Cosas de "Ensayo sobre la ceguera"

En primer lugar quiero felicitar a todos los que por fin ya hayan terminado los exámenes, después de tanto trabajo y esfuerzo por fin ya vacaciones, y todo un verano por delante para disfrutar. Yo ya llevo un par de semanas de oficialmente vacaciones, y ya debo tomar una decisión importante, aunque no comprendo las prisas, para el próximo curso, que a no ser que las cosas cambien dudo que se produzca, creo que haré otro tipo de cosas, ya que en una semana me es imposible decidir nada. Y ya queda menos para que me vaya a la playa, creo que me iré el 1 de Agosto, 15 días (que me vendrán estupendamente) como siempre; si esta semana veis que tardo en postear no es decisión propia, es que últimamente no sé qué le ocurre a mi conexión a Internet con un par de Webs, entre ellas la de Blogger, así que me resulta bastante complicado poder entrar a escribir; como ya os comenté la semana pasada, estaba leyendo el libro Ensayo sobre la ceguera, de José Saramago, sobre el que como todos ya sabréis, va a rodarse una película, Blindness, dirigida por Fernando Meirelles, que se estrenará el año que viene. Pues bien, hace ya varios días que lo terminé y hoy me gustaría hablaros tanto del libro, como de las noticias que hay sobre la película y lo que en conclusión podemos esperar de ella. Para empezar he de decir que Ensayo sobre la ceguera me ha parecido una novela impresionante, Saramago ha sabido relatar con crudeza y total realismo la personalidad del ser humano, sobre todo cuando éste se encuentra en peligro, ante una amenaza que parece no tener solución y con la que, en mejor o peor medida debe sobrevivir, sobrevivir de la manera que sea frente a cualquier cosa. Así que, como primer paso, la novela en la que se basará la película me parece imprescindible, evidentemente se trata de un relato muy duro, que en algunos momentos puede resultar desagradable por lo que se nos está relatando, pero que sabe captar la esencia de la sociedad actual y lo que desgraciadamente ocurriría en un desastre como el que ocurre en la ficción de Saramago. Muchos ya se han atrevido a decir que se trata de una obra inadaptable al cine, en parte tienen razón, ya que sería muy difícil abarcar en una sola película todo lo que acontece en la novela, además su estructura también es algo complicada, pero a pesar de eso creo que estando en las manos de Fernando Meirelles podemos estar tranquilos y bajo mi punto de vista, creo que sabrá sacar todo el potencial de la novela. Trataré de que no haya Spoilers ni datos importantes, pero quizá alguno se escape.

El ganador del Premio Nobel de Literatura en 1998, el portugués José Saramago, fue quien escribió en 1995 la novela Ensayo sobre la ceguera, que se ha convertido en una de sus más famosas obras, y que tiene en Ensayo sobre la lucidez una especie de continuación, en la que su tema central son los límites de la democracia. Su estilo escribiendo en principio puede sorprender a cualquiera, ya que aunque la novela está dividida en lo que a priori pueden parecer capítulos, dentro de esos mismos "capítulos" vemos párrafos extensos en los que se entrecruza la narración de los acontecimientos con los diálogos de los distintos personajes. Esos diálogos no se nos presentan como suele ser habitual, ya que todo va dentro de la misma frase, únicamente diferenciando lo de cada personaje porque va entre comas y la primera letra es mayúscula, como si de un punto se tratase anteriormente. Así que, evidentemente hay que prestar mucha atención cuando se lee ya que sino corres el riesgo de llegar a un punto en el que no sabes quién está hablando o quién ha dicho una frase y quién le ha contestado. Pero eso solamente al principio, poco a poco te vas acostumbrando a su forma de escribir y resulta una lectura fácil de seguir; aquí Saramago vuelve a incurrir en el trasfondo sobre el que suelen transcurrir muchas de sus novelas, y es la decadencia de la sociedad actual, incluso la deshumanización de la sociedad, mostrándonos las penurias de un mundo de ciegos que ni siquiera saben porqué se han quedado ciegos, y que con su recientemente adquirida ceguera deben sobrevivir al mundo. Tratando evidentemente de manera necesaria muchos aspectos de la condición humana, entre otros orientados hacia la ética, ya que estamos hablando de sobrevivir ante cualquier situación, luchar por la supervivencia de uno mismo (y si es posible, de nuestros seres queridos), en contra del que se ponga por delante y trate de impedir nuestro cometido. Así que, trata temas éticos como si se puede matar o robar para sobrevivir, si puedes apropiarte de lo que pertenece a los demás pero que por circunstancias no pueden (y quizá nunca más vayan a) emplear, etc. Pero a pesar de tanta deshumanización y actitudes poco o nada éticas que los personajes deben adoptar para poder sobrevivir en un mundo de ciegos, también tenemos la parte en la que siempre habrá alguien que a pesar de tener que llevar a cabo algunos actos nada éticos, lleva el peso de la humanidad con sus actos, es diferente del resto, una persona con sentimiento y llena de humanidad (en este caso, la mujer del médico, la única que no pierde la vista). Y ya por último en cuanto al estilo de Saramago, me gustaría añadir que, se agradece su imparcialidad en cuanto a temas políticos e ideológicos, centrándose únicamente en las personas; en cuanto al pulso narrativo de la novela, a pesar de que en algunos momentos resulta desagradable por lo que se está narrando, es capaz de en todo momento mantener el interés por la historia, ya que nos interesamos por lo que les ocurre y ocurrirá a los personajes protagonistas (de los que en ningún momento conocemos sus nombres) y si finalmente tal y como vino sin explicación aparente la ceguera, desaparecerá sin dejar rastro o se quedarán ciegos para siempre.

El director elegido para realizar la adaptación de la novela de Saramago al cine ha sido el brasileño Fernando Meirelles. Su carrera comenzó en 1986, con el documental Olhar Eletrônico, en el 98 realizó el cortometraje E no meio passa um trem, su primer largometraje llegó ese mismo año, fue Menino Maluquinho 2: A Aventura, pero resultó un fracaso. En 2002 rodó Domésticas, que dirigió junto a Nando Olival, ese mismo año llegó también Palace II, que co-dirigió junto a Kátia Lund, y también presentó la gran Ciudad de Dios. Una película realmente impresionante y fabulosa, que consiguió cuatro nominaciones a los Oscar, incluyendo el de Mejor director, para Meirelles. Tres años hubo que esperar para ver una nueva película suya, pero desde luego la espera mereció la pena, ya que se trata de la maravillosa El Jardinero Fiel, protagonizada por los grandes Rachel Weisz y Ralph Fiennes, que además le valió el Oscar (y una tanda bastante importante de premios) a la Mejor actriz secundaria (lo de secundaria no lo entenderé nunca) a Rachel Weisz, que interpretó el impresionante papel de Tessa Qayle, contó también con otras tres nominaciones a los Oscar, el de Mejor banda sonora (del español Alberto Iglesias), Mejor guión adaptado y Mejor montaje. En mi opinión fue una de las grandes olvidadas de la ceremonia de los Oscar, tanto en lo que a nominaciones se refiere como a estatuillas; durante estos años, Meirelles también dirigió algunos capítulos de la serie brasileña Cidade dos Homens; en mi opinión, si hay un director idóneo y capaz de dirigir la adaptación de Ensayo sobre la ceguera, ese es Fernando Meirelles, sin duda. Es el idóneo porque estamos hablando de una obra muy social, muy humana y muy realista, que debe tratarse como tal, con todo el realismo y crudeza que desprende, y si vemos las películas de Meirelles podemos comprobar que eso no le asusta, sino que, es capaz de meterse en ellos y relatar cómo viven los más desfavorecidos, las penurias que pasan y cómo tienen que sobrevivir a ellas, así que esto le hace por lo menos a priori capaz de relatarnos la vida de todo un país de ciegos que lucha por la supervivencia. Y es que, en una película como Blindness, debemos estar ante una película realista, cruda y difícil, en la que evidentemente el diseño de producción y demás tendrán un papel importantísimo, para que captemos la esencia de la novela de Saramago, sin el cual, será totalmente imposible adaptarla, y eso debe quedar claro de antemano; de la fotografía se encargará el uruguayo César Charlone, que ya fue director de fotografía en El Jardinero Fiel y Ciudad de Dios. El montaje será de Daniel Rezende, que también colaboró con Meirelles en Ciudad de Dios, y hemos visto su trabajo en Diarios de Motocicleta y Dark Water. La dirección artística correrá a cargo de Tulé Peak (Casa de Areia), y el vestuario será de Renée April (La Fuente de la Vida, El Día de Mañana).

Ahora vamos a la parte que involucra a los actores. Poco a poco hemos ido (y seguramente iremos) sabiendo quienes serán los principales componentes del elenco interpretativo de Blindness, produciéndose incluso alguna baja (de gran importancia) y su posterior cambio. Sabemos que, la estupenda Julianne Moore (Magnolia, Hijos de los Hombres) será una de las protagonistas, la mujer del médico, la única persona en todo el país que no ha perdido la vista, pero que no sabe por cuánto tiempo seguirá así la situación, y por tanto es ella quien ayuda a todo el que puede, quien trata de hacer más fácil la existencia de los que la rodean, sin poder desvelar su secreto, ya que las consecuencias podrían ser trágicas para ella, ella representa a la bondad que todavía queda en la humanidad, es por decirlo de algún modo la heroína, ya que tratará de lograr que todo transcurra bien para los que pueda, y ella será la única que podrá ver todo el horror que asola el país. Junto a ella tendremos a Mark Ruffalo (Zodiac, Eternal Sunshine of the Spotless Mind) que interpretará al médico, marido del personaje de Julianne Moore, que en principio iba a ser interpretado por Daniel Craig (Casino Royale), con el que las negociaciones no llegaron a buen puerto. Gael García Bernal (Babel, La Ciencia del Sueño) que interpretará al rey de la Sala 3, un hombre sin moral, del que se puede esperar cualquier cosa. Alice Braga (Ciudad de Dios, Sólo Dios Sabe) será la joven de las gafas oscuras, una mujer que acude a la consulta del médico porque tiene conjuntivitis, y es una de las primeras en quedarse ciega. Y también se sabe de la participación de Danny Glover (Dreamgirls, Arma Letal) pero unas fuentes dicen que será el viejo de la venda negra (lo cual me resultaría muy extraño, ya que no es un hombre de raza negra en la novela) y otras dicen que será el narrador, lo que es seguro es que participará en la película. Y Don McKellar (Monkey Warfare, Despidiendo mi Vida) será el ladrón, así que ya sabemos que esa trama aparecerá en la película. Se conocen varios nombres más, en su mayoría desconocidos, pero no se ha especificado todavía qué papeles interpretarán. Papeles importantes que quedan por asignar son el primer ciego y su esposa y el niño estrábico; sobre estas elecciones que se conocen por el momento, la de Julianne Moore me parece muy acertada, igual que la de Mark Ruffalo (no me imagino a Daniel Craig en el papel), pero Alice Braga y Danny Glover no me pegan con esos personajes demasiado. Gael García Bernal si saca su vena más inhumana y egoísta probablemente sí. Espero que mantengan el "no nombramiento" de los personajes, ya que como bien dice la mujer del médico en varios momentos, no es necesario saber sus nombres, ya que allí no les servirán para nada.
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Como argumento general, Blindness narra el extraño caso de una epidemia de ceguera blanca (viven en una profunda blancura luminosa, en vez de en la más pura oscuridad) asola todo un país. El primer hombre en quedarse ciego estaba conduciendo y se había detenido en un semáforo rojo, cuando este se pone verde él empieza a gritar que está ciego, entre los pitidos y los gritos de la gente, a partir de ahí se irá extendiendo por todo el país. Los primeros afectados son puestos en cuarentena, en principio solo llevan a los ciegos, pero luego también a todos los que con ellos han tenido contacto, lo que no saben es que una mujer, esposa de un oftalmólogo ve, no se ha quedado ciega, pero no ha querido abandonar a su marido y ha decidido internarse con él. Resulta imposible ponerle freno a la ceguera, ya que ha aparecido sin explicación aparente, y sin síntomas físicos que la respalden, se han quedado ciegos porque sí, sin razón, quién sabe si volverán a ver algún día. El miedo comienza a llenar las calles, incluso a los soldados encargados del centro de cuarentena, los ciegos son tratados como apestados y al mínimo movimiento serán asesinados. Poco a poco se formarán grupos, facciones, dentro de los ciegos, algunos de ellos con peores intenciones que otros. A partir de entonces cada uno deberá sobrevivir, de la manera que pueda; la película contará con un presupuesto de 25 millones de dólares, y será una co-producción brasileña y canadiense, en principio ese presupuesto parece bastante bajo, sobre todo en comparación con otras películas, pero incluso con películas de similares características (como podría ser el caso de la obra maestra Hijos de los Hombres, que tuvo 76 millones de presupuesto), pero confiemos en que se trata de Fernando Meirelles y que con el mismo presupuesto rodó la magnífica El Jardinero Fiel; el rodaje comenzará previsiblemente en el cercano mes de julio, y se llevará a cabo en Sao Paulo y Toronto, con vistas al estreno en 2008, el año que viene; por el momento todo hace presagiar que estaremos ante una buena película, si Meirelles como creo que será capaz, plasma la esencia (evidentemente no es posible todo) de Ensayo sobre la ceguera. Algunos se han aventurado a decir que si todo sale bien puede ser la Hijos de los Hombres del año próximo, desde luego son de similares características a nivel general, ya que ambas exploran las miserias del mundo devastado por una epidemia sin razón aparente, la de Cuarón con la inexplicable pérdida de la capacidad de tener hijos, y la de Meirelles con una epidemia de ceguera blanca que se expande velozmente. Yo pongo mis esperanzas en Meirelles y todo el equipo, ya que personalmente el libro me parece impresionante, la película también puede serlo, pero aún habrá que esperar más de un año. (^.^)

Algunas de las últimas novedades

Mientras voy preparando algunas cosas de las que os voy a hablar dentro de pocos días hoy os dejo aquí una selección de algunas de las últimas novedades en el panorama del cine actual, sobre proyectos futuros (pero cercanos), pósters, novedades y ya de paso la primera foto de Indiana Jones 4; comencemos por una de las noticias sobre un proyecto que me resulta más interesante. Me refiero a la incorporación al reparto protagonista de la nueva película de Peter Jackson (El Señor de los Anillos, Atrápame esos Fantasmas), que llevará por título The Lovely Bones, y que se trata de una adaptación de la novela del mismo título escrita por Alice Sebold, que cuenta la historia de una adolescente, que con 14 años es asesinada y una vez en el cielo observa a los que le rodean, viendo las consecuencias de su fallecimiento, además del camino que van tomando las vidas de sus seres queridos; Rachel Weisz interpretará el papel de la madre de la chica, y se llamará Abigail Salmon. No se sabe mucho más acerca del resto del reparto, pero suenan voces de rumores que apuntan a la jovencita (y altamente irritante) Dakota Fanning para el personaje en cuestión, aunque no es nada oficial; el rodaje bajo la producción de la DreamWorks, comenzará en Octubre, después de la serie de rodajes que Rachel Weisz tiene previstos para el verano. Y se llevará a cabo en algunas localizaciones de Pensilvania y Nueva Zelanda. El estreno será para el próximo año, pero sin mayores especificaciones por el momento; este proyecto pinta bastante bien, no sólo porque una de mis actrices favoritas (razón más que suficiente para entusiasmarme) vaya a ser una de las protagonistas, sino porque será interesante ver la siguiente etapa en la carrera como director de Peter Jackson tras la monumental trilogía de El Señor de los Anillos y King Kong.

Por fin ha visto la luz el póster de la próxima película de Woody Allen (Match Point, Scoop), cuyo título sabíamos que sería Cassandra's Dream. Como seguramente todos sabréis, ahora mismo Woody Allen se encuentra en nuestro país, buscando localizaciones para rodar su siguiente película, cuyo rodaje se llevará a cabo en Barcelona y en algunos puntos de Asturias. Pero a lo que iba, ya tenemos el póster de la más próxima, Cassandra's Dream, que se estrenará en España el 26 de Octubre de este mismo año, el póster es el que veis a la derecha; la película está protagonizada por Ewan McGregor (Big Fish, Miss Potter), Colin Farrell (El Nuevo Mundo, Miami Vice), Tom Wilkinson (Shakespeare in Love, El exorcismo de Emily Rose), Hayley Atwell y Sally Hawkins; el argumento de la película es más o menos el siguiente, los hermanos Ian (Ewan McGregor) y Terry (Colin Farrell) pasan por apuros económicos, pero en principio todo va bien entre los dos hermanos. Aparece una mujer en sus vidas, Angela Stark (Hayley Atwell), por la que Ian caerá rendido. Por su parte, Terry será quien meta en más apuros económicos a ambos, ya que su afición al juego podrá darles algún disgusto. En ese momento aparecerá un pariente adinerado que para que consigan mantener su economía les hará ir por sendas apartadas de la ley, ambos hermanos acabarán siendo enemigos; evidentemente nos encontramos a la siguiente película en la carrera de Woody Allen que sigue los pasos aparentemente de la gran Match Point, después del paréntesis cómico que fue Scoop. Hace ya algo más de un año os comenté las primeras noticias sobre Ewan McGregor con respecto a la película; la verdad es que con respecto al póster, poco se puede decir realmente, porque no nos encontramos ante el póster más original del momento, pero sirve para abrir boca a pocos meses del estreno, con los dos protagonistas juntos pero no revueltos.
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Y ahora sobre directores asignados a un par de películas. En primer lugar, ya sabemos quién será el director de la próxima entrega de la saga de James Bond, que está tomando una buena (al menos por el momento) y renovada visión del espía 007. Marc Foster, director de películas como Más Extraño Que la Ficción, Descubriendo Nunca Jamás y Monster's Ball, ha sido el elegido para dirigir la que será la película número 22 del agente con licencia para matar. Después de la estupenda Casino Royale, que supuso para la saga a parte de una nueva cara para James Bond (Daniel Craig), nuevos aires y un nuevo estilo, más realista y menos... como era antes, que personalmente no me gustaba nada. Los productores Wilson y Broccoli manifestaron lo siguiente: "Estamos encantados de que Marc Forster, con su excepcional talento y visión extraordinaria, haya aceptado dirigir nuestra próxima película de James Bond". Sin título oficial todavía, y con vistas a su estreno el 7 de Noviembre del año próximo, el rodaje de las nuevas aventuras de Bond comenzará en Londres a finales de año; la noticia a mí en principio me parece muy sorprendente, porque no es precisamente el tipo de películas al que Foster nos tiene acostumbrados, pero todo es cuestión de esperar a ver cómo se desarrolla el proyecto y esperemos que, una vez vista su gran actuación como el nuevo James Bond, Daniel Craig tenga un rodaje menos accidentado que el anterior.

La otra de las noticias relacionadas con la asignación de director a un proyecto ya hecho oficial involucra directamente a, atención, Frank Miller. Exacto, habéis leído bien, el escritor de novelas gráficas como Sin City o 300 ahora va a ser el absoluto director de una película de la que aquí ya hablé en una ocasión, pero que ahora ha cambiado de título, será Trouble Is My Business, que antes pensaban titular Marlowe. En la que, Clive Owen (Hijos de los Hombres, Plan Oculto) interpretará al detective Philip Marlowe, y además ejercerá como productor ejecutivo de la cinta; a mí en principio la elección de Frank Miller como director me resulta sorprendente, porque ya sabemos que no tiene experiencia tras las cámaras, además de Sin City, dirigida también por Robert Rodriguez como adaptación de una de sus novelas gráficas, pero en la que no sabemos cuál fue el grado de participación real de Miller. Mientras tanto, hace poco Frank Miller pudo asistir al estreno de otra de sus novelas gráficas en la pantalla, la espectacular 300. Y también se suponía que estaban preparando la segunda parte de Sin City, incluso se hablaba de una tercera, pero todo son rumores ya que parece que el proyecto está estancado hace varios meses, y no parece salir adelante, ya veremos qué es lo que ocurre al final. Así que, también hay que decir que Frank Miller y Clive Owen trabajaron juntos en Sin City, en la que Clive Owen interpretaba uno de los papeles protagonistas.

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Y hoy me despido con la primera imagen del rodaje de Indiana Jones 4, en la que podemos ver a Harrison Ford ya caracterizado como Indy, sentado en su silla mientras espera más instrucciones. La foto se supone que la hizo el propio Steven Spielberg. Y además también se ha sabido recientemente que Jim Broadbent (Moulin Rouge!, Vanity Fair) se une al reparto, no se sabe a quién interpretará todavía, pero sí que también le podremos ver allí. Desde luego millones de personas (entre las que me incluyo, evidentemente) estamos con la vista puesta en mayo del año que viene, esto promete. (^.^)

*Fuentes: Blog de Cine, Impawards, Estrenos de Cine, Rachel Weisz Paradise

Escenas: "Dear Wendy"

Mucho había oído sobre la película de la que os voy a hablar hoy, Dear Wendy. Nunca había tenido la oportunidad de verla, pero sí que por varias personas sabía que era muy interesante y que les había gustado mucho, así que hace un par de semanas en una de las visitas a FNAC que hicimos para renovar la colección de DVDs que hasta ahora tengo la vi, ya me había llamado la atención muchas veces, pero nunca me había decidido a comprarla, hasta aquel día. Tampoco se puede decir que supiera de qué iba ni nada, sabía lo básico, por no decir nada, así que resultaba ser una compra todavía más interesante; Dear Wendy está dirigida por el danés Thomas Vinterberg. El danés ha dirigido hasta la fecha películas como It's All About Love, película protagonizada por Joaquin Phoenix, Claire Danes y Sean Penn, posterior a esa fue The Third Lie, anterior fue Celebración, también The Biggest Heroes, con Thomas Bo Larsen, Ulrich Thomsen y Paprika Steen, anterior fue The Boy Who Walked Backwards, y su primera película fue Sneblind, en el año 1990. Además hay que decir que Vinterberg es un director relacionado con el llamado movimiento Dogma, algo que se ve totalmente claro cuando nombramos al guionista de Dear Wendy, nada más y nada menos que Lars Von Trier, director de entre otras Los Idiotas, Dogville, Manderlay y la más reciente, El Jefe de Todo, ambos directores fueron dos de los fundadores de Dogma. Este movimiento creado en 1995 intentaba romper con lo establecido en el cine actual, algo que consiguieron a través de sus llamados 10 mandamientos, que posteriormente en cada una de las películas de los integrantes del movimiento debían verse reflejadas, actualmente están dejando esto un poco de lado, ya no lo llevan a raja tabla; interpretada por Jamie Bell (Banderas de nuestros padres, Billy Elliot) como Dick, Bill Pullman como Krugsby, Michael Angarano como Freddie, Danso Gordon como Sebastian, Novella Nelson como Clarabelle, Chris Owen como Huey, Alison Pill como Susan y Mark Webber como Stevie, entre otros; la música es de Benjamin Wallfisch (ha dirigido la orquesta en V de Vendetta, Orgullo y Prejuicio), la fotografía de Anthony Dod Mantle (El último rey de Escocia, Manderlay), el montaje de Mikkel E.G. Nielsen (Princess, Reconstruction), diseño de producción de Karl Juliusson (The Beautiful Country, K-19: The Widowmaker), dirección artística de Jette Lehmann (Nordkraft, It's All About Love); ahora os dejo una de las secuencias que más significativa me parece de la película, y mis impresiones generales sobre toda la película, así que cuidado que puede haber SPOILERS.

La secuencia que he elegido podríamos decir que comienza cuando Sebastian (Danso Gordon) llega con una caja que acaba de robar, una caja llena de pistolas, eran todas las que estaban en el escaparate de la tienda en la que Freddie (Michael Angarano) había visto su pistola, la pistola que estaba destinado a tener, no sería ninguna otra, tenía que ser la Automática modelo 1900 D7'65 mm. Sebastian lo ha hecho como algo bueno, para ayudar a los Dandies, que le han acogido, pero Dick (Jamie Bell) no lo ve así, nunca lo ha visto así. Dick ve a Sebastian como un usurpador, al que abrió las puertas de su hogar y ahora intenta superarle, intenta echarle de su puesto, y que además se atrevió a tocar a Wendy. Sin embargo los demás ven a Sebastian y su reciente acto como una maravilla, todos están contentos. Después de eso, todos van dentro a preparar la ceremonia de iniciación de Freddie y su pistola, un ritual en el que Freddie y Woman (el nombre que le pone a su pistola) quedan unidos para siempre, y nunca podrán separarse. Todos llevan sus trajes de Dandies, todos reciben con alegría a Freddie, menos Dick, que sigue pensando en lo que le atormenta, Dick y está como ausente del resto. Después todos se van a celebrarlo a la zona de tiro, allí Sebastian observa todo lo que le rodea, bastante sorprendido, entre balas, dianas y demás repuestos. Mientras todos disparan Dick sigue pensando en lo popular que se está haciendo Sebastian entre los Dandies, y cree que lo único con lo que le puede convatir es con Wendy, demostrándole quién es el mejor. Stevie, Huey y Susan practican las técnicas que han estudiado, consiguiendo así grandes resultados en sus tiros, cada uno desde su propio estilo. En un instante en el que Dick se aleja del lugar de tiro con Freddie para estudiar sus primeros tiros con Woman, Sebastian se ha quedado solo cerca de Wendy. Y en ese momento, Sebastian hace lo que primero se le pasa por la mente al ver la amada Wendy de Dick, cogerla y disparar unas cuantas veces, haciendo que Dick vaya corriendo hasta él para arrebatarle su pistola. El resultado, Sebastian a acertado en el centro de la diana con sus cuatro disparos. Dick no hace más que recriminarle que nunca debe usar el arma de otro Dandie, nunca, y le grita que se marche, que desde el principio no ha hecho más que fastidiar a todos. Para arreglar lo que Sebastian ha destrozado para él, pide que le venden los ojos y así demostrará que no importa que tuviera puntería, que él tiene más, pero no es así, no acierta nunca, para él ha perdido algo. Otra persona ha empleado a su Wendy, y esa persona encima ha sido Sebastian. Destrozado y casi tambaleándose decide marcharse; está lloviendo y Dick camina sin rumbo aparente por las calles de Estherslope, pero de repente se para en seco, parece que ha tenido una idea. Regresa caminando bajo la lluvia hasta su refugio y decide ir a ver a Stevie. Mientras Stevie le habla a Dick de un nuevo proyecto que ha pensado, Dick le entrega a Stevie su querida Wendy, éste piensa que es para hacerle algún tipo de ajuste, pero no es así. Le pide a Stevie que quite la mira de Wendy, algo que Stevie no logra comprender, ya que el estilo de Dick al disparar es desde la cadera, por tanto no emplea para nada la mira, y llega a la conclusión de que quiere quitar la mira, destruir parte de la personalidad de Wendy, para que nadie pueda usarla, para que Sebastian no pueda usarla. Aunque con mucha reticencia y sin compartir la opinión de Dick, Stevie lima la mira de Wendy hasta quitarla por completo, se la devuelve a Dick y este la deja en el lugar reservado.

Para ver y hablar de Dear Wendy debemos situarnos en el entorno de la película, me refiero efectivamente al grupo Dogma. Como muchos ya sabréis uno de los máximos exponentes de Dogma ha sido siempre Lars Von Trier, que nos ha sorprendido con películas como Dogville y su continuación, Manderlay, últimamente, donde podíamos encontrar todos y cada uno de los "mandamientos" que él y otros directores daneses concibieron al crear Dogma, algo que ahora ya empiezan a usar con menor regularidad. Es pues Dear Wendy una película en cuya base podemos encontrar algunos de los rasgos de este movimiento creado por los daneses, pero ya en mucha menor medida que cómo podíamos encontrarlo en años anteriores y en películas anteriores tanto del director, Vintenberg, como del guionista, Von Trier. Y aunque cuando estemos viendo Dear Wendy no sepamos de quién procede, sí que en cuanto terminemos de verla y veamos los nombres de su guionista y de su director entenderemos lo que hemos estado viendo, es lo que me pasó a mí. Precisamente no se puede decir que yo sea muy amiga del movimiento Dogma, personalmente encuentro interesante que crearan un cine a su "manera", pero no comparto sus teorías, ni suele gustarme excesivamente sus películas. Por suerte, Dear Wendy guarda semejanzas con lo que habían realizado anteriormente, pero de las que he podido ver es la película menos Dogma, ya que no llevan al pie de la letra muchas de las cosas que tenían impuestas; para mí, Dear Wendy es una muy buena película, no estamos ante una obra maestra, ni muchísimo menos, pero sí es una buena película que aunque no sabemos exactamente hacia dónde nos va a dirigir, sí que nos dejamos llevar por sus ideas, hasta comprender qué es lo que Vintenberg y Von Trier han querido contarnos. Dear Wendy es capaz de sorprendernos, impactarnos y desarmarnos ante el momento final que estamos presenciando como si se tratara de un mero juego infantil en el que nadie parece verse afectado por el uso indiscriminado de armas de fuego contra cualquiera, solamente para conseguir llevar a una anciana desde su casa a la casa de su sobrina, un par de calles más allá. Bajo mi punto de vista, y sopesando todos y cada uno de los momentos que vemos en la película, junto con lo que una vez más nos quieren transmitir, yo le daría como valoración personal un 8'5, porque creo que en su conjunto Dear Wendy es capaz de atraer desde el instante en el que un adolescente pacifista encuentra por error una pistola que cree es de juguete pero resulta ser de verdad, puede matar; el argumento es el siguiente, en un pueblo minero del Medio Oeste, llamado Estherslope, vive Dick, un chico de 18 años que vive con su padre, minero de profesión, y que es cuidado por Clarabelle, una mujer negra que le ha cuidado siempre como a un hijo. Dick es un adolescente que no va con gente de su edad, siempre está con Clarabelle, no tiene amigos, pero la gente del pueblo, sobretodo un policía llamado Krugsby, le ve como a un buen chaval, buena persona, pacifista y que nunca se metería en problemas. De pronto un día, es invitado al cumpleaños de Sebastian, el nieto de Clarabelle, un joven al que no aguanta y al que no sabe qué puede regalarle, va a una tienda cercana y tras mucho mirar encuentra una pequeña pistola de juguete, decide que no quiere pensar más en el regalo y la compra. Pero Clarabelle le dice que es un regalo perfecto, que a Sebastian le encantan las pistolas, así que Dick decide quedarse la pistola de juguete porque no se la quiere regalar ya a Sebastian. Días después del cumpleaños intenta devolverla, pero ya no puede, y decide llevarla siempre en el bolsillo, hasta que un día su compañero de trabajo, Stivie, le dice que no es de juguete, que se trata de un arma de verdad. A partir de entonces, los dos, inadaptados con respecto a los que les rodean, deciden hacer un club en el que siempre desde el pacifismo, emplearán sus armas para entretenerse, disparando a dianas y demás objetos, pero nunca a personas o animales. Desde ese momento se les van uniendo otros chicos y una chica del pueblo, adolescentes como ellos, sin rumbo aparente en la vida. Son los Dandies, se sienten poderosos, sienten que ya no están solos, se sienten bien. Pero todo cambiará cuando Sebastian aparezca de nuevo en la vida de Dick y se introduzca en el grupo de los Dandies; ante todo y como es claramente evidente, el tema principal de la película es de nuevo una protesta o un argumento en contra de la sociedad norteamericana, armada casi hasta los dientes desde tiempo atrás, en la que ven como algo normal el regalarle a un bebé de pocos meses una licencia de armas, para que en cuanto crezca un poco (unos cuantos años, pero tampoco muchos) pueda tener un arma como quien tiene un osito de peluche. Esa misma gente que en los bancos aquí te regalan bajillas, coches y alguna cosa así, pero allí con lo que te obsequian es con un arma. Cualquiera puede tener un arma, incluso los pacifistas, Dick, el personaje de Jamie Bell lo era, y llega a tal punto de necesidad de su querida Wendy que prefiere morir por una bala suya que por la de cualquier otra arma. Como ya sabemos, Lars Von Trier es muy dado a la crítica de la sociedad norteamericana, y aquí lo vuelve a hacer, esta vez con su lado armamentístico, y el miedo que probablemente desde los atentados del 11 de Septiembre sumieron en el temor y el caos a la población. Pero no sólo gira en torno a este tema Dear Wendy, también como también hacían en Ghost World pero de manera un poco diferente, vemos a unos adolescentes sin rumbo en la vida, solos, no tienen nada en el mundo y tampoco tienen a nadie, y desde su estado de total pérdida en el mundo intentan buscar su sitio o su papel en el mundo. En este caso lo encuentran en el club de los Dandies, teniendo pistolas, armas con las que pueden matar, pero que no deben usar, ya que es una ley que se han impuesto, solo las usarán dentro de su hogar, para los diferentes ejercicios, pero nada más, aunque eso es hasta un determinado punto. Con sus armas se saben poderosos, ya no se sienten como un despojo del mundo, saben que tienen poder y eso les hace sentirse mejor; en cuanto a las interpretaciones, se puede afirmar con rotundidad que todos absolutamente todos están fabulosos, todos hacen creíbles sus personajes, en todo momento, incluso cuando la lógica nos dice que lo que están haciendo no tiene sentido, que cualquiera en su sano juicio no lo haría, son capaces de mostrarnos como algunas personas sí son capaces. Desde Jamie Bell encabezando el reparto como Dick, que poco a poco se ve dado de lado por el grupo que cada vez quiere más a Sebastian, interpretado por Danso Gordon. Pasando por los hermanos Freddie y Huey (interpretados por Michael Angarano y Chris Owen), éste último atado a sus muletas, llegando incluso a Susan interpretada por Alison Pill con mucho encanto y naturalidad. Incluso Bill Pullman como el inquietante policía Krugsby está perfecto; el ritmo de Dear Wendy hay que decir que es muy lento, quizá a mucha gente pueda resultarle aburrida por eso, porque es una película lenta, que hasta su tramo final no termina de arrancar y llegar al sprint que nos lleva a la matanza sin sentido. La estructura de la película es a partir de una carta que Dick le escribe a Wendy, su pistola, de ahí el título, es como comienza la carta, en ella le cuenta todo lo que han pasado juntos, todas sus aventuras y desventuras, hasta que llega el momento de la batalla campal; Thomas Vintenberg rodó Dear Wendy como si de una mezcla de muchas cosas se tratara, logrando así una especie de western juvenil, con tintes melodramáticos, salpicado de un tono inquietantemente extraño, para tener como desencadenante final una batalla campal entre los no menos extraños policías del pueblo y el grupo de Dandies intentando llevar a Clarabelle (cuya evolución es digna de estudio, pasando de ser una mujer entrañablemente cariñosa a una psicótica con una escopeta preparada) a casa de un familiar, unas cuantas calles lejana. La puesta en escena de Dear Wendy es espléndida, alejándose de la escasez que promulgaba Dogma, para en un ambiente de claro oscuros, minas abandonadas y trajes de vaquero, al ritmo de una banda sonora fabulosa, contarnos la historia de la querida Wendy y los Dandies. (^.^)

"Drácula de Bram Stoker", Coppola y los vampiros

Esto de estar de vacaciones sienta muy bien, ahora tengo tiempo para casi todo, aunque por eso precisamente acabo teniendo poco tiempo para algunas cosas porque me confío demasiado. Actualmente estoy leyendo un libro del que se está hablando mucho últimamente, Ensayo sobre la ceguera, de José Saramago, del que se prepara una película, y del que os hablaré en cuanto lo termine, hablando tanto del libro como de lo que se sabe de la película y lo que se podrá esperar de ella por muchos factores. Ya queda menos para que sepamos las notas de la Selectividad, mucha paciencia es lo que nos falta; hoy quiero hablaros de la película Drácula de Bram Stoker, dirigida en el año 1992 por el gran Francis Ford Coppola. Creo que Coppola no necesita demasiada presentación, igual que tampoco lo está necesitando la familia Coppola en los últimos años, ya que aunque hace varios años que no vemos una película dirigida por Francis Ford Coppola sí que hemos podido ver el comienzo de la carrera de su hija, Sofía Coppola. Coppola ha ganado 5 Oscars durante toda su carrera, uno de ellos al Mejor director, por la segunda parte de El Padrino, por la que ganó también el de Mejor película y Mejor guión adaptado. Algunas de sus películas más conocidas para el público en general son (por orden de novedad) Drácula, la trilogía de El Padrino, Peggie Sue se Casó, Cotton Club, La Ley de la Calle, Rebeldes, Apocalypse Now, La Conversación y The Rain People, entre muchas otras. Pero desde 1997 no hemos podido disfrutar en los cines de ninguna película nueva de Francis Ford Coppola, desde The Rainmarker, algo que va a cambiar este mismo año que va a estrenar Youth Without Youth; Drácula de Bram Stoker está protagonizada por Gary Oldman como Drácula, Winona Ryder como Mina Murray, Anthony Hopkins como el Profesor Abraham Van Helsing, Sadie Frost como Lucy Westenra, Keanu Reeves como Jonathan Harker, Cary Elwes como Lord Arthur Holmwood, Richard E. Grant como Dr. Jack Seward, y con Tom Waits y Monica Belluci haciendo un par de papeles secundarios; del guión se encargó James V. Hart, a partir evidentemente de la novela de Bram Stoker; ganadora de 3 Oscars de la Academia, al Mejor vestuario, Mejor maquillaje y Mejores efectos de sonido, además de optar a un cuarto Oscar a la Mejor dirección artística. En los premios de la Academy of Science Fiction, Fantasy & Horror Films de USA, ganó el premio a Mejor actor (para Gary Oldman), Mejor director, Mejor vestuario, Mejor guión y Mejor película de terror, además de recibir nominaciones a Mejor actriz (para Winona Ryder), Mejor actor secundario (Anthony Hopkins), Mejores efectos especiales (para Roman Coppola), Mejor música (espléndido Wojciech Kilar) y Mejor maquillaje.

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Mucho ha dado de sí el mito de Drácula en el cine, ya no solo teniendo como protagonista a Drácula sino del mundo del vampirismo en general, que ya venía de antes incluso que en la novela de Bram Stoker, Drácula, que dio origen en 1897 a todo un mundo dentro de la cultura popular que ha llegado hasta hoy día en sus múltiples versiones. Como sabréis los que hayáis leído la novela de Stoker, está narrada en forma de cartas, cartas que se escriben los diferentes personajes contándose sus situaciones, además de algunos fragmentos de sus diarios. Está situada en la época Victoriana, y en ella se tratan temas de la época, ya no solo con respecto al folclore que involucra a Drácula, sino a por ejemplo la situación de la mujer en la época, que lo vemos en la dependencia de encontrar marido; sobre el tratamiento que se da al mito de los vampiros, como ya he comentado, no era la primera vez que esto aparecía, sino que en 1819 en el libro The Vampyre, de John Polidori, probablemente él fue de los primeros en escribir sobre un personaje similar a Drácula, relacionado con el mundo de los vampiros. Pero no hay duda de que la novela de Bram Stoker es una de las más importantes (sino la más importante) y que ha sido la base de la mayor parte de películas y demás creaciones tanto literarias como audiovisuales sobre el mito de los vampiros. Mito que además ha ido evolucionando y sufriendo algunos cambios con el paso de los años. Lo que sí es un elemento común siempre es el caracterizar a los vampiros como seres solitarios, cautivadores, en muchas ocasiones sin mayor aspiración que la búsqueda de sangre y que desprenden sensualidad y un cierto atractivo misterioso; el caso es que se han hecho muchas adaptaciones al cine que tenían como protagonista al Drácula descrito por Bram Stoker, y para muchos la de Coppola es la más fiel de las versiones. Yo he leído la novela, he visto la película, pero no he visto muchas de las películas que versan sobre el tema, así que tampoco puedo dar una visión tan amplia en ese aspecto. Pero sí que es una versión bastante fiel, aunque también hay que tener presente los cambios introducidos por Coppola con respecto la novela, algunos son: identifican explícitamente al personaje de Drácula con el personaje histórico Vlad Tepes, conocido como el Empalador, introduciendo así la visión romántica del personaje de Drácula con el de Mina, visto en su mayoría en el prólogo inicial. La cultura popular siempre ha identificado al personaje de Drácula con el de Vlad el Empalador, incluso en el lugar de "origen" del mito, en Rumanía. Que también resulta ser un personaje histórico muy controvertido y del que hay muchas versiones; cuando Mina sigue a su amiga Lucy en su ensoñamiento a través del jardín, Lucy tiene un encuentro con Drácula en su apariencia de lobo, mientras que en la novela en ese momento Drácula no aparece; el personaje de Mina en la novela no tiene el protagonismo que se le otorga en la película, que pensándolo así, cambia completamente el comportamiento de Drácula. A pesar de estos y otros cambios para muchos es la versión más fiel, para mí ni fiel ni no fiel, es sencillamente una versión sobre la novela, que le da al personaje de Drácula el ideal romántico, y ya no tanto como un ser despiadado, sino que aportan las razones de sus actos.

Drácula de Bram Stoker nos introduce en la historia que vamos a ver a partir de un prólogo (añadido a la novela, en la que no aparece) en el que vemos una batalla en la que Vlad III trata de defender Wallachia, su hogar, de la invasión de los otomanos. En esa batalla dan por muerto a Vlad, y su amada esposa, Elizabeta al creerle muerto se suicida lanzándose desde lo alto de su castillo, lo que desgraciadamente no sabe es que él estaba tratando de regresar a su hogar. Al llegar y recibir la noticia de que Elizabeta se había suicidado, Vlad que había defendido la cristiandad, decide renunciar a Dios, convirtiéndose en un ser de la oscuridad, un vampiro; a partir de ahí, Francis Ford Coppola nos cuenta la historia de cómo el Conde Drácula, antes Vlad III, encuentra por casualidad a la mujer que cree es la reencarnación de su esposa muerta, que no es otra que Wilhelmina Murray, también conocida como Mina Murray, que se aloja en la lujosa casa de su gran amiga, Lucy Westerna, perteneciente a la burguesía londinense, mientras que ella es una simple maestra de escuela. Es entonces cuando entra en juego la gran novedad que se incluye en la película, con respecto a la novela, el componente romántico e idílico de la historia, basar el comportamiento, los actos y el surgir de la maldad en Drácula por la muerte de su amada, que de repente parece volver a estar ante sus ojos, siglos después de su muerte. Para muchos esto es el aporte menos indicado que se le podría haber dado a la historia, ya que de un personaje sin escrúpulos, rey de la noche, asesino insaciable, es "transformado" a una versión más idílica, en la que el origen de su mal y muchos de sus actos dependen del amor, de que su esposa muere y cuando siglos más tarde vuelve a reencontrarse con ella, trata de hacer todo lo posible por recuperarla; personalmente me parece que la visión que Coppola le otorga a la novela es muy lícita, pero es evidente que le quita fidelidad con respecto al texto original, cambiando prácticamente en su totalidad las características psicológicas del personaje de Drácula. Pero desde luego el aporte es muy interesante, y trasladándose al personaje histórico real (Vlad III) realiza un entramado de historias relacionadas con la posible reencarnación de su esposa muerta, a partir del personaje de Mina Murray. Pero tampoco hay que olvidar que no todo lo relacionado con Drácula tiene que ver o nos es presentado a partir de su encuentro con Mina, antes de eso Drácula era el ser de ultratumba y despiadado, el muerto viviente chupa sangre que Stoker describió en su novela. Y que, precisamente en un alarde de sus poderes para meter en una trampa a Jonathan Harker, que casualmente es el prometido de Mina, encuentra un retrato de ésta y en ese mismo momento es cuando comienza todo, cuando trata de conseguir llegar hasta ella, porque para él es su difunta esposa. Aunque luego eso se entremezcla con el relato que Drácula le hace a Mina/Elisabeta, que nos describe casi a Drácula como un viajero del tiempo en las tinieblas que buscaba recuperar a su esposa, todo ello condensado en la famosa frase: "He cruzado océanos de tiempo para encontrarte".

Hasta ahí vendría la parte argumental de Francis Ford Coppola en su Drácula de Bram Stoker, título que levantó mucha polémica, ya que los defensores más acérrimos de la novela de Stoker que no quedaron del todo satisfechos y conformes con su adaptación no veían lógico el porqué la de Coppola debía pregonar a los cuatro vientos el ser quizá la adaptación definitiva de la novela. Pero títulos a parte, para mí es indudable que la película es magnífica, casi una obra maestra, que Coppola supo realizar a las mil maravillas, dotándola de un alo romántico, misterioso e imperecedero, que a pesar de haber transcurrido desde su estreno 15 años aún hoy sigue siendo considerada una de las mejores películas de los 90; y ya si nos ponemos a hablar de la parte técnica de la película, la verdad es que todo son elogios hacia la cinta de Francis Ford Coppola. Visualmente es un portento, a todos los niveles posibles. Es una película llena de plasticidad (en el buen sentido de la palabra), algo que por ejemplo podemos ver en el encuentro de las novias de Drácula con Jonathan Harker, como es capaz de tomar por elementos principales todo aquello que puede dar sensación de movimiento y "plasticidad". La fotografía de Michael Ballhaus (Infiltrados, Gangs of New York) es preciosa, desgraciadamente no pudieron rodar los exteriores en Rumanía, como en realidad quería Coppola, ya que el presupuesto habría sido considerablemente elevado. El diseño de producción perfecto, los monumentales decorados, el palacio de Drácula, los grandes jardines, la recreación del Londres victoriano, todo absolutamente está lleno de detalles espléndidos, que ayudan a crear la atmósfera de la película y a meterte de lleno en la historia. Al hablar de la banda sonora del polaco (actualmente ucraniano -son cosas de cambios de fronteras-) Wojciech Kilar (El Pianista) casi hay que quitarse el sombrero, su partitura es maravillosa, una de las mejores que he escuchado para una película, es capaz de transmitir todos los matices de cada una de las situaciones, igual que es capaz de pasar de los momentos más terroríficos a los más románticos sin titubear. El vestuario, de Oscar (fue uno de los 3 Oscars que ganó la película), de Eiko Ishioka, que también hizo un impresionante trabajo con todos los trajes y vestidos (atención al vestido rojo de Mina y al estremecedor blanco de Lucy). Igual que el impresionante maquillaje, que deja su huella más notable en el actor Gary Oldman, cuyas transformaciones son asombrosas, este fue otro de los Oscars que ganó la película. Tampoco hay que olvidarse de los efectos especiales, a cuyo frente se encontraba Roman Coppola, y que sin duda son también otro punto a favor de la película, ya que gracias a ellos vemos las múltiples transformaciones de Drácula, como vuela y se arrastra por la ladera del castillo, etc; a la hora de hablar de las interpretaciones el nombre que suena con mayor fuerza sin duda es el del magnífico e impresionante Gary Oldman, un hombre que a lo largo de toda su carrera ha demostrado en innumerables ocasiones el pedazo de actor que es y que aquí hace una representación perfecta de Drácula, en todas sus facetas, viejo, joven, incluso se comenta que fue capaz de bajar varios tonos su voz natural, para darle una mayor amplitud y un mayor tenebrismo al personaje. Desde luego chapeau por Oldman, que nunca deja de sorprenderme y encandilarme. También tenemos a Winona Ryder, una actriz que desgraciadamente por asuntos personales ha visto como pasaban muchos años de su carrera sin demasiada productividad pero que ya ha vuelto a escena sin complicaciones. No es precisamente una actriz que me guste especialmente (también hace un gran trabajo en Eduardo Manostijeras), pero aquí he de reconocer que lo hace fenomenal como Mina, lo tiene todo, la presencia, el encanto, también es verdad que quizá habría alguna otra mejor opción para el personaje en vez de ella, pero desde luego pasa la prueba con nota. Sobre el resto decir que, Keanu Reeves como Jonathan Harker, el prometido de Mina, no es demasiado molesto, que Sadie Frost está perfecta como la coqueta, extrovertida y en plena liberación y búsqueda del amor y de la sexualidad, Lucy Westerna, gran amiga de Mina, que sufre las iras de Drácula. Mención a parte merece el gran Anthony Hopkins, interpretando a Van Helsing, dándole ese tono irónico y a ratos de loco a su personaje, personaje que de no ser por su tremendo éxito con El Silencio de los Corderos, estaba encaminado a mi querido Liam Neeson. Hay que decir también que, el papel de una de las novias de Drácula fue el primer papel en el cine de Mónica Belluci.

Y ya para terminar (que bastante me he extendido ya), solo me queda decir que, en definitiva aunque para muchos sea una película que no adapta a la perfección la novela de Stoker, para mí este Drácula de Bram Stoker, dirigida por Francis Ford Coppola, es una magnífica película, que respira sensualidad, atracción y romanticismo en todos sus fotogramas. Una película a la que como valoración personal le doy un 9'5, además de ser para mí una de las mejores películas de los 90 y que quizá dentro de unos años pueda ser considerada como un clásico del cine, ya no solo de terror sino como algo más allá. En la que gracias a las fabulosas interpretaciones de los actores y la visión de Coppola se nos transmite el poder de atracción que el mito de los vampiros siempre lleva consigo, atracción por lo desconocido, además saben explotar la sensualidad que también impregna las historias de vampiros y que aquí se transforma en la alta carga erótica de la película. Una gran obra que cada cierto tiempo conviene recordar. (^.^)

"Ocean's Thirteen" de Steven Soderbergh

Como ya os comenté el domingo en el último post, esta semana era casi seguro que no podría escribir nada, y así ha sido. Por fin el jueves terminé los exámenes de Selectividad y estoy oficialmente de vacaciones, vacaciones en las que voy a hacer lo menos posible (en cuanto a esfuerzo mental se refiere xD) porque aunque no se puede decir que este haya sido el curso más difícil, sí que ha sido agotador. Pero bueno, ahora ya por fin se ha terminado, ya ha pasado el curso, la selectividad y ya solo queda esperar al miércoles las notas, aunque la verdad es que no me preocupan demasiado. Además ha todo esto había que sumarle que estos dos últimos días he tenido algunos problemillas con Internet y aunque tengo muchas cosas en el tintero que poco a poco os iré comentando, hasta hoy no ha podido ser. Pero aunque yo ya estoy de vacaciones no todo el mundo lo está, así que desde aquí le mando suerte a todo aquel que todavía no haya terminado los exámenes, que ya queda menos; bueno, la semana pasada no hubo sesión de cine para mí, principalmente porque los estrenos que yo esperaba con mayor o menor ilusión por aquí no aparecieron (y dudo que lo hagan), además algún estreno como este Ocean's Thirteen era imposible que fuera a verlo, puesto que no había visto sus predecesoras, pero eso cambió ayer, ya que hace un par de días alquilé ambas películas anteriores para así ayer poder ir a verla al cine. Sobre los estrenos decir que cada vez da más vergüenza la cartelera, estar esperando con relativa ilusión por ver algún estreno para que aquí ni aparezcan, no sé exactamente por qué extraña razón, a eso hay que sumar que este lunes los cines hacen huelga, porque no están contentos con la ley que les obliga a proyectar un determinado número (para ellos elevado y sin beneficios) de películas españolas. A mí esto ni me parece bien ni mal, creo que están en su perfecto derecho de no estar de acuerdo con tener que estrenar de manera obligada películas españolas (que encima la gente se extraña de que al público no gusten), pero también me gustaría que en vez de tanta chorrada que estrenan, estrenasen películas que parecen no importar nada a las distribuidoras. En fin, que os voy a hablar de Ocean's Thirteen de Steven Soderbergh, y ya de paso como hice con Los Piratas, de las dos anteriores.

Ficha Técnica:

Dirección: Steven Soderbergh

País: USA

Año: 2007

Duración: 122 min

Género: Thriller / Comedia / Acción

Intérpretes: George Clooney, Brad Pitt, Matt Damon, Andy Garcia, Don Cheadle, Bernie Mac, Ellen Barkin, Al Pacino, Casey Affleck, Scott Caan, Eddie Jemison, Shaobo Qin, Carl Reiner, Elliott Gould, Vincent Cassel

Guión: Brian Koppelman y David Levien; basado en los personajes creados por George Clayton Johnson y Jack Golden Russell

Música: David Holmes

Fotografía: Peter Andrews

Montaje: Stephen Mirrione

Diseño de producción: Philip Messina

Vestuario: Louise Frogley.

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Danny Ocean (George Clooney) y su banda sólo tendrían una razón para realizar su golpe más ambicioso y arriesgado: defender a uno de los suyos. Willy Bank (Al Pacino), el despiadado propietario de un casino, nunca hubiera imaginado que todo se iba a poner en su contra cuando traicionó a Reuben Tishkoff (Elliott Gould), amigo y mentor de Danny Ocean. Pero Bank se equivocó… para su desgracia. Quizás pudo derrotar a uno de los miembros originales de la banda, pero dejó a los demás en pie y les dio un propósito compartido: derrotar a Bank en la noche de la gran inauguración de su nuevo casino...

Este 2007 en cuanto a lo que el cine se refiere, podría ser denominado el año de las terceras partes, y desde luego sería un título que le vendría como anillo al dedo y por el cual seguramente nadie protestaría. Y es que, como ya hemos visto en lo que llevamos de año y comprobaremos en las próximas semanas, este es el año en el que han decidido estrenar todas las terceras partes de todas las películas que lo tuvieran previsto (o rodarlas, como es el caso de La Momia, tercera parte que pinta muy a mi pesar de manera catastrófica), todas ellas sagas de éxito en taquilla, de ahí que lleguen a tener tercera parte. Esto podría tomarse como una alarma, ya que todo esto significa y nos hace ver que ciertos sectores del cine pueden no estar pasando su mejor momento en cuanto a calidad, ya que se realizan en su mayoría terceras partes única y exclusivamente por el dinero que van a reportar en taquilla, como ya se sabe. Incluso parte de estas hasta la fecha trilogías sabemos de antemano que no terminarán aquí, que veremos en próximos años una o dos películas más, pero no parece importarnos, seguimos yendo a verlas. En el caso de esta, Ocean's Thirteen, se supone que esta ya es la última y la verdad es que sería lo más acertado, ya que no tiene sentido seguir con las aventuras de los chicos de Danny Ocean; todo comenzó en el año 2001 con Ocean's Eleven, película que resultaba ser un remake de otra Ocean's Eleven, dirigida en el año 1960 por Lewis Milestone, y que contaba con Frank Sinatra en el papel de Danny Ocean, que actualmente interpreta George Clooney; en la nueva revisión de Soderbergh, el carismático ladrón Danny Ocean acaba de salir de la cárcel, tras cumplir una condena de cuatro años de prisión. Nada más salir lo primero que hace es intentar reunir un grupo de ladrones para llevar a cabo un plan, está tramando su próximo delito. Poco a poco se va formando el equipo, que reúne a 11 ladrones de los cuales cada uno está especializado en una función diferente, de la que son casi expertos. El plan consiste en robar la caja fuerte del Belagio, uno de tantos casinos que posee el millonario Terry Benedict (Andy García), pero poco tardarán en descubrir que no se trata solo de conseguir una cantidad ingente de millones de dólares, sino que Benedict está saliendo con la ex-mujer de Danny, Tess (Julia Roberts); bajo esa premisa Soderbergh rodó una estupenda película de robos, en la que ya se podía ver que iban a lo grande, no hay más que mirar el elenco de actores y actriz que la protagonizaban, todos o casi todos ellos eran estrellas de Hollywood, lo cual ya ayudaba comprensiblemente al éxito de la película. Esta Ocean's Eleven poseía un aire fresco, entretenido y muy divertido, en el que ya se veía la amistad entre todos ellos, pero quizá sin llegar a lo de la segunda parte. La película tuvo éxito, así que hablando desde la búsqueda de dinero, no podían dejar pasar la oportunidad de hacer una secuela.

Esa secuela fue Ocean's Twelve, que en el 2004 ya sí que surgió como una mera película en busca de taquilla. Era la aventura europea de los de Ocean, a los que se les había unido ya Tess, el personaje de Julia Roberts, que retomó su relación sentimental con el que era su ex-marido, Danny Ocean. Se suponía que iban a alejarse del mundo del robo, que iban a comenzar una vida nueva apartados de todo eso, evitando así que le volvieran a meter en la cárcel. Pero evidentemente el gran golpe en el Belagio no le sentó nada bien a su propietario, Terry Benedict, que va a buscarles uno por uno para decirles amablemente que o le devuelven su dinero (dinero que su seguro le devolvió) añadiendo además los intereses o ya pueden ir nombrando herederos de su patrimonio. Por eso mismo, los ya doce de Ocean deciden viajar a Europa a realizar una serie de golpes con los que suponen conseguirán el dinero que Benedict les ha exigido; a partir de ahí ya toda Ocean's Twelve en sí es una ida de olla de niveles estratosféricos. Yo la verdad es que me perdía cada dos por tres, entre algunos comentarios que solo debían entender ellos y todo lo que estaba sucediendo, la verdad es que era bastante complicado poder seguir de manera continuada la acción de la película. Además, el introducir a Tess en el grupo crea algunas de las situaciones más extrañas y peculiares de la película, como el caso de hacerla pasar por la verdadera Julia Roberts por el gran parecido físico que le encuentran con la actriz (que evidentemente es ella, ahí está la gracia) y luego llega Bruce Willis y claro, se descubre el pastel. Otro nuevo personaje es Isabel, interpretada por Catherine Zeta-Jones, una policía especializada en robos que fue pareja durante un tiempo de Rusty (Brad Pitt) y que está obsesionada con encontrar al gran ladrón que anda suelto por Europa (interpretado por el prácticamente siempre estereotipado francés Vincent Cassel). Así todos comienzan a ser perseguidos por todos, mientras nosotros continuamos sin entender nada. Y en cuanto a las interpretaciones, pues tampoco es que se pueda decir que sean impresionantes, solo por parte del sector femenino, que hacen lo que pueden por sacar adelante de la mejor manera los personajes que les han tocado, el resto muestran su gran amistad, enseñándonos que se lo están pasando genial rodando la película, eso en parte es lo que debían mostrarnos, el colegueo y la química entre ellos, pero aquí se lo toman con mayor calma que en la anterior. Además, Ocean's Twelve ya no tenía el encanto de la primera, ya no estaba situada en Las Vegas, en la ciudad de los casinos, del dinero y de lo imposibles que casi resulta el que allí se produzca un robo, lo cual también le daba puntos a la historia de Ocean's Eleven. El resultado de esta secuela no fue nada satisfactorio, sobre todo comparándola con su predecesora, que sin ser tampoco ninguna obra maestra conseguía convertirse en una muy buena película de robos. Quizá por eso y también por supuesto por el dinero, se rodó esta tercera parte, Ocean's Thirteen, que llegó hace una semana a los cines.

Después del mismo período de tiempo exacto que hubo entre primera y segunda parte nos llega la tercera, Ocean's Thirteen. Yo apostaría porque ya se trata de la última entrega de las aventuras de los chicos de Danny Ocean, pero cualquiera sabe, porque como ya he comentado antes, cuando encuentran la fórmula del éxito no paran hasta usarla una y otra vez, en algunos casos hasta llegar a desgastarla. Pero aún a riesgo de equivocarme, no creo que ocurra eso en esta ocasión, creo que aquí lo dejarán o al menos eso espero. Por que desde luego con Ocean's Thirteen han conseguido acercarse lo más posible a Ocean's Eleven, y alejarse del fiasco de Ocean's Twelve, y lo más probable es que de volver a rodar otra más se volvieran peligrosamente hacia el lado de la segunda parte, lo cual terminaría por destruir la saga; en Ocean's Thirteen la pandilla se reúne después de que uno de ellos, Reuben Tishkoff (Elliott Gould) sufra un ataque al corazón y se encuentre en la ruina a causa de un negocio que decidió realizar junto a Willy Bank (Al Pacino), que después de tener todo preparado para llevar entre los dos un gran y nuevo casino, decide prescindir de Reuben, dejándole sin un solo centavo. A partir de ese momento, el único objetivo en las vidas de todo el grupo es destruir a Bank y a su nuevo casino, haciéndole perder el mayor número de millones posible, para hundirle en la miseria igual que ha hecho con su amigo. Antes de empezar a preparar el plan para destruirle, Danny Ocean decide darle una oportunidad, va a hablar con él para ver si hay alguna posibilidad de que la situación se arregle por las buenas, pero Bank no está dispuesto, es un hombre despiadado y tramposo que lo único que quiere es tener éxito propio, sin importarle lo que les ocurra a los demás por ello. Así que, los de Ocean empiezan a preparar un complejo plan para estar metidos en el casino de Bank y hacerle perder a la banca desde dentro, yendo incluso a México para desde su fabricación poder hacer que posteriormente se puedan trucar los dados que se emplearán en el casino. Pero necesitan la ayuda de alguien más para poder terminar con el plan, el "décimo tercer" hombre de Ocean será Terry Benedict (Andy García), su enemigo y perseguidor de las dos anteriores, del que precisarán ahora unos cuantos millones de dólares para comprar unos aparatos; a partir de ahí, Steven Soderbergh, Brian Koppelman y David Levien crean una película que recoge el espíritu de la primera, resulta entretenida, divertida y ante todo, no resulta desconcertante ni enrevesada como sí lo era su predecesora. Así encontramos que Ocean's Thirteen sin ser una gran película sí es una película muy disfrutable y que consigue hacernos pasar un rato agradable, con muchos diálogos despreocupados y situaciones divertidas.

Además se introducen novedades con respecto a las anteriores películas, en primer lugar, las protagonistas femeninas son barridas del mapa, Julia Roberts y Catherine Zeta-Jones son semi nombradas durante la película, pero no hacen acto de presencia, suponemos que Tess (Roberts) se encuentra viviendo su apacible vida en casa mientras espera a que su marido, Danny Ocean regresa, y de Isabel (Zeta-Jones) poco sabemos, al parecer las cosas entre ella y Rusty no van demasiado bien, pero ahí queda la cosa. Otra novedad es la incorporación al elenco de Al Pacino como el tramposo Willie Bank y Ellen Barkin como Abigail Sponder, aplicada ayudante de Bank. La verdad es que Ellen Barkin siendo la única protagonista femenina, es de las que mejor papel realiza, aunque su personaje esté muy poco aprovechado y poco dibujado. Y bueno, también como novedad respecto a la anterior es que la acción vuelve a transcurrir en Las Vegas, de dónde nunca debieron salir, porque es el lugar perfecto, un lugar lleno de lujos, dinero, casinos, y demás cosas etéreas que hacen de Las Vegas el sitio ideal; sobre las interpretaciones, como ya he dicho Ellen Barkin está estupenda, para mí George Clooney sigue en su línea de llevar a buen puerto a su personaje, Danny Ocean (además de que tengo debilidad hacia él), a Brad Pitt no sé, cada vez le veo un poco más lejos de su personaje, Matt Damon sigue aportando el toque divertido a su personaje o personajes más bien siguiendo además con el tema de sus padres que ya venía de la anterior película, con el resto pues hay un poco de todo, desde Bernie Mac que ya resulta un poco pesado con su personaje, pasando por el divertido Carl Reiner como Saul, los hermanos Malloy que siempre están discutiendo, hasta el manitas Don Cheadle y el siempre peculiar Shaobo Qin como Yen, el chino flexible; la película no es que introduzca nada nuevo al género de películas de robo y colegueos, pero emplea todo lo anterior de la mejor manera para dejarnos una película con la que pasar un rato entretenidísimo, mientras vemos cómo les sale el plan a Danny Ocean y los demás, de sobra sabemos que lo conseguirán, pero mientras lo consiguen les vemos como engañan a Willie Bank y los suyos; sobre el trabajo de Soderbergh hay que decir que después de tres películas ya se nota que lo de rodar escenas de robos y de preparativos a los mismos se le da de maravilla, y se mueve con la cámara como Pedro por su casa. En cuanto al resto de la parte técnica, la música de David Holmes igual que en las dos anteriores películas, es muy acertada, y el diseño de producción nos mete de lleno en el mundo de Las Vegas, con sus casinos, sus dados, sus cartas y sus fichas.

No es una gran película, tampoco os hará salir del cine pensando en ella, ni siquiera con el paso de los días os pararéis a debatir sobre ella o sobre lo que habéis visto, pero sin embargo si que es un buen entretenimiento que os hará pasar un rato divertido en el cine. Algo que sin duda hacen muchas películas (para mucha gente, a otros esas películas les resbalan), pero estos lo hacen con estilo. Es una simple pasarela de algunos de los actores más guapos de Hollywood, que demuestran una vez más que después de 6 años el colegueo y la amistad que sienten sus personajes también lo sienten ellos, y eso se nota. No está rodada con aspiración de ser más que eso, incluso supera a su predecesora, una segunda parte que resultaba un poco una ligera ida de olla en la que te pierdes por momentos. Aquí el argumento es sencillo, simple, a través de un hecho que le ocurre a uno de los de Ocean todos se juntan de nuevo para arruinar a la persona que ha hecho que su amigo esté gravemente enfermo, a partir de ahí van a destruir su nuevo casino, como vimos que ya hicieron en Ocean's Eleven, vuelven a Las Vegas, al mundillo de los casinos, sin mayor pretensión. Tiene muchos toques de humor, que ayudan a pasar un rato agradable, quizá la duración debería haber rondado la de las anteriores, ya que aquí llega a las dos horas, pero de todas formas son dos horas entretenidas las que se pasan en la butaca. Evidentemente no vamos a encontrar ninguna interpretación a la que se le pueda sacar demasiado, pero es lo que la película pedía. Eso sí, la dirección de Steven Soderbergh es muy buena, se nota que ya está acostumbrado y le ha pillado el truquillo a esto de rodar robos, y ya lo hace a la perfección. Es una de tantas otras películas que se van a ver para pasar el rato, que no te hacen pensar, te entretienen y al salir puedes decir que lo has pasado bien viéndola y al día siguiente probablemente ya no pensarás más en ella. Yo, si es por ver a George Clooney desde luego que me apunto. (^.^)

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Valoración: 7

Póster y datos de "I'm not there" y Connery al final dice No

Siento haber estado desaparecida últimamente, es que he estado muy ajetreada esta semana (la semana que viene lo estaré todavía más) y además hace un par de días tuvimos la graduación, con cena y fiesta incluida, así que siento no actualizar tan a menudo como de costumbre, pero es que tengo poco tiempo estas semanas. De hecho la semana que viene seguramente hasta el jueves no podré postear nada, porque el martes comienza la Selectividad y no tendré tiempo para prácticamente nada. Además esta semana no he ido al cine, porque no había nada interesante que ver, los estrenos que más esperaba aquí sorprendentemente de nuevo no los han traído, como están haciendo últimamente, algo que me repatea cada día más; hoy quiero empezar a hablaros de una película de la que hace un par de días apareció su póster, me refiero a I'm not There. Película dedicada a Bob Dylan, en la que una serie de actores y actrices le interpretarán en sus diferentes facetas. De la dirección se encarga Todd Haynes, que nos ha traído en años anteriores películas como Velvet Goldmine y Lejos del Cielo, que bajo mi punto de vista son bastante buenas, así que por su parte la cosa pinta bastante bien. Del guión se encargan Haynes y Oren Moverman; su estreno en Estados Unidos se producirá el 21 de Septiembre de este año, sin noticias de su estreno en España, yo previsiblemente digo que o a finales de año o a principios del que viene; protagonizada entre otros por Christian Bale, Cate Blanchett, Marcus Carl Franklin, Heath Leder y atención (dedicado a Iria xD) Ben Whishaw, que nos regaló esa magistral interpretación en El Perfume. Todos ellos (incluida Blanchett) interpretan a Bob Dylan en alguna faceta de su vida y de su música. Les acompañarán Julianne Moore, Michelle Williams, Charlotte Grainsburg, Bruce Greenwood y David Cross, entre muchos otros; la mayor parte del rodaje se ha llevado a cabo en Canadá, a excepción de algunas localizaciones en Los Angeles, California; la película tiene una pinta muy interesante, y seguro que el resultado está a la altura de las circunstancias. Desde luego poder ver a ese plantel de actores y actrices en esta historia a mí me llama mucho.

También os dejo aquí el póster que apareció recientemente. Por tanto deduzco que no tardará demasiado en aparecer el tráiler y algún teaser, sobre todo debido a que su estreno en USA es en Septiembre; a mí personalmente el póster he de decir que me encanta, vemos a cuatro de los actores (de pecho para arriba) que interpretarán a Bob Dylan caracterizados y luego debajo a modo de puzzle las diferentes piezas con los cuerpos de todos ellos hasta formar uno entero. Además los colores empleados llaman bastante la atención y son capaces de combinarse y destacarse entre sí perfectamente.

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Al final, desgraciadamente ya ha llegado la confirmación de uno de los rumores y participaciones más esperadas por todo el mundo. El gran Sean Connery ha confirmado que finalmente no participará en Indiana Jones 4, que se estrenará el 22 de Mayo del próximo año. Steven Spielberg, George Lucas y seguramente todos nosotros querían que Connery volviera para esta cuarta parte, para retomar su papel como Henry Jones, padre de Indiana, interpretado de nuevo por Harrison Ford. Lo peor de todo esto no es solamente que haya dicho que no a su regreso con la saga, que sin duda será espectacular, sino que por sus propias declaraciones podemos deducir que ya no vamos a volver a verle en una película, que va a continuar con su jubilación. Aquí os dejo sus declaraciones:

“Me lo preguntan tanto que es mejor anunciarlo. He pensado largo y tendido acerca de ello, y si cualquier cosa me hubiera sacado de mi jubilación, hubiera sido una película de Indiana Jones. Adoro trabajar con Steven y George, y ni qué decir tiene que es un honor tener a Harrison Ford como mi hijo. Pero al final, la jubilación es demasiado condenadamente divertida. Sí que tengo, sin embargo, un consejito para Junior: que los bichos sean digitales, que los acantilados sean bajitos y que por amor al cielo que ese látigo esté cerca de ti en todo momento en caso que tengas que escapar del coordinador de dobles. Es un reparto estupendo y sólo puedo decir: ¡Ojalá os rompáis una pierna! Os veré el 22 de mayo de 2008 en el cine”.

Así que, ya podemos ir despidiéndonos de volver a ver en la pantalla grande a Sean Connery, cuya última película y su despedida del cine fue la nefasta La Liga de los Hombres Extraordinarios de Stephen Norrington, una pena que este gran actor de tan solo 77 años no regrese tras esa película, algo que también es totalmente comprensible debido al fracaso que supuso, pero todos estábamos deseando que volviera con Indy; a pesar de esto, Indiana Jones 4 sigue siendo una de las películas más esperadas para el año próximo, dirigida por Steven Spielberg, el guión de David Koepp y producida por George Lucas. Protagonizada por Harrison Ford, Cate Blanchett, Shia LaBeouf, Ray Winstone y recientemente anunciado John Hurt.

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Y por último, como algo curioso, anecdótico y a mi parecer interesante, os dejo el enlace para que veáis el nuevo video clip de Paul McCartney, de su canción Dance Tonight, para su álbum Memory Almost Full. La canción me gusta, pero no es exactamente por eso, sino porque el video clip lo dirige el magnífico Michel Gondry, que nos ha regalado esas joyas tituladas Eternal Sunshine of the Spotless Mind y La Ciencia del Sueño. Y además, mi querida Natalie Portman hace un papel en él.

Audrey y los directores: William Wyler

Se me ha ocurrido dedicarle una serie de post a una de mis actrices favoritas, Audrey Hepburn. No solo como críticas de sus películas de manera independiente, como podría haber hecho igual que hago con otras tantas películas, sino para ver un poco la evolución o cómo fueron surgiendo algunos de sus proyectos. Así aprovecho y comento algunas de sus películas que he podido ver recientemente, sin necesidad de un post individual para cada una de ellas; Audrey Hepburn durante los 36 años en los que se desarrolló su carrera como actriz protagonista (a la que hay que restarle los 9 años que se tomó de descanso desde el 67), sin contar los dos anteriores años en los que, tuvo unos pocos papeles muy secundarios o de figurante, estuvo a las órdenes de un plantel de directores que en mayor o menor medida tuvieron su eco en el mundo del cine, del Hollywood de la época. A algunos incluso tuvo el honor y la oportunidad de poder escogerlos, como fue el caso de Blake Edwards para Desayuno con Diamantes, y con algunos de ellos coincidió en varias ocasiones. Este es el caso de William Wyler, ganador de 3 Oscars como Mejor director, por las películas Ben-Hur, Los Mejores Años de Nuestras Vidas y Mrs. Miniver. Y que estuvo nominado a esa misma categoría en 8 ocasiones más, incluyendo la primera película que hizo con Audrey Hepburn, Vacaciones en Roma. Además hay que añadir que fue precisamente William Wyler quien de alguna manera descubrió el talento de Audrey, él le proporcionó su primer papel protagonista, la maravillosa Princesa Anne, que le reportó su primera nominación al Oscar y la única estatuilla que conseguiría en su carrera (logró otras 4 nominaciones pero no consiguió ninguna más, a parte del Oscar póstumo a toda su carrera); a lo largo de sus respectivas carreras Audrey Hepburn y William Wyler coincidieron en tres ocasiones, la primera fue Vacaciones en Roma, en el año 1953, la segunda La Calumnia en 1961 y la última Cómo Robar Un Millón en 1966:

Después de participar en pequeños papeles secundarios en películas como Monte Carlo Baby, Secret People y Young Wives' Tale, a Audrey le llegó la oportunidad de participar en la obra teatral de Broadway, Gigi, en la que tendría el papel principal. Mientras se realizaban los últimos trámites para su participación en Gigi, el director William Wyler que ya había ganado 2 Oscars al Mejor director, estaba buscando a la protagonista para su nueva película, Vacaciones en Roma, película que tenía intención de rodar íntegramente en Roma, en la que contaría la historia de una joven princesa europea que insatisfecha con la dura vida de palacio decide escaparse durante un día de su agetreada vida y termina enamorándose de un periodista norteamericano. Para ello Wyler en principio había pensado en Jean Simmons, pero pronto se dio cuenta de que quería a una joven desconocida para el gran público y que a ser posible fuera europea (también estaba entre las posibles aspirantes Elizabeth Taylor). El director ejecutivo de la Paramount en Europa, Richard Mealand le recomendó a la desconocida Audrey Hepburn, que ya estaba inmersa en el proyecto de Gigi. Wyler no dudó un instante porque la joven fuera desconocida y en seguida pidió un encuentro con ella, tras ese encuentro se decidió por Audrey Hepburn al instante. A eso hay que sumarle que su actuación en Gigi fue todo un éxito, Audrey ya era conocida por la crítica, que estaban encantados con ella. Pero como había un acuerdo entre la Paramount y el encargado de la obra de teatro, tras 217 actuaciones se cerró la obra de Broadway para que así Audrey Hepburn pudiera incorporarse de inmediato al proyecto cinematográfico, Vacaciones en Roma; el rodaje de la película se llevó a cabo de la mejor manera posible, había gran amistad entre los protagonistas, Audrey Hepburn, Gregory Peck y Eddie Albert, además de que se produjo una gran colaboración con William Wyler. Wyler no sabía qué pensar, si Audrey Hepburn estaba hecha para el papel de la encantadora Princesa Anne, o es que el personaje estaba hecho a la medida de la actriz, la cosa es que salió a la perfección. El rodaje se llevó a cabo íntegramente en las calles de Roma, lo que se tradujo en la preciosa y magnífica fotografía que llenó la película, y es curioso como al poco tiempo y según cuentan, el rodaje se convirtió en un acontecimiento social, ya que los ciudadanos asistían a él e incluso le daban su opinión a Wyler sobre lo que habían visto. El resultado final fue un éxito, tanto de crítica como de público, incluso acaparó 10 nominaciones en los Oscar, de las que finalmente consiguió 3 (incluyendo Mejor actriz para Audrey Hepburn); la película es un claro ejemplo de cómo le gustaba hacer las cosas a Wyler, todo desde el mayor realismo posible. Para mí, personalmente, Vacaciones en Roma es una maravilla, una joyita del cine con unas magníficas interpretaciones tanto por parte de Audrey Hepburn en su primer papel protagonista como por parte del ya veterano (el gran) Gregory Peck.

No fue hasta ocho años más tarde cuando se produjo la segunda colaboración entre Hepburn y Wyler, y fue en la película titulada La Calumnia (The Children's Hour), en el 61. Justo después del éxito que supuso Desayuno con Diamantes, la película de Blake Edwards, por la que Audrey consiguió su cuarta nominación al Oscar a la Mejor actriz, que finalmente no logró. William Wyler fue el director que la descubrió, que la dio a conocer, que le proporcionó un personaje delicioso que además le hizo ganar el Oscar a la Mejor actriz (que por otra parte, en mi modesta opinión, mereció también más tarde). Pero la carrera de Audrey Hepburn evidentemente estaba en otro punto que cuando rodaron Vacaciones en Roma, había madurado, igual que ella, además ya era una estrella reconocida en el mundo del cine a todos los niveles. Y aquí, con La Calumnia, la evolución siguió, se trataba de una interpretación bastante distinta a lo que Audrey había hecho hasta entonces. La película estaba protagonizada por Audrey Hepburn como Karen Wright, Shriley MacLaine como Martha Dobie, James Garner como el Dr. Joe Cardin y Fay Bainter como la Sr. Amelia Tilford. La historia ya se había visto antes en el cine, precisamente en otra película de Wyler, titulada Esos Tres, que a su vez venía de la obra de teatro The Children's Hour que se había basado en hechos reales ocurridos tiempo atrás; en ella, Karen y Martha son dos amigas de toda la vida que dirigen una escuela para niñas, su trabajo es agotador pero lo hacen con muchas ganas porque ese siempre ha sido su sueño. Para sobrellevarlo les ayudan la tía de Martha, Lily, y el Dr. Joe Cardine, el novio de Karen. Pero tienen una alumna que no es lo que se dice modélica precisamente, siempre miente y se dedica a molestar, ella es Mary Tilford, por lo que la tienen que castigar muy a menudo. Pero un día, parece que Mary ya se ha cansado de que sólo la castiguen a ella, aunque sea con razón, y después de que unas compañeras escuchen un extraño comentario entre Martha y su tía con palabras como antinatural, celos de Joe, mujeres, y cosas así, Karen crea su propia película y lanza un rumor, concretamente se lo cuenta a su abuela, que en un primer momento no la cree pero por una serie de confusiones al final parece que la niña tenía razón. El rumor consistía en que Mary y algunas de sus compañeras habían visto u oído a Karen y Martha manteniendo relaciones sexuales, a partir de lo que se creó un gran escándalo por el que todos los padres sacaron a sus hijas de la escuela, dejando en la ruina tanto económica como personal a las dos amigas; el rodaje como no podía ser de otra forma entre Wyler y Hepburn se desarrolló de manera perfecta, comprobaron que después de ocho años ambos seguían entendiéndose a la perfección, no así era el caso de Wyler y Shirley MacLaine, que por la censura de la época vio reducidos ciertos aspectos de su personaje, que a ella le parecían muy importantes que se mostraran, ya que como se puede comprobar al final, Martha, su personaje, descubre que ella verdaderamente sí estaba enamorada de Karen, tuvo que darse cuenta a raíz del rumor infundado y no verídico, y a MacLaine le parecía importante señalar como ocurría en la obra de teatro, cómo su personaje llegaba a enamorarse de su amiga.
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Para mí La Calumnia es una película muy buena, que precisamente por ser tan compleja gustó y no gustó a partes iguales. Evidentemente el poder de la censura en los Estados Unidos todavía era muy fuerte, pero no censura en el hecho en sí mismo de la palabra, sino que creían (o al menos eso decían) que el público no estaba preparado para cierto tipo de cosas, aunque personalmente eso me parece una tontería, pero sabemos que las cosas son así, en la actualidad parece que las cosas están mejorado en ese sentido, pero todavía se nota a veces. Y en el caso de La Calumnia, se notó en el sentido en el que la actriz Shirley MacLaine denunciaba, ya que su personaje, una mujer joven que ejerce como profesora en la escuela que ella y su gran amiga han creado, descubre a partir de un rumor que causa la ruina en ellas, que realmente está enamorada de su amiga, nunca lo había pensado, nunca se lo había planteado, pero de repente se da cuenta, MacLaine pensaba que ese enamoramiento debería haberse mostrado, cómo se producía, ya que así se le restaba cierta credibilidad a su personaje. De todas formas, creo que La Calumnia está muy bien sustentada, tiene un guión muy bueno que nos presenta de forma coherente todo lo que está ocurriendo, nos muestra como a partir de malas informaciones puede saltar un rumor que, por su naturaleza incómoda para muchos puede destruir las vidas de personas que no tienen nada que ocultar, nada de lo que arrepentirse y peor aún, nada de lo que se ha contado es verdad. Además, la dirección de William Wyler es sobresaliente, nos deja muchos planos verdaderamente asombrosos, y escenas como la de la confesión de Martha que son brillantes, muy emotivas y sorprendentes, y hay que sumar a esto que se atrevió a sacar adelante un proyecto que a pesar de los varios recortes que tuvo que realizarle y que no le permitieron incluir en él algunas cosas, fue un avance en el cine, abriendo un poco las puertas a que no se produjeran vetos en Hollywood; en cuanto a las interpretaciones, se pueden decir muchas cosas, pero la más importante sería que estamos ante un encuentro magnífico entre Audrey Hepburn y Shirley MacLaine, dos actrices fabulosas que estaban asociadas a la comedia, y que realizan unas interpretaciones verdaderamente impresionantes y emotivas. Quizá la que más momentos de lucimiento tiene sea MacLaine, que su papel de Martha sobre todo hacia el final de la película es realmente duro, tiene que asimilar cosas que nunca había pensado y su decisión finalmente es trágica. Pero no menos muestra Audrey Hepburn, que en La Calumnia dejaba de lado el vestuario de Hubert de Givenchy que tan segura (dicho por ella) la hacía sentir, ya que en una producción como La Calumnia (igual que hizo en Mansiones Verdes, Los que No Perdonan y Dos en la Carretera) en la que sus protagonistas llevaban vidas modestas no tenían cabida ciertos modelos que solía llevar, en los últimos momentos de la película su interpretación nos transmite a la perfección todos sus sentimientos, sobre todo con ese plano final en el que tras el entierro de Martha ella se marcha sola, sin rumbo aparente pero que nos deja claro su triunfo frente a la injusticia, a pesar de haber perdido a su gran amiga. La química entre MacLaine y Hepburn se nota a cada instante, las dos venían de la comedia y además durante el rodaje surgió una gran amistad entre ambas, que se notaba en cada segundo de la película. Sobre los secundarios hay que decir que también están brillantes, Fay Bainter incluso estuvo nominada al Oscar a la Mejor actriz secundaria, por su gran interpretación de la Sra. Amelia Tilford, quizá Karen Balkin como Mary Tilford está un poco pasada de rosca en algunos momentos, pero aún así se resuelve bastante bien; técnicamente La Calumnia es bastante buena, sobre todo en cuanto a fotografía se refiere, el montaje es perfectamente adecuado, y todo como en las películas de Wyler da como resultado una muy buena película, que nos sirve además para ver la gran interpretación de Hepburn y MacLaine juntas, dos reinas de la comedia en un impresionante drama, yo le daría un 8'5.
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Cinco años tuvieron que pasar después para que de nuevo y ya por última vez hicieran una película juntos Audrey Hepburn y William Wyler, se trataba de otra comedia, una comedia que prometía y que parecía tenerlo todo a su favor, Cómo Robar un Millón (How to Steel a Million). Que además de ser la última colaboración entre ambos, también fue una de las últimas películas que realizó William Wyler, solo seguida por Funny Girl dos años más tarde y No Se Compra el Silencio algunos años después. Audrey llegaba al rodaje de Cómo Robar un Millón después de haber estrenado la genial Charada, la divertida Encuentro en París, y del éxito colosal que supuso My Fair Lady. Precisamente fue My Fair Lady la película que hacía dos años había triunfado en los Oscar, con 8 estatuillas de 12 nominaciones a las que aspiraba, sin incluir a Audrey Hepburn, quizá por el detalle de que no la dejaron cantar y la obligaron a ser doblada por Marni Nixon (la misma que a Natalie Wood en West Side Story), bueno quizá no, yo estoy completamente segura de que fue por eso, pero así lo decidieron, aunque Audrey dejó claro en varias ocasiones que se habían equivocado con su maravillosa interpretación de Moon River y también en la película Una Cara con Ángel, musical que protagonizó junto a Fred Astaire; aquí, en Cómo Robar un Millón, Audrey interpretó a Nicole Bonnet, compartiendo protagonismo con Peter O'Toole que interpreta a Simon Dermott, Eli Wallach como David Leland y Hugh Griffith como Charles Bonnet. Era la primera vez que el protagonista masculino de las películas de Audrey Hepburn era más joven que ella, ya que siempre la habíamos visto en películas acompañada de actores mucho mayores que ella, esto parece que a ella le entusiasmó, igual que ocurrió más tarde en Dos en la Carretera, con Albert Finney. Además la química entre ellos en el rodaje era estupenda, una anécdota que leí incluye las risas contagiosas de ambos que impedían en muchos momentos la realización de algunas escenas, y también está la del trago de brandy. Evidentemente no estuvieron exentos de rumores sobre un supuesto romance, como ya le ocurrió a Audrey en otras ocasiones; Cómo Robar un Millón está basada en una obra de George Bradshaw, titulada Venus Rising. La historia se desarrolla en París, Charles Bonnet es considerado por muchos el dueño de una de las mejores colecciones privadas de arte. Vive con su hija Nicole en una lujosa mansión, en la que se pueden encontrar obras de Picasso, Van Gogh, Cezanne, Cellini e incluso de Lautrec. Pero lo que nadie sabe es que esas obras son falsas, las ha pintado el propio Charles, sólo su hija lo sabe, y día tras día intenta sin resultado que su padre deje de engañar a la gente. Un día consigue vender una Venus de Cellini que esculpió su padre tomando como ejemplo a su madre. Nicole desesperada intenta conseguir que su padre retire la Venus, porque las nuevas tecnologías pueden decir al instante si una escultura es verdadera o es una falsificación, pero su padre no hace ni caso. En el museo le dan a la pieza un valor de nada más y nada menos que un millón de dólares, en ese momento Nicole trama un plan con un supuesto ladrón profesional, Simon Dermott, para que la ayude a robar la Venus.
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Personalmente, Cómo Robar un Millón me parece una película divertidísima, de principio a fin. En la que sus dos horas de duración pasan volando. Se trata de otra de esas comedias denominadas por algunos como sofisticadas, en la que Audrey vuelve a hacer un genial personaje, esta vez inmiscuida en el robo de su propia escultura falsa, para poder salvar a su padre. La verdad es que para mí el argumento es absolutamente genial, no se puede decir que sea estrictamente original, porque está basado en una obra anterior, pero aún así es dentro de lo que se suele ver en este tipo de cine una originalidad. Pero desgraciadamente a pesar de que Cómo Robar un Millón parecía tenerlo todo a su favor para el éxito, en su momento fue recibida con cierta frialdad, gustó pero tampoco es que encantara precisamente, y a otros les parecía una absoluta chorrada. Para mí sin duda se trata de una muy buena película, divertida y muy bien hecha, como no podía ser de otra forma viniendo de William Wyler. Desde luego no hay ninguna duda en que esta última colaboración entre ambos es totalmente diferente a las dos anteriores, sobre todo a La Calumnia, pero ahí está la gracia, en la versatilidad tanto del director como de la actriz; sobre los actores debo empezar evidentemente por Audrey Hepburn, que probablemente no hizo una de las mejores interpretaciones de su carrera, pero lo hizo fenomenal, esos momentos tan divertidos que protagoniza son geniales, el problema es que quizá entre los peinados que lleva y que yo era consciente de que tenía 37 años el hacer supuestamente de una jovencita pues no era lo suficientemente realista, si en el guión hubieran cambiado algunas cosas, en vez de hacernos ver que es una jovencita de unos 20 años que vive con su padre, habría salido todavía mejor. Peter O'Toole está deslumbrante en el papel, desde el principio se ve que no es lo que realmente dice ser, pero aún así siempre consigue engañar hasta saber quién es en realidad, además los momentos dentro del museo es que son perfectos, Audrey medio despistada sin saber qué hacer y él controlándolo todo y luego con esa especie de boomerang. La química entre ambos se nota en todo momento, desde el primer encuentro con el disparo fortuito. Y sobre los secundarios me gustaría destacar a Hugh Griffith como Charles Bonnet, y a Charles Boyer como Bernard De Solnay, ambos perfectos en sus papeles; todas las escenas en el interior del museo, mientras tratan de sacar la Venus a toda prisa son estupendas. No menos los encuentros en el bar, con la misteriosa Nicole (misteriosa porque se cree que con un velo tapándole hasta la nariz no la reconocen); aquí de nuevo el vestuario volvía a estar a cargo de Givenchy, eso se nota desde el principio. La verdad es que siempre supo acertar con el vestuario de Audrey Hepburn, aunque también de vez en cuando se le escapaba algún modelito demasiado vistoso; en definitiva, Cómo Robar un Millón es bajo mi punto de vista una buena película, que te hace pasar dos horas muy entretenidas y divertidas, ya que el ritmo no decae en ningún momento y el humor está presente a todas horas. Se nota que en la última colaboración de Wyler y Audrey se lo pasó bien interpretándola, y eso también muchas veces en una película de estas características es de agradecer, yo le doy un 8; y ya me gustaría terminar citando una frase que Audrey Hepburn solía decir con respecto a la compenetración que tenía con Wyler: Una sola mirada suya era suficiente para comprender mi equivocación. (^.^)

"Piratas del Caribe: En el Fin del Mundo" de Gore Verbinski

Ayer era viernes y después de que la semana pasada no fui al cine, esta ya tenía que ir. El otro gran estreno del mes después de Spider-man 3 era otra tercera parte, que como para las de Spidey, se suponía era la última (está claro que harán más), Piratas del Caribe: En el Fin del Mundo, de Gore Verbinski. La semana pasada era prácticamente imposible conseguir entradas para la tercera parte de los Piratas, ya que empezaron a venderlas un mes antes del estreno, así que evidentemente las habían cogido prácticamente todas. Recordemos que la segunda parte, Piratas del Caribe: El Cofre del Hombre Muerto, se convirtió en la tercera película más taquillera de la historia, con nada más y nada menos que 1,066.2 millones de dólares recaudados. Y esta tercera parte en 9 días ha conseguido 437.9 millones de dólares, pero debemos darnos cuenta de que lo recaudado en USA es muy inferior a lo que podrían esperar, 186'839'000 millones, parece que los norteamericanos han ido menos en masa a ver esta tercera parte de lo que fueron a ver la segunda. De todas formas, no cabe la más mínima duda de que esas cifras en las próximas semanas irán aumentando considerablemente, pero no creo que llegue a superar a la segunda. Lo que sí parece seguro, al menos después de ver Piratas del Caribe: En el Fin del Mundo es que, va a haber una cuarta entrega y muy probablemente alguna que otra más, porque a pesar de que nos dijeron que con la tercera la cosa terminaba no hay que ser muy listo para darse cuenta de que no va a ser así, evidentemente habrá que esperar a los resultados finales de recaudación, pero todo apunta a que tendremos piratas para rato; y ahora os dejo mis impresiones sobre la película, he de decir que por lo que me pareció la película voy a cambiar la manera de contarlo, no me voy a centrar solo en esta tercera parte, porque sino no habría mucho que decir, sino que voy a comparar un poco cómo ha ido evolucionando la saga, hasta esta correcta (poco más) tercera parte. Cuidado, puede haber SPOILERS:

Ficha Técnica:
Título Original: Pirates of the Caribbean: At World's End
País: USA
Año: 2007
Duración: 168 min
Director: Gore Verbinski
Guión: Ted Elliott y Terry Rossio; basado en los personajes creados por Ted Elliott, Terry Rossio, Stuart Beattie y Jay Wolpert
Música: Hans Zimmer
Fotografía: Dariusz Wolski
Diseño de producción: Rick Heinrichs
Montaje: Stephen E. Rivkin y Craig Wood
Vestuario: Penny Rose
Efectos Especiales: Industrial Light & Magic
Intérpretes: Johnny Depp, Orlando Bloom, Keira Knightley, Geoffrey Rush, Bill Nighy, Chow Yun Fat, Stellan Skarsgård, Jack Davenport, Naomie Harris, Tom Hollander, Jonathan Pryce
Género: Aventuras / Acción
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Lord Cutler Beckett (Tom Hollander), de la Compañía de las Indias Orientales, se ha hecho con el control del aterrador barco fantasma, el Holandés Errante, y de su malvado y vengativo capitán, Davy Jones (Bill Nighy). Ahora el Holandés surca imparable los siete mares, destruyendo sin piedad los barcos piratas a las órdenes del almirante Norrington (Jack Davenport). Will Turner (Orlando Bloom), Elizabeth Swann (Keira Knightley) y el capitán Barbossa (Geoffrey Rush) se embarcan en una desesperada búsqueda para reunir a los Nueve Lores de la Corte de Brethren: su única esperanza de vencer a Beckett, al Holandés Errante y a su Armada. Pero uno de los lores ha desaparecido: el capitán Jack Sparrow (Johnny Depp), el mejor y el peor pirata de todos los tiempos que ahora está encerrado en la bodega de Davy Jones debido a su encuentro con el monstruoso Kraken. En una alianza cada vez más frágil, nuestros héroes deberán viajar primero al exótico y peligroso Singapur y enfrentarse al pirata chino, el capitán Sao Feng (Chow Yun Fat), con el fin de conseguir las cartas de navegación y un barco que les lleve al fin del mundo para rescatar a Jack. A medida que se van sucediendo las traiciones, está cada vez más claro que Jack, Will, Elizabeth, Sao Feng y Barbossa tienen sus propios planes, y ninguno puede confiar en los demás. Asimismo, cada uno debe elegir un bando y crear una alianza final para librar una última batalla.

La saga Piratas del Caribe nació en el año 2003 de la mano del palomitero y multimillonario Jerry Bruckheimer, a partir de una famosa atracción del parque temático de Disneland. La Disney no parecía confiar demasiado en el proyecto ya que, ni siquiera pusieron su logotipo en Piratas del Caribe: La Maldición de la Perla Negra, pero cuál fue la sorpresa al comprobar que en el verano de 2003 gran parte del planeta (incluida yo) pasó por las salas de cine a ver esta película, y que además supuso la reinvención del género de piraterías, que hacía años no levantaba cabeza. Esa misma película nos venía a confirmar que la jovencísima (tenía 17 años) Keira Knightley tendría un futuro próspero en el mundo del cine, ya que hizo una estupenda interpretación (nunca le volvería a salir igual) de Elizabeth Swan, en ella teníamos al ídolo de masas (entre las que me encontraba, he de admitirlo) Orlando Bloom tras su paso por El Señor de los Anillos, y a dos veteranos y grandes actores como Johnny Depp y Geofrey Rush interpretando a sendos piratas enemigos acérrimos. La Maldición de la Perla Negra es sin duda la mejor de las que (hasta ahora) hemos podido ver, una película muy bien rodada, bien interpretada, con luchas de espadas reales, argumento inteligente y novedoso, todo lo que una buena película de aventuras puede pedir. Además creó a uno de los iconos del cine de aventuras, el Capitán Jack Sparrow, interpretado a la perfección por el estupendo Johnny Depp, que logró incluso una nominación al Oscar al Mejor actor. Estábamos ante cine palomitero de aventuras, pero de calidad, que gustó a prácticamente todo el mundo que la vio. Se trataba de una muy buena película que por muchas veces que la vieras no conseguía cansarte, y que además partía de una idea original, poniendo como protagonistas en este caso a los malos, a los piratas, que conseguían nuestra atención y simpatía, sobre todo de la mano del Capitán Jack Sparrow. A esto había que sumarle que técnicamente también era una película a tener en cuenta, en lo que a efectos especiales y diseño de producción se refiere, que fueron capaces de crear esos piratas malditos bajo la luz de la luna, y una muy buena banda sonora que además resultaba muy pegadiza y que se hizo famosa por ser empleada (incluso a día de hoy) en cualquier tipo de evento deportivo, no sé porqué extraña e inquietante razón.

Pero ya sabemos que lo que gusta y da dinero, en Hollywood se vuelve a usar en repetidas ocasiones. Es lo que se conoce como secuelas, películas que continúan con lo visto en la película original, en este caso La Maldición de la Perla Negra. Tres años esperaron para seguir con las aventuras de Jack Sparrow, Will Turner y Elizabeth Swan. Tres años en los que, una de sus jóvenes protagonistas, Keira Knightley, había cambiado desde que con tan solo 17 años interpretara por primera vez su personaje, ya se había convertido en una estrella internacional y cosechaba bastantes películas (la mejor de todas sin duda Orgullo y Prejuicio), además del nombramiento por parte de gran parte del mundo como una de las mujeres más sexys del planeta, así que no era de extrañar lo que hizo, pasearse por la película poniendo morritos prácticamente todo el tiempo, algo parecido a lo que también hizo Orlando Bloom. Solo se salvaba Johnny Depp, que volvía a ser el alma de la película, junto con algunos de los secundarios que entraban nuevos. La película para muchos era demasiado infantil, con algunos momentos que rodaban entre la carcajada con gracia y el ridículo según la persona que lo viera. Para mí era una película que sin llegar (ni de lejos) a lo que su predecesora había sido, seguía siendo una entretenidísima película de aventuras, pero en la que ya se empezaba a notar el gusto por los millones. Sin duda se trataba de una cinta espectacular, con unos efectos especiales magníficos e impresionantes, que en la última edición de los Oscar se vieron recompensados con la estatuilla; en esta segunda parte había muchas cosas que ya no terminaban de encajar, o mejor dicho, cosas que ya nos sonaban. Con ello me refiero a las similitudes que podíamos encontrar (y que fueron explicadas en algunas revistas de cine) con otra de las sagas más taquilleras e importantes del cine, Star Wars, la primera de todas era el final suspensivo que nos encontramos en El Cofre del Hombre Muerto, que por si fuera poco también recordaba al de la primera de las secuelas de Lucas, en el que el carismático Capitán Jack Sparrow era engullido por el gigantesco Kraken, la bestia de Davy Jones, que se llevó al Fin del Mundo a Jack, en busca del cual irían en la siguiente entrega. Pero es que además esta segunda parte ya comenzaba a ser excesivamente larga, sobre todo cuando encontrábamos escenas bastante extensas en las que, no se nos contaba nada relevante y que podría decirse sobraban. Pero de todas formas, el resultado final no me desagradó en absoluto, es más, me dejó con muchas ganas de ver la "última" para saber si conseguiría encontrar a Jack y si realmente al final resultaba que Elizabeth estaba enamorada de él; precisamente ese final en el que Jack Sparrow muere quedaba casi anulado porque sabíamos que irían a por él, ya que nada más estrenarse El Cofre del Hombre Muerto ya dijeron que habría una nueva entrega, en la que evidentemente le encontrarían y de alguna manera le salvarían, así que el factor sorpresa jugaba en su contra.

Y por fin llegó la tercera, Piratas del Caribe: En el Fin del Mundo, el tráiler nos anunciaba una espectacular película con la que todos suponíamos que se cerraría la saga de los Piratas, en la que además, volvía el personaje del siempre fabuloso Geofrey Rush y se unían actores de la talla de Chow Yun Fat, y el Rolling Stone Keith Richards haría una corta interpretación como el padre de Jack Sparrow. Además parecía que le iban a dar un aire oriental que podría venirle muy bien a la saga. Pero lo más importante, se suponía que sería la última. En una semana los comentarios en contra de la película llenaron Internet, la película estaba decepcionando a todo el mundo, y lo peor, era demasiado larga, con una duración que ronda las 3 horas. Así que, todo hay que decirlo, ayer fui al cine a verla sin demasiadas expectativas lo que hizo que no me sorprendiera el aburrirme enormemente en su mayor parte; la película comienza con el ajusticiamiento de cientos y cientos de personas que según Lord Becket y sus amiguitos de la Compañía de las Indias Orientales han tenido algún tipo de: relación, parentesco, diálogo y poco menos que roce con algún pirata. Y que al final todos se ponen a cantar la canción de los piratas, sin todavía darse cuenta de que al ser más podrían con los guardas, pero eso da igual. Después nos llevan hasta Shangai, donde Elizabeth Swan, algunos de los piratas y el propio Capitán Barbossa van a buscar a Sao Feng (Chow Yun Fat), para conseguir un barco y una tripulación que les lleve hasta el Fin del Mundo, para encontrar a Sparrow. Allí la cosa empieza a torcerse cuando saben que por su lado Will Turner no ha logrado robar las Cartas de navegación y que, el bueno de Sao Feng sabe que le están engañando. A partir de entonces todos están contra todos, porque incluso aparecen los hombres de Becket, que tenían a un infiltrado allí. Hacen un trato con Sao Feng, que a su vez hace otro con el inquietante (me perdí con las tramas de este hombre) Will Turner. De ahí navegan hasta encontrar al pobre Jack Sparrow, que se ha vuelto loco, y que pasea (está muerto, que quede claro) por el reino de Davy Jones, entre miles y miles de cangrejos. A partir de entonces preparaos para encontrar múltiples tramas, giros de guión y argumentos sacados de la manga con los que acabaréis un poco perdidos. Porque no me digáis que lo de Calipso no tiene tela, yo lo vi desde un principio, cuando empezaban a hacer demasiados planos detalles de cierto medallón de cierto personaje femenino, pero es que no tiene demasiado sentido si nos paramos a pensarlo. Es por medio de esa trama por la que las demás se van moviendo hasta confluir en un mismo personaje, Davy Jones, del que conseguimos saber muchas cosas nuevas. Además entran en juego todos los jefes piratas de todo el mundo, para aliarse con Barbossa, Jack, Elizabeth (que de repente se convierte en reina de los piratas) y los demás en contra de Davy Jones y la Compañía de las Indias Orientales en la definitiva batalla "final".
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Evidentemente no podemos obviar el hecho de que, se sacan ases poco coherentes de la manga, y que el final aunque a medias termina siendo el happy end que no ya se podía esperar, sino el happy end que nos han querido mostrar. Además, al contrario de lo que nos habían dicho, Piratas del Caribe: En el Fin del Mundo, queda lista y preparada para cuando a SPOILER Bruckheimer, Depp, Rush y Knightley FIN SPOILER les apetezca volver a retomarla, que seguramente no será a mucho tardar. Ya que está todo listo para que SPOILER Sparrow y los demás vayan ahora en busca de la fuente de la eterna juventud (vaya, se ve que el tema gusta) mientras Knightley cuida de su hijo o al menos le crece la tripa antes de tenerlo FIN SPOILER; la película es larga, muy larga, solo me gustó la última hora, lo demás bajo mi punto de vista está demasiado extendido y aburre muchísimo. Eso sí, la última hora es espectacular, es donde nos encontramos las grandes batallas (aunque la mayoría sean digitales, lo que es igual a que no tiene la misma gracia) y los momentos impresionantes. Aunque también es donde nos encontramos con uno de los momentos más ridículos, ese es la boda mientras luchan de Will y Elizabeth, a manos del Capitán Barbossa, y el posterior momento erótico festivo con la bota. Una de las mejores partes es la asamblea de los piratas, aunque esos discursos de Elizabeth son un tanto pesados y con las traiciones yo la verdad es que me perdía bastante, pero acabé por entender que era igual que en la primera; las interpretaciones en esta ocasión han mejorado con respecto a la anterior, ya no tenemos a Knightley y Bloom paseando única y exclusivamente con los morritos puestos, ahora la verdad es que hay bastantes momentos en los que lo hacen bien (no el principio, eso no), además Elizabeth Swan consigue un mayor protagonismo que en algunos momentos está bastante bien, sobre todo después de parecer un monigote en la anterior película. Pero me preocupa la decoloración de pelo que sufre Keira Knightley conforme pasan las películas, en la primera su pelo era castaño claro, y poco a poco ha ido volviéndose rubia hasta el punto de aquí llevar casi un rubio platino, debe ser el agua salada. Johnny Depp sigue siendo el carismático Jack Sparrow, que en algunos momentos por cómo está llevado el guión resulta incluso pesado y cansino, lo cual no dice nada bueno en favor del guión. Geofrey Rush es de lo mejor, sigue interpretando de manera fenomenal a Barbossa. También tenemos a Naomi Harris que sale bastante bien del paso con su recientemente personalidad nueva inquietante Tía Dalma, que pasa de ser la bruja que les acompaña y resucita a Barbossa a ser uno de los cabos más sueltos y giros de guión de la película. Las micro apariciones de Chow Yun-Fat y Keith Richards también valen la pena, sobre todo la de Keith Richards, que sale nada pero ameniza el espectáculo de manera formidable; en cuanto al humor, La Maldición de la Perla Negra también se caracterizaba por buenas dosis de humor, y en esta tercera parte cogen lo que hizo gracia de la primera y lo vuelven a meter aquí, transformándolo un poco o directamente empleando a los mismos personajes. El mejor y más simpático, el mono; sobre la parte técnica, de manera muy resumida, no creo que esta Piratas del Caribe: En el Fin del Mundo supere en técnica a El Cofre del Hombre Muerto, donde los efectos especiales eran realmente buenos e impresionantes, aquí son empleados para más cosas, pero no le dan mayor espectacularidad al conjunto, sino menor realismo, porque eso de ver una pelea entre un Jack digital y Davy Jones (que ya de por sí bastante digital es) en lo alto de un mástil, mientras la Perla Negra y el Holandés Errante dan vueltas en un gran remolino en medio del mar, creado a su vez por Calipso, pues sí, es espectacular, pero no es lo mismo que lo que veíamos en La Maldición de la Perla Negra, que con menos efectos especiales estaba mucho mejor, aquí abusan de lo digital de principio a fin. Eso sí, las localizaciones en las Bahamas estupendas, hay planos de las grandes y cristalinas playas que son preciosos, dan ganas de irse allí.
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La "fiebre pirata" ha ido disminuyendo en mí, más que nada porque visto lo visto están saliendo las secuelas por y para la acumulación de pasta en los bolsillos de Jerry Bruckheimer y los suyos. La saga comenzó de la mejor manera posible, pero esto poco a poco se desinfla, sólo hay que ver Piratas del Caribe: En el Fin del Mundo, en la que se sacan de la manga argumentos inexplicables (por lo anteriormente visto) en los que rizan el rizo hasta que pueden y más, para seguir una y otra vez con las aventuras de estos piratas. Además se están mal acostumbrando a terminar las películas tras los títulos de crédito, para lo que o eres avispado y te han avisado de que te quedes hasta el final o te quedas sin ver la última escena (en este caso bastante importante) por la que has estado esperando 10 minutos de créditos para luego ver 2 minutos de escena. Además, Piratas del Caribe: En el Fin del Mundo es larga, muy larga, excesivamente, de hecho a excepción de la última hora, el resto me aburrió muchísimo, sin contar un par de gracias en medio. Hay momentos demasiado extensos, y otros que sencillamente sobraban. El guión adolece de lo que saben que ha hecho gracia en las dos anteriores entregas, lo cual le quita cualquier gracia que pudiera causar porque ya sabes como sigue, cogen lo mejor de las dos anteriores y lo ponen en esta de otra manera diferente o incluso de la misma. A esto hay que sumarle el mal rollito que da el que después de haber dicho que no habría más películas te estén poniendo delante de los morros un final en el que te están anunciando que van a hacer otra película más (o tres más, vete tú a saber) en la que probablemente vuelvan a usar los mismos gags que han empleado duplicados en esta; pero no todo iba a ser malo en esta tercera parte, la verdad es que la última hora de metraje es bastante espectacular y salva de la quema a la película, que en su comienzo y parte central casi hizo que (junto con la falta de sueño que tenía ayer) me durmiera; las interpretaciones en esta ocasión son mejores que en la anterior, Keira Knightley ha aprendido y mejorado un poco respecto a la anterior. Johnny Depp siempre estupendo como Jack, pero por algunas incongruencias de guión incluso a veces cansa, porque el momento 1500 Sparrows multiplicados al cuadrado en la cubierta de la Perla Negra es bastante inquietante. Geofrey Rush siempre impecable como Barbossa; en cuanto a efectos especiales y demás, El Cofre del Hombre Muerto era infinitamente mejor, aquí sí, hay varias escenas (la de los barcos en el remolino, por ejemplo) que son espectaculares, pero otras que de tanto efecto que llevan hacen que no me gusten; en fin, que no todo es malo en En el Fin del Mundo, y aunque es excesivamente larga, algunas cosas hacen que mejore un poco y no sea un desastre total. (^.^)

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Valoración: 6