarte o no, pero te transmite cosas, cosas que otros quizá no habrían sabido como expresar; Réquiem por un sueño nos cuenta parte de las vidas de Sara y Harry Goldfarb, madre e hijo, Marion Silver, novia de Harry, y Tyrone C. Love, amigo de Harry. Harry su novia y su amigo su adictos a las drogas, las usan para pasarlo bien, pero sin las que no pueden vivir. Sara es adicta a otro tipo de cosas, no puede vivir sin la televisión, y desea fervientemente que la llamen para ir a su programa de televisión favorito, presentado por Tappy Tibbons. Vive por y para ver la televisión, aunque echa mucho de menos a su hijo, Harry, que ya no vive con ella, pero que sin embargo siempre que necesita dinero para sufragarse las drogas va a por su vieja televisión para empeñarla (Sara llega incluso a atar con una cadena al radiador su preciado electrodoméstico, pero acaba dándole la llave a su hijo, ya sea por miedo o por verle feliz). Sara va día tras día al puesto del prestamista para recuperar su televisión, se siente sola, tiene a sus amigas, que todos los días se ponen a tomar el sol en el portal de la casa, pero aún así echa mucho de menos a su hijo y a pesar de todo lo que le ha hecho por las drogas le quiere, igual que él a ella también la quiere. Sara tiene un sueño y es que la llamen de la televisión para acudir al programa de Tibbons, un día le llega una carta, le dicen que ha sido preseleccionada, lo que acentúa su ilusión, pero para salir en la tele tiene un vestido rojo que desgraciadamente no le vale, por eso mismo comienza una dieta, para bajar los kilos que le impiden conseguir su sueño, poco a poco esa dieta se convertirá en su perdición. Mientras Marion quiere convertirse en diseñadora, tiene buenas ideas, pero para poner una tienda necesita dinero, dinero que su familia adinerada no le va a dar por su adicción, ahí entra en juego el deseo de Harry y Tyrone de dedicarse al mundo de la droga de manera profesional, vendiéndola ellos mismo, sacando así mucho dinero con el que poder montar la tienda de Marion; pero desgraciadamente nada saldrá bien en esta historia, al final la metáfora que supone el propio título Réquiem por un sueño se hace realidad, sueños muertos, sueños destrozados en pedazos que ya es imposible volver a juntar. En un viaje por buscar mejores drogas para su comercio Harry y Tyrone viajan y la policía les coge, Tyrone es condenado a permanecer haciendo trabajos en la prisión y enferma, mientras que Harry es llevado al médico porque su brazo izquierdo está muy mal, lo tiene gangrenado de tantos pinchazos que se ha puesto, al final se lo tienen que amputar y le vemos solo en la cama llorando, Marion ha sucumbido a las drogas y para conseguirlas ha decidido meterse en orgías en la que los hombres pagan por mirar, y el caso de Sara es impresionante, como la dieta normal no la podía seguir ya que le superaba decide ir a un especialista que le da pastillas (una pastilla es una comida), pastillas que obviamente también son drogas y acaba desquiciada, loca e internada en un hospital. La imagen de sus dos amigas abrazándose y llorando en un banco fuera del hospital es sobrecogedora; los protagonistas están soberbios, realmente impresionantes. Aronofsky nos hace una demostración de las consecuencias de cualquier tipo de adicción, sobretodo a las drogas, sólo suponen destrucción, soledad y miseria. En definitiva, Réquiem por un sueño es una gran película, realmente dura pero es esencial para que comprendamos lo que estamos viendo. Durante todo el metraje sentimos angustia, nerviosismo por lo que les ocurrirá a los personajes, incluso nos sentimos agobiados por las situaciones que presenciamos, como si estuviéramos recluidos en una habitación cerrada sin poder salir. (^.^)

"Diario de un Escándalo" de Richard Eyre

Ya han llegado las vacaciones de Semana Santa, por fin, un merecido descanso después de tanto ajetreo de exámenes y justo cuando están a punto de volver a empezar (no sé vosotros, pero yo ya llevo dos exámenes hechos de la 3ª evaluación). En fin, buenas vacaciones a todos los que vayáis a algún sitio y también a los que os quedáis en vuestros lugares de residencia, como es mi caso, que no solemos viajar nunca; por si os interesa, aquí os dejo el link a la web de Lancôme, firma de la que es imagen actualmente el gran Clive Owen (Hypnôse Homme), donde podréis ver el anuncio que protagoniza, sin palabras; si no os importa, cuando me dejéis un comentario en algún post me podíais dejar vuestra cuenta de FilmAffinity, y así os pongo en mi lista de amigos. Todavía estoy aprendiendo a usar la web, pero ya más o menos la comprendo; como ya os dije el otro día, esta semana en el cine he visto Diario de un Escándalo, de Richard Eyre, y ahora voy a pasar a comentaros mis impresiones. En primer lugar quiero decir que, no sé muy bien qué es lo que hacen con los tráilers, porque antes de la proyección de la película de Eyre pusieron tres tráilers (hasta ahí bien), uno del de Sunshine (esto también bien), otro el de El Buen Nombre (parece que les encanta comenzar las películas por El Buen.. o Un buen...) y el de La Fuente de la Vida (mi esperada The Fountain). Quiero hablar con respecto a este último, el que haya hecho ese tráiler ha dado una lección de como destrozar una película antes de verla, a parte de que ha respaldado mis peores temores sobre el doblaje, el de Rachel Weisz es horrible (cualquier parecido entre su espectacular voz y la del doblaje es pura casualidad) además de que en el tiempo que dura (es bastante extenso) te cuentan prácticamente toda la película, de principio a fin, todavía no han debido de darse cuenta de que lo bueno si breve dos veces bueno, al menos eso me indica que la van a traer a estos cines, algo es algo.

Ficha Técnica:
Título Original: Notes on a Scandal
País: Reino Unido
Año: 2006
Duración: 92 min
Director: Richard Eyre
Guión: Patrick Marber; basado en la novela de Zoë Heller
Música: Philip Glass
Fotografía: Chris Menges
Montaje: John Bloom y Antonia van Drimmelen
Diseño de Producción: Tim Hatley
Vestuario: Tim Hatley
Intérpretes: Judi Dench, Cate Blanchett, Bill Nighy, Andrew Simpson, Tom Georgeson, Michael Maloney, Joanna Scanlan, Shaun Parkes, Emma Kennedy, Syreeta Kumar
Género: Drama
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Barbara (Judi Dench), una despótica profesora, vive sola, sin amigos ni confidentes, pero su mundo cambia cuando conoce a la nueva profesora de arte de la escuela, Sheba Hart (Cate Blanchett). Sheba parece ser el alma gemela y la leal amiga que Barbara siempre ha estado buscando. Pero cuando descubre que Sheba mantiene una tórrida relación con uno de sus jóvenes alumnos (Andrew Simpson), su naciente relación da un ominoso giro. Cuando Barbara amenaza con revelar el terrible secreto de Sheba al esposo de ésta (Bill Nighy) y al mundo entero, los propios secretos y las siniestras obsesiones de Barbara salen a primer plano con estrépito, exponiendo los engaños que se ocultan en el núcleo de las vidas de las mujeres...

Diario de un Escándalo es una película que hacía mucho tiempo que llevaba esperando, parecía encontrarse en las sombras (curiosamente como su historia) de los últimos trabajos de Cate Blanchett, cuando es esta en la que hace una interpretación más excelente y que nos demuestra que esta actriz es capaz de meterse en cualquier papel; para comenzar a hablar de Diario de un Escándalo hay que comentar su póster, en principio me parece muy bueno y que con poco (basándose en los colores) nos transmite el sentido general de la película, pero muchos le han achacado cierto parecido con el de Hable con Ella, en cuanto al planteamiento básico del póster, bueno algo de razón tienen, pero desde luego peor es el caso de El Buen Alemán, en el que los tributos u homenajes a películas como Casablanca le pasaron factura incluso en el póster, que es idéntico al del gran clásico de Curtiz; bueno, ahora dejando de lado su póster, centrémonos en la película. Diario de un Escándalo explora el lado oscuro del ser humano, desde sus pasiones hasta sus instintos de venganza y destrucción; la película recibió cuatro nominaciones a los Oscar, a la Mejor actriz (Judi Dench), Mejor actriz de reparto (Cate Blanchett), Mejor banda sonora y Mejor guión adaptado, de las que al final no consiguió ninguna. Donde sí ganó fue en el Festival Internacional de Cine de Berlín, allí Richard Eyre ganó el Teddy Audience Award, y varios premios han ido para Cate Blanchet, por ejemplo: Vancouver Film Critics Circle, Toronto Film Critics Association, Phoenix Film Critics Society y Florida Film Critics Circle. También recibió bastantes nominaciones a otros premios, pero sobretodo iban hacia Judi Dench y Cate Blanchett; Diario de un Escándalo se centra en la historia de Barbara, una solitaria y amargada profesora que cuenta en su diario su vida. Su vida es aburrida y solitaria, todo ello se transmite en que es una profesora con mucho caracter que impone su autoridad frente a los alumnos del instituto. Pronto llega una nueva profesora de arte, Sheba Hart, una intimista y perfecta profesora que carece de autoridad frente a todos. En ella Barbara cree encontrar a su futura amiga, su confidente, la persona con la que compartir secretos siempre. Sheba y ella se hacen amigas cuando un día Barbara le ayuda con un problema en su clase. A partir de entonces una buena amistad surge entre ellas. Pero esa amistad se convierte en obsesión por parte de Barbara, sobretodo al enterarse de que Sheba tiene una relación sentimental con uno de sus alumnos. En un primer momento Barbara se escandaliza y está a punto de denunciar a Sheba, pero ve en eso una gran oportunidad. Oportunidad para tener a Sheba atada a ella de por vida. Sheba se siente muy mal por haber tenido que ocultarle su secreto a Barbara, lo que Sheba no ve es que Barbara va a aprovecharse de esa situación, para presionarla hasta explotar; con una narración en forma de voz en off, Richard Eyre nos cuenta esta historia, intimista y muy real. Una película llena de sensaciones, pero que aún con todo, con unas fabulosas interpretaciones y una formal puesta en escena no consigue ser todo lo buena que podría ser. Lo que sí creo que es un acierto es como se describe el ambiente en las escuelas, porque aunque parezca a veces surrealista las cosas son así, todo el mundo haciendo lo que quiere, los profesores sin poder hacer nada a no ser que se impongan, y demás.

El inglés Richard Eyre ha sido el encargado de llevar a la gran pantalla la novela de Heller. Richard Eyre vivió sus comienzos en el mundo de la televisión, con algunas mini series y películas televisivas. En esto del cine comenzó con Loose Connections, en el año 83, a la que siguieron The Ploughman's Lunch y Laughterhouse. Después de esta corta etapa volvió al mundo de la televisión, para salir de él en el año 2001 con la película Iris, sobre la escritora Iris Murdoch (que casualmente emiten esta noche en TVE 2 a las 2:30 de la madrugada), protagonizada por unas brillantes Judi Dench y Kate Winslet (nominadas al Oscar, como Mejor actriz y Mejor actriz de reparto) acompañadas de un también magnífico Jim Broadbent (ganó el Oscar al Mejor actor de reparto), en Iris pasa algo parecido a lo que ocurre en Diario de un Escándalo y por consiguiente en la mayor parte de las películas de Richard Eyre, sus protagonistas hacen interpretaciones espléndidas, pero aún así algo falla. Para mí sus mejores películas son Iris y Stage Beauty, esta última protagonizada por Clare Danes y Billy Crudup, ésta es sin duda alguna la que técnicamente está mejor tratada, me parece una maravilla que pasó sin pena ni gloria; por eso mismo si hay algo que bajo mi punto de vista tienen en común sus películas es que parten de una buena base, una buena idea, tienen actrices y actores conocidos y buenos a los que les saca el mejor partido, pero aún así no consigue grandes películas, se queda a medio camino entre lo que pudo ser y lo que realmente es. Por eso creo que a Eyre todavía le falta algo para conseguir que sus películas sean redondas, consigue buenas películas, pero sin llegar a más, quedándose ahí, es el caso de Diario de un Escándalo, no es una mala película, pero si no fuera por Judi Dench y Cate Blanchett no sé qué habría sido de ella. Lo que si se le puede agradecer es el tono en el que ha tratado un tema como el que toca la película, la relación entre una profesora y un alumno de 15 años, con lo que eso conlleva. Además, explora algunos los peores sentimientos del ser humano, la soledad, la venganza, la vergüenza y la obsesión, con momentos realmente insuperables, como el de la muerte del gato de Barbara y como acude a Sheba desesperada, pero ésta tiene la función de su hijo y no puede estar con ella, por lo que ella la amenaza y luego se venga prendiendo fuego a la mecha del secreto; también hay que reconocer que muchas escenas están muy bien rodadas, por ejemplo, SPOILER cuando Sheba se va a vivir con Barbara por el escándalo, Sheba aparece en el baño (hubo gente que no sé porqué se escandalizó, en fin, de todo tiene que haber), después en la habitación donde se pinta y se viste de manera bastante llamativa, donde después encuentra el diario y conoce la verdad. Después llega el enfrentamiento entre Barbara y Sheba FIN SPOILER.

Si por algo se caracteriza Diario de un Escándalo no hay duda de que es por su impresionante plantel de protagonistas. Algo que se le da realmente bien a Richard Eyre es sacarles grandes interpretaciones a sus protagonistas; empecemos por Judi Dench, ella es Barbara Covett, una vieja y solitaria profesora de instituto que se pasa los días escribiendo en su diario sobre su solitaria vida en la que se podría decir que desprecia a todo el mundo. Su vida cambia de repente cuando una joven profesora llega nueva al instituto, Sheba, en ella ve en principio a una pobre mujer de la burguesía que trata de dar clases aún sin tener el carácter apropiado por lo que los alumnos la pasan por encima, pero poco a poco se va dando cuenta de que puede ser su gran amiga, la amiga que llevaba tiempo esperando, su confidente, además de sentirse atraída por ella. Pero aún así Barbara sigue siendo una manipuladora, fría y amargada mujer, que no duda ni un instante en hacerle la vida imposible a Sheba cuando se le presenta la oportunidad. Judi Dench ha conseguido una nueva nominación al Oscar por su brillante interpretación de Barbara, una despiadada y enigmática mujer, que está obsesionada por el personaje de Cate Blanchett, llegando incluso a tener una relación tan extraña con ella que en su mente (cuyos sentimientos expresa en su diario) piensa que son como amigas de toda la vida, cree que Sheba y su marido la llevarán de vacaciones con ellos, cree que estaría mejor sin su familia, etc. Dench hace una interpretación realmente sobrecogedora y magnífica, no me extraña que fuera nominada al Oscar, es realmente impactante y de hecho es uno de los personajes más enigmáticos que he visto en mucho tiempo; luego tenemos a Cate Blanchett, ella es Sheba Hart, una joven profesora de arte que llega nueva al instituto, está casada con Richard Hart, antiguo profesor suyo y bastante mayor que ella, tienen dos hijos, Polly una adolescente preocupada por si su novio la deja o no, y Ben, un chico de 11 años con Síndrome de Daun. Sheba ha decidido dejar su vida como ama de casa para pasar a ser docente porque quiere olvidarse un poco de su familia, lleva años cuidando de su hijo enfermo y la situación llega a un punto en el que le sobrepasa, pero al llegar al instituto las cosas no le van mucho mejor. Allí encuentra que no tiene carácter para tratar a los alumnos que se le echan encima, le gusta el arte, pero ve que sus alumnos no están por vocación, un día conoce a Steven Connolly, un joven de 15 años con el que comienza una turbulenta relación sentimental. Sheba sabe que es un delito, que es un secreto que nadie puede saber, pero aún así eso le atrae, y no parece que quiera dejarle. Pero Barbara se entera de su relación y es cuando comienza a sacar la maldad que lleva dentro, la chantajea, le hace la vida imposible. La versátil Cate Blanchett está fabulosa como Sheba, su personaje comienza como una mujer inocente y algo perdida, pero continua por los derroteros del delito, un delito que conoce pero que parece ayudarle a subsistir. El duelo interpretativo que protagonizan Blanchett y Dench es realmente impresionante, las dos llegan al nivel de estar impartiendo una clase magistral de interpretación, ellas son la película; el siempre estupendo Bill Nighy es Richard Hart, marido de Sheba, no intuye que su familia está al borde del precipicio mientras su mujer se ve a escondidas con un chaval de 15 años, para él su vida es buena, quiere a sus hijos, quiere a su mujer, todo aparentemente le va bien. Y su mujer no le engaña con Connolly porque ya no le quiera, sino porque siente que le falta algo en su vida, algo que parece encontrar con el adolescente. No digo nada nuevo con la expresión "Bill Nighy siempre está estupendo" pero es que es verdad, es uno de esos actores en los que cualquier papel que haga lo borda, pues aquí igual, obviamente el premio gordo se lo llevan las protagonistas femeninas, pero aún así lo hace formidable; y por último tenemos al joven Andrew Simpson como Steven Connolly, el adolescente de 15 años que encandila a Sheba, y que mantiene con ella una relación sentimental a escondidas de todos, ya que de enterarse alguien los dos saldrían mal parados legalmente. Es un adolescente que no sabemos muy bien si solo se siente atraído por ella o para él hay algo más. Andrew Simpson lo hace bastante bien, tiene ese aire tanto atrayente como inquietante, algo a lo que favorecen sus ojos, que sabe explotar muy bien; el resto de secundarios están al servicio de los protagonistas, estando mejor o peor dependiendo de sus situaciones.

En el aspecto técnico como la mayor parte de las películas de Richard Eyre son bastante clásicas, clásicas en el sentido de no hacer alarde de ningún tipo, muy formales; en Diario de un Escándalo hay que comenzar hablando de su música, una banda sonora estupenda, compuesta por Philip Glass, que recibió la nominación por esta cuidada partitura. Glass también se encargó de la banda sonora de El ilusionista, recientemente, y ha estado nominado al Oscar en otras dos ocasiones, por la también preciosa partitura de Las Horas y por Kundun. Aquí hace otro gran trabajo que, le da un aire apacible a una historia tormentosa de delito y venganza, turbios asuntos de la vida humana; la fotografía también es bastante interesante, no hace un gran uso de los colores vivos, es más, se decanta por una gama cromática más oscura y anaranjada, un gran acierto; el montaje no es nada del otro mundo, la historia no daba para mucho más como la han contado así que su duración es la adecuada e incluso hay momentos sobrantes, sin embargo otros puntos clave se quedan a medio camino de la explicación y la duda; el guión está basado en la novela de Zöe Heller que explora los bajos fondos de la personalidad humana, hasta el punto en el que el personaje de Barbara llega a hacer lo impensable por conseguir que su amiga esté con ella. El guión es bueno, ayuda tanto como el dúo protagonista a salvar la película, pero aún así deja cabos sueltos, por ejemplo la gran obsesión que Barbara tiene, que no queda demasiado clara.

Una interesante película. Uno de los mayores duelos interpretativos de los últimos años, realmente fabuloso. Judi Dench y la asombrosamente versátil Cate Blanchett están deslumbrantes, magistrales, realizando unas interpretaciones a la altura de las circunstancias y comiéndose toda la película. A su lado camina el estupendo Bill Nighy, que no llega al mismo nivel que las protagonistas femeninas pero aún así nos regala una gran interpretación. Una película de planteamiento interesante pero que tampoco llega a ser una gran película, se queda a medio camino entre lo que es y lo que pudo ser. Desde luego no es una mala película, pero tampoco es excesivamente buena. Su historia es atrayente, además de estar muy bien tratada, pero algunos momentos se hacen demasiado repetitivos y condescendientes. Hay momentos en los que incluso parece que no nos estén contando nada, pero aún así es muy cercana y resulta muy realista. Lo que está claro es que Diario de un Escándalo está al servicio de sus protagonistas, hecha a medida para su lucimiento, algo que consiguen con creces y es lógico que fueran nominadas al Oscar, Dench a la Mejor actriz y Blanchett a la Mejor actriz de reparto. Una buena elección si os apetece ver un duelo de dos grandes actrices en su plenitud. (^.^)

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Valoración: 7'5