Mi galaxia lejana...

Una de pósters: "Sweeney Todd", "1-18-08" y "Southland Tales"

2007-07-28T20:23:00.000+02:00

Hoy os traigo de manera rapidita dos pósters que han aparecido en los últimos días y que pertenecen a dos proyectos que me resultan muy pero que muy interesantes; el primero pertenece a Sweeney Todd, película mezcla de musical y thriller dirigida por el gran Tim Burton, cuyas últimas películas que nos ha regalado han sido La Novia Cadáver, Charlie y la Fábrica de Chocolate y Big Fish. Como ya sabréis, Sweeney Todd es la adaptación del musical del mismo título escrito por Stephen Sondheim. Del guión se encarga John Logan, el trabajo de Logan como guionista es de sobras conocido, ya que tiene en su haber películas como El Aviador, El Último Samurai y Gladiator; el argumento gira en torno a Sweeney Todd, un hombre que fue injustamente encarcelado y que nada más salir de prisión busca venganza. Su venganza no proviene únicamente por su encarcelamiento, sino por las desastrosas consecuencias que éste tuvo en su esposa y en su hija. Nada más reabrir su barbería, se convertirá en Demon Barber de Fleet Street, que se dedicará a hacer desaparecer misteriosamente a todo aquel que entra en su barbería, sobre los que, evidentemente algo tendrán que ver Todd y su navaja. Junto a él estará Mrs. Lovett, una viuda ahora amante de Todd que se dedica a hacer extraños pasteles de carne; la película está protagonizada por Johnny Depp (Piratas del Caribe, Charlie y la Fábrica de Chocolate) como Sweeney Todd, Helena Bonham Carter (Harry Potter y la Orden del Fénix, Charlie y la Fábrica de Chocolate) como Mrs. Lovett, Alan Rickman (Harry Potter y la Orden del Fénix, El Perfume, Love Actually) como el malvado Juez Turpin, Timothy Spall (Harry Potter y el Cáliz de Fuego, Una Serie de catastróficas desdichas de Lemony Snicket) como Beadle Bamford y Sacha Baron Cohen (Borat) como el barbero Adolfo Pirelli, entre algunos otros; el estreno de Sweeney Todd en USA se espera para el 21 de Diciembre y parece más que probable que el 8 de Febrero será cuando nos la estrenen en España. Viniendo de quién viene (Burton), teniendo los protagonistas que tiene (Depp, Bonham Carter y Rickman), y además siendo un musical siniestro, esto tiene una pinta realmente impresionante. Yo personalmente, tengo unas ganas enormes de verla; aquí os dejo el póster, que es la primera muestra oficial que tenemos de la película, a la espera de que a no mucho tardar aparezca el primer tráiler para abrirnos a todos un poco más el apetito. Para mí el póster está bastante bien, en la línea de cómo va a ser la película.

El otro de los pósters que hoy quiero enseñaros es el de una de las películas más misteriosas de los últimos años, de la que, hace tan solo unos días os traje el tráiler. Se trata del proyecto de J.J.Abrams, al cual sigo sin saber cómo llamar, dejemoslo en 1-18-08, The Cloverfield e incluso The Parasite. Recientemente apareció este mismo póster que aquí os enseño pero un poco diferente, en peor calidad y con el lema Monstrous justo en la parte superior, el cual han quitado seguramente para evitar más líos con el posible título; como ya os dije, la película es que está dirigida por Matt Reeves, conocido en el mundo televisivo por haber sido guionista y director de la serie Felicity, el guionista de todo esto es Drew Goddard, quien tiene experiencia en esto de escribir guiones gracias a series como Perdidos, Angel, Alias y Buffy Cazavampiros, además J. J. Abrams es la persona que está detrás de todo esto, todo un genio en esto de inquietarnos, ambientarnos de misterio y hacernos que no nos enteremos de nada, ya que no es otro que el creador de Perdidos, además de Alias y Felicity. Poco más se sabe sobre esta película, a parte del tráiler, tráiler que no hace más que echarnos más dudas encima, en vez de despejarlas. Que sepamos protagonizan la película Mike Vogel (Poseidón, Dicen por ahí), Blake Lively (Uno para todas), Lizzy Caplan (Love is de drug, Chicas Malas) y Michael Stahl-David (The Project, New Porth South); se estrenará el 18-1-08; el póster, para muchos es un poco decepcionante, yo la verdad es que no sé qué pensar. Para mí resulta bastante curioso, aunque nos muestra lo que ya hemos visto en el tráiler, la Estatua de la Libertad sin su cabeza, la ciudad de Nueva York bajo el humo y quizá la destrucción. A lo que también hay que sumar esa especie de caminito en el agua, desde poco más hacia delante de la Estatua de la Libertad hasta llegar a la parte de NY que se encuentra en pleno desastre.

Y ya por último el póster de una película que llevo esperando mucho tiempo, y al igual que yo tantas otras personas, pero que hasta hace poco ya ni sabíamos con seguridad si podríamos llegar a verla. Se trata del nuevo póster de Soutlhand Tales, de Richard Kelly, director de la impresionante Donnie Darko. Actualmente se está celebrando la Comic-Con, y es allí dónde precisamente se ha anunciado que por fin Southland Tales verá su estreno en las pantallas de USA el próximo 9 de Noviembre, tras un año entero en el que Kelly ha tenido que realizar un nuevo montaje para la película, después de la malísima acogida que sufrió en el Festival de Cannes. Tras los numerosos recortes que Richard Kelly habrá tenido que realizar en estos meses, parece que el metraje de la película se verá disminuido en 25 minutos, algo que puede llevar a la incoherencia total o esperemos que Kelly haya podido salvarla y todavía veamos en todo su esplendor esta nueva genialidad que nos tiene preparada; la historia de Southland Tales en teoría está ambientada en el futuro, pero un futuro que probablemente para nosotros ya sea actualidad, ya que se trataba del 2008. En principio este es el argumento que se ha conocido desde el principio: en Los Ángeles. Boxer Santaros es una estrella de cine con amnesia, su vida se entrecruza con Krysta Now, una actriz porno con un proyecto para un programa televisivo, y David Clark, un policía que tiene la clave de una inimaginable conspiración; y todo esto como ya sabréis en una mezcla de musical, ciencia-ficción, thriller y comedia, algo que puede parecer una mezcla bastante extraña, pero que a mí me parece de lo más interesante; el reparto está compuesto por The Rock (El Rey Escorpión, Doom) interpretando a Boxer Santaros, Sean William Scott (American Pie, The Dukes of Hazzard) como Roland Taverner, Sarah Michelle Gellar (Buffy Cazavampiros, Scooby-Doo) será Krysta Now, Will Sasso (Bad Boy, Best in show) que será Fortunio Balducci, John Larroquette (Joey, McBride) como Vaughn Smallhouse, John Lovitz (Los Productores, Las Vegas) interpretando a Bart Bookman, Beth Grant (Little Miss Sunshine, Homefront) que será Dr. Inga Von Westphalen y Marion Card, Justin Timberlake será la voz en off, Mandy Moore (American Dreamz, Princesa Por Sorpresa), Miranda Richardson (Sleepy Hollow, Paris Je T'aime) será Nana Mae Frost, Bai Ling (Taxi 3, Sky Captain) como Serpentine, e incluso Kevin Smith (Clerks, Clerks 2); esperemos que finalmente podamos disfrutar de la nueva película de Richard Kelly en los cines, que todo apunta a que finalmente será que sí, pero el cuándo aquí en España ya es otra historia. (^.^)

*Fuentes: Impawards (II), LatinoReview, Blog de Cine, Imdb, Uruloki

Ya tenemos aquí cositas de "The Darjeeling Limited"

2007-07-27T22:53:00.000+02:00

Después de esta ausente del blog durante estos días, voy a intentar no teneros olvidados a no ser que al final me pueda ir de vacaciones, cosa que todavía no está decidida, pero de todas formas, de ser así os avisaré, tranquilos. Últimamente con las cosas del verano y demás no he tenido prácticamente tiempo para dedicarme en condiciones a escribir en el blog, pero espero que en los próximos días, al menos en los que pueda, me sea posible retomar la vida normal del blog. Además, si todo va como tengo previsto mañana terminaré de leer el último libro de Harry Potter, sí, en inglés, Harry Potter and the Deathly Hallows, y quizá le dedique un post, cortito eso sí, que me conozco y no quiero destriparle a nadie el final, únicamente comentando lo que bajo mi punto de vista es éste último libro. También os comunico que actualmente ya soy universitaria, esta semana tocó hacer la matrícula y voy a pasar unos cuantos años estudiando Filología Inglesa, hasta que traigan aquí Comunicación Audiovisual, que se prevé será en dos o tres años; además en los próximos días os hablaré de dos películas que he visto estas dos semanas en el cine, Odette una comedia sobre la felicidad, y Lucky You, de Curtis Hanson, ésta última la he visto hace un rato; hoy os traigo uno de los últimos avances sobre una de las películas que se esperan con muchas ganas, ya que recientemente aparecieron tanto el póster como el trailer de The Darjeeling Limited, de Wes Anderson. Anderson es uno de esos directores cuyo estilo se podría calificar como peculiar, para muchos tirando a raro, pero yo considero que la mayor parte de sus películas pertenecen a ese mundillo que tanto me gusta dentro del cine, que tiene cierto toque original, son películas que no suelen ser como el resto, por lo general, y desde luego The Darjeeling Limited tiene toda la pinta de volver a poder incluirse en este grupo. La anterior película que Wes Anderson escribió y dirigió fue la genial y rara The Life Aquatic With Steve Zissou, en 2004, antes de ésta dirigió The Royal Tenenbaums, Academia Rushmore y Ladrón que roba a otro ladrón. En esta ocasión vuelve a hacerse cargo del guión, junto con Jason Schwartzman y Roman Coppola; se trata de una comedia en la que tres hermanos tratan de reunirse, volviendo a forjar sus lazos familiares. Y todo esto tratan de conseguirlo por medio de la realización de un viaje a través de India.

Protagonizada por el habitual de Anderson, Owen Wilson (Life Aquatic, Starsky y Hutch), Jason Schwartzman (María Antonieta, Extrañas Coincidencias) y Adrien Brody (Hollywoodland, El Pianista) interpretarán a los tres hermanos protagonistas, a los que acompañarán, otra habitual de Anderson, la gran Anjelica Huston (Life Aquatic, Agnes Browne) como la madre, Natalie Portman (V de Vendetta, Paris Je T'aime, Garden State), Roman Coppola, Camilla Rutherford (Gosford Park, Vanity Fair) y Amara Karan, entre otros.

Aquí os dejo el póster, bastante divertido, en el que vemos a los tres hermanos protagonistas, lleno de colorido, que será lo que probablemente encontraremos cuando veamos la película. También si os fijáis la tipología de las letras en las que han decidido poner el título es la misma que la de su anterior película, The Life Aquatic With Steve Zissou, lo cual resulta bastante curioso y bajo mi punto de vista original; también podéis ver aquí el genial tráiler gracias a Myspacetv, y en una impresionantemente grande calidad lo podéis ver aquí gracias a Apple, en formato Quicktime. El tráiler la verdad es que me parece estupendo, sirve para abrir boca con lo que nos encontraremos en los cines, que seguramente será otra película genial de las que es todo un placer poder ver; su estreno en USA es el 29 de Septiembre, aunque desgraciadamente todavía no hay noticias de cuándo será su estreno aquí, en España, esperemos que no sea mucho más tarde. The Darjeeling Limited tiene una pinta estupenda, desde luego ya está en mi lista de las películas que más espero, no sé si meterla en la de este año (a saber si nos llega en 2007) o en la eterna lista que se está formando para el 2008, pero desde luego quiero ir a verla al cine. (^.^)

*Tráiler Quicktime: Super Hi-Res / Hi-Res

*Fuentes: Impawards, Blog de Cine, Imdb, LatinoReview y Apple

"Harry Potter y la Orden del Fénix" de David Yates

2007-07-18T22:18:00.000+02:00

Título Original: Harry Potter and the Order of the Phoenix

Director: David Yates

Países: Reino Unido y USA

Año: 2007

Duración: 138 min

Género: Aventuras / Fantasía / Drama

Intérpretes: Daniel Radcliffe (Harry Potter), Rupert Grint (Ron Weasley), Emma Watson (Hermione Granger), Helena Bonham Carter (Bellatrix Lestrange), Michael Gambon (Albus Dumbledore), Robbie Coltrane (Rubeus Hagrid), Ralph Fiennes (Lord Voldemort), Brendan Gleeson (Alastor 'Ojoloco' Moody), Jason Isaacs (Lucius Malfoy), Gary Oldman (Sirius Black), Alan Rickman (Severus Snape), Maggie Smith (Minerva McGonagall), Imelda Staunton (Dolores Umbridge), David Thewlis (Remus Lupin), Robert Hardy (Cornelius Fudge), Emma Thompson (Sybil Trelawney), Evanna Lynch (Luna Lovegood), Tom Felton (Draco Malfoy)

Guión: Michael Goldenberg; basado en la novela de J.K. Rowling

Música: Nicholas Hooper

Fotografía: Slawomir Idziak

Montaje: Mark Day

Diseño de producción: Stuart Craig

Vestuario: Jany Temine

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Ha sido un verano largo y solitario para Harry Potter (Daniel Radcliffe) mientras espera empezar su quinto año de estudio en el Colegio Hogwarts de Magia y Hechicería. Ya es lo suficientemente duro tener que vivir con los odiosos Dursley para además no haber recibido ni siquiera una nota de sus compañeros y mejores amigos, Ron Weasley (Rupert Grint) y Hermione Granger (Emma Watson). Y no ha habido una sola palabra de nadie en el período siguiente a su confrontación con el malvado Lord Voldemort (Ralph Fiennes). La carta que llega no es precisamente del tipo de la que él esperaba; ésta declara que Harry está a punto de ser expulsado de Hogwarts. La única esperanza de Harry es defenderse de la especie de tribunal ilegal orquestado por el ministro de Magia, Cornelius Fudge (Robert Hardy), que tiene sus propias razones para desear que el joven mago se vaya para siempre. Para gran desilusión de Fudge, Harry es absuelto, gracias, sobre todo, a la intervención del venerable director de Hogwarts, Albus Dumbledore (Michael Gambon). Harry ya sabe que han hecho creer a gran parte de la comunidad de magos que la historia del reciente enfrentamiento del joven con Voldemort es una mentira absoluta, lo que pone en evidencia su propia integridad. Mientras tanto, en un esfuerzo por vigilar a Dumbledore y mantener controlados a los estudiantes de Hogwarts, especialmente a Harry, Fudge ha elegido una nueva profesora de Defensa contra las Artes Oscuras, la engañosa Dolores Umbridge (Imelda Staunton). Desgraciadamente, el curso de magia defensiva “aprobado por el ministerio” impartido por la profesora Umbridge deja a los jóvenes magos deficientemente preparados para defenderse contra las fuerzas oscuras que les amenazan. Por ello, a sugerencia de Hermione y Ron, Harry se convence de que debe tomar cartas en el asunto...

Hace justamente una semana que se estrenó en los cines Harry Potter y la Orden del Fénix, la última de las aventuras de una de las sagas más taquilleras tanto a nivel de libros como de las películas, y una de mis favoritas. Yo no fui al estreno (habría sido imposible), así que fui el viernes, la sala creo que, como era de esperar, prácticamente se llenó; yo soy de las personas que opina que cuando se realiza una adaptación de un libro (el que sea) al cine no hay que ser demasiado exigentes, ni querer ver todo en la película, porque eso sencillamente es imposible. Lo sé, soy totalmente consciente y sobre todo en esta ocasión, en la que están adaptando el libro más extenso, de nada más y nada menos que 893 páginas, eso sumado a que se empezó a decir que era la película más corta de las hasta ahora rodadas ya me hizo empezar a sospechar. Harry Potter y la Orden del Fénix es personalmente uno de mis dos libros favoritos de la saga (hasta el momento), así que mis expectativas en un principio estaban altas, a pesar de que sabía que era el que probablemente más problemas iba a ocasionar. Cuanto más se acercaba el día de ir a verla yo ya iba haciéndome a la idea de lo que me iba a encontrar, que no sería una adaptación totalmente fiel, pero que al menos parecía ser una buena película, pues eso es lo que me encontré, no diré que es una mala adaptación (no soy experta para poder asegurar nada semejante) pero deja muchísimo que desear, en cambio, como película sí que es buena, una de las mejores de la saga; faltan menos de tres días para que comience en todo el mundo la venta en inglés del último libro de la saga, Harry Potter and the Deathly Hallows, en el que evidentemente todo se decide y con el que termina toda una etapa, que muchos hemos vivido desde hace ya muchos años. Bastante más tendremos que esperar para poderlo leer en español, se admiten apuestas, yo creo que a comienzos del año que viene, hasta entonces al menos yo me quedaré con la incógnita, a no ser que lo coja en alguna biblioteca, porque me encantan estos libros pero no estoy por la labor de pagar 27 euros por el libro en inglés y otros tantos por el de español, solo espero no encontrarme por ahí (ni que nadie me lo diga claro, no como con el anterior que fue un poco... xD) el final antes de leerlo, ya estoy escarmentada con el anterior, del cual el desenlace final (en todos los sentidos) me llegó sin buscarlo, sin quererlo y sin anunciarse; ahora hablemos de la impresionante taquilla que está haciendo la película, lleva siete días en los cines de todo el mundo y ya ha alcanzado la friolera de $352'321'000, está destinada a arrasar con su recaudación, no hay duda. Por lo menos lo que sí se puede decir es que, de los blockbuster veraniegos que han llegado hasta ahora, bueno, veraniegos y algo más tempranos, incluyendo secuelas de sagas de cualquier tipo, personalmente Harry Potter y la Orden del Fénix me parece la mejor de todas, por lo menos hasta el momento (todavía queda la tercera parte de las de Bourne); volviendo al tema de la adaptación, evidentemente era imposible que pudiéramos ver plasmada de forma satisfactoria este libro, hace tiempo incluso se habló de adaptarlo en dos películas por separado, pero fueron simples rumores (aunque bien pensado, el resultado habría sido mejor), lo que tampoco me esperaba era que armaran el medio desastre que han armado. Y digo medio porque en líneas generales se puede decir que han cogido lo más importante y lo clave de la novela y lo han plasmado de manera sorprendente e impresionante en la película. Pero aún así hay que decir que han hecho un lío y resulta muy confuso en muchos aspectos, porque debido a la rapidez las tramas se dejan abiertas, muy en el aire, sin explicar ni adentrarse apenas en la mayoría. He de decir que hacía más de dos años que había leído el libro, no creía que me fuera a acordar de demasiado, pero incluso así, mientras veía la película notaba que faltaban muchas cosas y que otras tantas habían sido cambiadas, así que para cerciorarme este fin de semana lo leí y efectivamente, la película es una confluencia de confusiones. En general yo solo habría añadido un par de cosas, en primer lugar la clarificadora conversación entre Dumbledore y Harry del final del libro, en la que se da sentido a todo lo acontecido anteriormente y sin la cual la mitad de las cosas no tienen sentido alguno, habría explorado más la relación Sirius-Harry y le habría dado mayor emoción con eso al momento final, además de aclarar el dato de que es Dolores Umbridge quien manda a los dementores a Privet Drive, cosa que ni se menciona en su momento en la película. Otras cosas que habría sido interesante que pusieran son la subtrama de la entrevista en El Quisquilloso, revista del padre de Luna Lovegood, y también situar el quinto año en Hogwarts como lo que es, con los exámenes TIMO (estilo el año académico que he tenido yo hasta hace un mes), y ya que estamos (por pedir que no quede), que le den algo más de sentido a la relación de Harry y Cho Chang, que aquí es beso, se chiva y fin, esa es una de las licencias que se han tomado, ya que no es Cho la que les delata, sino su amiga, y la relación de Harry y Cho no llega a ninguna parte porque ella tiene celos de Hermione y trata de que Harry los tenga de cualquier chico que tiene cerca. Por lo demás, salvo alguna otra cosa que han modificado, no añadiría demasiado más, ya que la mayoría son asignaturas y exámenes, quizá alguna mención más a las clases particulares de oclumancia, pero por lo demás comprendo que no lo añadieran porque entonces ya sí que habría sido totalmente imposible. A ver qué tal sale la adaptación del siguiente, que probablemente es más peliaguda todavía, aunque de extensión sea más corto.

Una de las novedades de cara a este Harry Potter y la Orden del Fénix fue evidentemente su director, desde que Chris Columbus dirigiera las dos primeras, un director nuevo se ha asociado a la saga de Harry Potter, el último en llegar ha sido el desconocido David Yates. Y además, Yates vino para quedarse, ya que la siguiente, Harry Potter y el Misterio del Príncipe también la realizará él (con vista a ser estrenada en Noviembre del año próximo). A David Yates se le conocía por sus trabajos como director en la televisión, el más reciente fue en 2005 la película The Girl in the Café, con Bill Nighy y Kelly MacDonald, también dirigió Sex Traffic, y anteriormente, en 2003 The Young Visiters, en la que aparecían Jim Broadbent, Hugh Laurie y Bill Nighy. Algunas mini-series como The Way We Live Now y The Sins. Además de la serie de seis capítulos State of Play. Así que, cuando se dio a conocer su nombre como nuevo director de la saga no demasiada gente sabía qué es lo que se podía esperar realmente de él, pero la verdad es que una vez vista se puede decir que ha pasado el reto con nota, ya que ha realizado una de las mejores películas (que no adaptación) de la saga, siguiendo con el tono oscuro y tenebroso que comenzó Alfonso Cuarón con Harry Potter y el Prisionero de Azkaban; ya que ya se ha anunciado que David Yates será el director también de la siguiente película, ahora me gustaría hablar un poco de los anteriores directores. De manos de Chris Columbus en 2001 fue como comenzó todo, el norteamericano realizó las dos primeras películas, Harry Potter y la Piedra Filosofal, Harry Potter y la Cámara Secreta, ambas denominadas por mucha gente como demasiado infantiles, personalmente ambas me gustan, cierto es que no son las mejores, pero me parece un buen comienzo para la saga, era lo que esos libros requerían, más o menos, después de estas dos Columbus dirigió en 2005 el interesante musical Rent. Tras él, en 2004 llegó el que ha realizado (bajo mi punto de vista) la mejor película y la mejor adaptación hasta ahora de la saga, Alfonso Cuarón (que además el pasado año nos regaló esa obra maestra titulada Hijos de los Hombres), en Harry Potter y el Prisionero de Azkaban dio una vuelta de tuerca a lo visto hasta entonces, cambiando el tono infantil por un tono oscuro y siniestro, bajo su dirección se hizo una película magnífica y la mejor hasta ahora, desde cualquier punto de vista. Después llegó Mike Newell, que para muchos se pasó con los efectos especiales en Harry Potter y el Cáliz de Fuego, película espectacular visualmente que quizá se tornó en demasiado tema adolescente, pero aún así para mí el resultado no fue nada malo. Y para estas dos siguientes David Yates, quién sabe si no dirigirá también él la séptima y última, Harry Potter and the Deathly Hallows.

Una de las ya características de la saga de películas de Harry Potter es la implicación de un elenco de actores y actrices aquí en papeles secundarios que gozan de una popularidad (ganada y merecida, sin ninguna duda) bastante importante, algo que ha ido in crescendo a lo largo de las diferentes películas, y que en esta es realmente espectacular, el problema es que muchos de ellos (debido a la cantidad de personajes en la historia) acaban apareciendo 10 minutos escasos; el trío protagonista ahí sigue, después de los muchos rumores que hace más de un año apuntaban a que no seguirían, después del escándalo de su obra de teatro, Daniel Radcliffe vuelve a interpretar a Harry Potter, que ahora ya empieza a sufrir más de lo debido, todos los seres queridos que le quedan van desapareciendo, se los van arrebatando (y lo que le queda) y encima ahora nadie le cree a él ni a Dumbledore cuando dicen que Voldemort ha vuelto y que fue él quien asesinó a Cedric Diggory, solo sus amigos y un secreto grupo llamado la Orden del Fénix, encargado de luchar contra Voldemort y sus mortífagos llegado el momento. Radcliffe cuando era más pequeño la verdad es que lo hacía mejor como Harry Potter, ahora ya parece que siempre hace los mismos gestos y a veces resulta un poco cargante, pero todavía sigue habiendo momentos en los que se puede decir que lo hace bien; junto a él el estupendo Rupert Grint como Ron Weasley, del que se les ha olvidado comentar que este año es Prefecto de Griffindor (junto a Hermione) y que está en el equipo de Quidditch (Quidditch borrado del mapa, eso no es grave, llevamos cuatro películas viéndolo). Para mí Rupert Grint siempre fue mi favorito (ya lo sabéis xD) y de los tres aquí sigue siendo el que mejor interpreta su papel; para cerrar el trío tenemos a Emma Watson como Hermione Granger, de la cual me preocupa altamente su doblaje, ya que en esta ocasión lo han cambiado y la voz ha sido lo peor que le han podido hacer, si ya de por sí no se puede decir que la chica vaya mejorando en cuanto a la interpretación de su personaje (más bien, al contrario), encima con esa voz no se la puede tomar en serio. Hermione en el libro a veces resulta un poco molesta, pero es que en la película a veces es demasiado cargante con ese aire de profesora rebelde; una de las grandes y geniales incorporaciones de esta ocasión ha sido la joven Evanna Lynch, interpretando a la ya de por sí genialmente rara Luna Lovegood. Esta chica de casi 16 años pasó un casting con otras 15000 adolescentes británicas desconocidas para interpretar el papel de Luna, y la verdad es que puedo afirmar y afirmo que la decisión fue acertadísima, porque lo hace verdaderamente bien y estupendamente. Su personaje desde que apareció en el libro me encantó y en la película igual, lo malo es que se suma a la lista de los doblajes de vocecilla junto con Hermione, que ya de por sí le otorga un aire de loca todavía mayor. Lo que me parece muy extraño es que hayan obviado la trama de su padre como director de El Quisquilloso, con cierta entrevista a Harry Potter y demás, que podría haber sido interesante; otra gran incorporación fue la de Imelda Stauntoun, como la horrenda e insoportable Dolores Umbridge, nueva profesora de Hogwarts que acabará convirtiéndose en Suma Inquisidora y por último en Directora, que está allí para espiar para Fudge, el Ministro, que está empeñado en que todo lo que dicen Dumbledore y Harry es mentira y que el primero quiere echarle de su puesto. Su personaje llegará a hacer cosas inimaginables (ella envió a los dementores a Privet Drive, para aquel que no haya leído el libro, ya que en la película ese dato lo aparcan). Stauntoun está deslumbrante como Unbridge, consigue que lleguemos a odiarla tanto como odiamos al personaje mientras leemos el libro; otra de las incorporaciones es la versátil Helena Bonham Carter como Bellatrix Lestrange, prima de Sirius Black y hermana de Narcisa Malfoy, mortífaga de ideas y profesión encarcelada en Azkaban por el brutal ataque a los padres de Neville Longbottom. Su aparición es cortísima, pero lo hace francamente bien, tiene ese aire de loca psicópata que necesita su personaje; y ya la última de las incorporaciones es la de Natalia Tena, que interpreta a la para mí también genial Nymphadora Tonks, es un personaje que pertenece a la Orden del Fénix, es auror y de gran relevancia en las misiones, pero era de esperar que aquí la redujeran tantísimo, de todas formas ella lo hace bastante bien; del resto de secundarios de lujo siempre me gusta destacar a Gary Oldman (lo adoro, lo adoro, lo adoro) como Sirius Black, en la que es SPOILER su despedida FIN SPOILER, pero que no ha sido todo lo grande y emocionante que habría gustado a la gran mayoría (entre los que me encuentro), no por su parte, él hace lo que puede con los 10 minutos repartidos que le han dejado, pero no han sabido crear la relación casi paterno-filial entre Sirius y Harry, ya que por cuestión de tiempo se ha extendido poco; el gran Ralph Fiennes hace otra micro-aparición como Lord Voldemort, papel que vuelve a interpretar a la perfección; del resto quiero destacar a Michael Gambon como Albus Dumbledore, aunque también (esto ya sí es lógico) aparece menos de 10 minutos (para mí era vital la conversación final entre él y Harry, pero no les ha parecido interesante). También David Thewlis como Lupin, Alan Rickman como Snape, Maggie Smith como McGonagall y Emma Thompson como Trelawney, todos ellos salen poquísimo, pero conque salgan ya estoy contenta.

En la parte técnica las películas de la saga de Harry Potter siempre han destacado, siempre se han ido superando y llegando a momentos verdaderamente impresionantes, aunque también está la posibilidad de que tanta recarga de efectos especiales sea molesta, para mí eso no ha llegado todavía; aquí vemos como la progresión sigue en aumento, las mejoras son cada vez más notables y creo que la saga es una de las mejores técnicamente hasta la fecha. En cuanto a los efectos especiales qué se puede decir, que son impresionantes, sobre todo queda patente en todo el tramo de la batalla final, en el que todo es espectacular, igual que se describía en el libro, también me gusta muchísimo el toque que le dan a los hechizos y demás que realizan los magos, la magia y el cine están hechos de lo mismo, de la misma materia, al menos así me gusta pensarlo. El diseño de los dementores absolutamente increíble, cada vez son más terroríficos, se superan; la fotografía, de Slawomir Idziak, perfecta, le da ese toque oscuro que tienen tanto la película como la novela, todo lo que rodea a estos momentos de la historia, en los que más que entre las luces se mueven entre las sombras; el diseño de producción, como siempre, estupendo, tanto en lo referente a Hogwarts como en esta ocasión a la casa de Grimmauld Place en Londres y el Ministerio de Magia, éste último realmente de proporciones fantásticas. Me gustaría destacar como elementos clave la Sala de los Menesteres, que quizá no es exactamente como yo la imaginé al leer el libro, pero sí que encaja fácilmente con la descripción y el famoso arco misterioso del Ministerio de Magia, éste no transmite la misma sensación tan inquietante como realmente era. Sobre el vestuario, en esta ocasión como en las anteriores sigue la misma estética, modernizada un poco por el personaje de Tonks (Natalie Tena, y llevada hasta el exceso del rosa chicle por Dolores Umbridge (Imelda Staunton); la banda sonora de la saga como todos sabréis, comenzó con las tres grandes composiciones de mi querido John Williams, para terminar en la anterior pasando a ser la interesante y buena composición de Patrick Doyle, que mantenía el tema principal de Williams, en esta ocasión, el compositor elegido ha sido Nicholas Hooper, que sigue manteniendo el tema central de Williams, pero que a pesar de lo que en principio parecía, no consigue una partitura tan atrayente e interesante como las anteriores, salvo en un par de momentos, la verdad es que para mí la banda sonora me resultó bastante monótona, espero que para la próxima el resultado sea mejor; y ahora llegamos a los mayores problemas de la película, en primer lugar el guión. El guionista de las anteriores entregas había sido Steve Kloves, pero por alguna razón (evidentemente) en esta han prescindido de su trabajo y le han dado pie a Michael Goldenberg (Contact, Peter Pan), el cual, bajo mi punto de vista (he releído este fin de semana el libro para asegurarme de lo que ya sabía) deja mucho que desear. Era un gran reto para él y para todos el adaptar este libro en concreto, porque es el más extenso de la saga, pero es que es imperdonable que haya dejado tramas en el aire, sin explicación alguna, no haya aclarado cosas como que fue Umbridge la que mandó a los dementores a Privet Drive, toda la conversación final entre Dumbledore y Harry que es para mí algo vital en la comprensión de toda la historia en sí, y otras tantas cosas que evidentemente como es lógico no podían meterse en la película con menor duración de la saga. También algo que me resulta bastante curioso es que trastoquen acontecimientos, cambiándolos de un personaje a otro, como si tal cosa, pero supongo que será para darle mayor agilidad a la trama. Esperemos que con la vuelta para la siguiente de Steve Kloves las cosas mejoren, ya que además el siguiente libro es también muy difícil de adaptar; y llegamos al montaje, el montaje en esta ocasión ha dado como resultado la película con menor duración de la saga hasta el momento, para adaptar el libro (con diferencia) más extenso de todos, lo cual ya de por sí resultaba a priori bastante extraño, y una cuando ve la película siendo que ha leído un par de veces el libro se pregunta muchas cosas, porque el grado de confusión que se crea es bastante importante. El ritmo es bueno, lo que pasa es que al tener tantas tramas y subtramas que tratar tienen que ir a toda velocidad y claro, el resultado es dejar las cosas en el aire en muchas ocasiones. Por lo demás el ritmo reporta una película entretenida, que no se hace nada larga, ya que no llega a las 2 horas y 20; estos dos últimos apartados dan como resultado que la relación Harry-Sirius casi ni sea perceptible, sumado a lo rápido que es resuelto el momento "arco", no tenga la misma carga emotiva del libro, en el que la atmósfera que se respiraba en ese momento y durante el resto del libro hacía propicio un cierto derramamiento de lágrimas.
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En definitiva, la sensación que deja Harry Potter y la Orden del Fénix es más bien agridulce, agridulce por la parte de la adaptación del libro de J.K.Rowling, que admitámoslo, como adaptación no voy a decir que sea mala del todo, pero deja mucho que desear, en general han sabido escoger los momentos más importantes, pero se dejan otros que eran de gran importancia, no me refiero a detalles pequeños o que hayan reducido a personajes casi a la nada, ya que eso es totalmente lógico debido a la cantidad de personajes que se abarcan y la amplitud (893 pag) del libro, pero como admiradora de los libros (y las películas) pido un poco de seriedad a la hora de adaptarlo, era un reto muy difícil adaptar este quinto libro, pero no se pueden dejar momentos como uno de los clave (relacionado con Sirius Black, exacto) de la batalla final así, tan de sopetón, sin crear siquiera una atmósfera de familiaridad, emoción, tensión y tristeza, ya que además no hemos podido presenciar la estrecha relación Sirius-Harry como para que luego tenga la misma emoción ese momento, para mí ese es el mayor fallo; eso sí, como película, también hay que admitirlo que Harry Potter y la Orden del Fénix es bastante buena, probablemente una de las mejores de la saga, hasta el momento, junto con la de Cuarón. La dirección de Yates es bastante acertada, ya que su reto era casi tan complicado como el de adaptar este libro en concreto. La película es entretenida, divertida en varios momentos, espectacular e impresionante en plano visual, de eso no cabe duda. Su problema, junto con el guión es su duración, no se puede intentar adaptar el libro más grande de la saga en la película más corta, es imposible, y claro, dejan tramas abiertas sin resolución, otras las abren y duran pocos minutos, todo va demasiado deprisa, es difícil amoldarse al ritmo y a veces resulta algo confusa, porque si tenemos en cuenta que cambian acontecimientos y algunos actos los ponen en otros personajes pues los que hayan leído el libro habrá ratos en los que no sepan qué es lo que está pasando, pero se sobrelleva. Desde luego de los blockbuster veraniegos que nos han llegado hasta ahora es la mejor con diferencia, una buena elección para pasar el rato, sin preocuparse de si es buena o mala adaptación. Sin duda ayuda el que existan personajes como Ron Weasley, Luna Lovegood y Gary Oldman, digo Sirius Black. La valoración evidentemente es como película, sin contar el libro. En noviembre del año que viene la siguiente, Harry Potter y el Misterio del Príncipe.

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Valoración: 7'6

Una de trailers: J.J.Abrams, DiCaprio, Ang Lee, Haynes

2007-07-16T22:12:00.000+02:00

Hoy y de manera rápida ya que no tengo demasiado tiempo y últimamente tengo muchísimos problemas no sé si con Blogger o con Internet, os dejo algunos de los últimos tráilers que considero de interés, y de los que se empieza a hablar largo y tenido. El próximo post prometo que será mi crítica de Harry Potter y la Orden del Fénix, ya que la vi el pasado viernes; y comenzamos por el tráiler que en los últimos días más quebraderos de cabeza y sorpresas han traído, se trata de la misteriosa película conocida por varios títulos, Cloverfield, The Parasite y 1.18.08 (ninguno de ellos oficial, pero el que más se está utilizando es éste último). El misterio rodea a esta película por varias razones, hasta hace unos días nadie había vuelto a saber nada de ella desde que se anunciara el proyecto, hasta que de repente apareció en Internet un tráiler, tráiler que intentaron quitar por todos los medios, pero que aún así seguía apareciendo. La película ya tiene Web oficial y todo, en la que podemos ver tres fotos de la película, que suceden en tres momentos concretos de la historia, desde las 00:01 hasta las 00:48; lo que sí se sabe de la película es que está dirigida por Matt Reeves, conocido en el mundo televisivo por haber sido guionista y director de la serie Felicity, el guionista de todo esto es Drew Goddard, quien tiene experiencia en esto de escribir guiones gracias a series como Perdidos, Angel, Alias y Buffy Cazavampiros, ¿y quién es la mano que mece la cuna de todo esto? pues no es otro que J. J. Abrams, todo un genio en esto de inquietarnos, ambientarnos de misterio y hacernos que no nos enteremos de nada, ya que no es otro que el creador de Perdidos, además de Alias y Felicity. Poco más se sabe sobre esta película, todo está lleno de un secretismo increíble, pero la campaña publicitaria, en este caso de las denominadas virales ha comenzado y de qué manera, ya se empieza a especular con marcas inventadas, Webs de dichas marcas, vamos, que se lo toman muy en serio. Incluso la selección de los actores fue un misterio, no se les hizo prueba directamente, se llamó a sus respectivos managers para ver si su clientes querían intervenir en un proyecto secreto, que sepamos protagonizan la película Mike Vogel (Poseidón, Dicen por ahí), Blake Lively (Uno para todas), Lizzy Caplan (Love is de drug, Chicas Malas) y Michael Stahl-David (The Project, New Porth South); ¿qué más se sabe sobre la película? pues que se estrenará el 18-1-08, ni siquiera se sabe muy bien de qué trata, por el tráiler parece que algo gordo se prepara en Nueva York, todo empieza con una fiesta y de repente todo el mundo corre despavborido por las calles, una gran explosión se produce e incluso la cabeza de la Estatua de la Libertad sale volando y cae en mitad de una calle. A parte de eso, J. J. Abrams y los suyos no nos han dicho más. Ahora mismo están en pleno rodaje, a ver cómo continua esta campaña; por ahora aquí os dejo el tráiler, en formato de myspacetv.com y gracias a Apple lo podéis disfrutar en mejor calidad.

**Tráiler en Apple: Large / Medium / Small

El siguiente de los trailers que quiero comentar es el del documental The 11th Hour, producido, escrito y presentado por el actor Leonardo DiCaprio. Como ya sabemos DiCaprio actualmente se encuentra en pleno rodaje de la película Revolutionary Road de Sam Mendes, y que además tiene prevista una de las agendas más apretadas en cuanto a rodajes para los próximos meses. Pero DiCaprio actualmente no sólo se dedica a su labor como actor, sino que está muy involucrado en distintas organizaciones y labores humanitarias, a lo que hay que sumar su profundo interés y preocupación por el medio ambiente, algo que ya pudimos comprobar en la pasada gala de los Oscar, cuando compartió escenario e ideas con el triunfador de la noche, Al Gore, con su documental Una Verdad Incómoda. Pues esta vez es el turno de DiCaprio al frente de un documental sobre el medio ambiente y el cambio climático, y ése es The 11th Hour, que en USA se estrenará a mediados de agosto (sin noticias de estreno en España). El documental está dirigido por Nadia Conners y Leila Conners Petersen, quienes escriben junto a DiCaprio el guión del mismo; en The 11th Hour se nos presenta el último momento para tomar la última decisión, se nos muestra nuestro modo de vida actual y lo que ello implica en forma de contaminación al ecosistema, y también cómo podemos cambiar esa situación. En él toda una serie de expertos intentan transmitirnos las consecuencias a corto y largo plazo del calentamiento global si seguimos empeñados en no hacer nada por remediarlo, pero como ya he dicho, todavía tenemos tiempo de arreglarlo; bajo mi punto de vista es un documental muy interesante, para ver si de una vez por todas nos enteramos de lo que estamos haciendo con el planeta y qué es lo que vamos a conseguir con todo ello; aquí os dejo el tráiler de nuevo en formato de MySpaceTv (da menos problemas que YouTube), y también lo podéis ver en High Definition gracias a Apple. En el que aquí os dejo podéis ver una pequeña introducción del propio Leonardo DiCaprio. De paso también os dejo el póster, original y contundente.

**Tráiler en Apple: HD / Tráiler

El siguiente de los trailers es de la nueva película del director ganador del Oscar, Ang Lee (Brokeback Mountain, Tigre y Dragón). Creo que a día de hoy debo ser de las pocas personas que no han visto su última y aclamada película, Brokeback Mountain, aunque nunca consideré que me atrajera lo más mínimo, algo que actualmente sigue en las mismas condiciones. El pasado año Lee consiguió por fin el Oscar al Mejor director, aunque su película que partía como gran favorita de la noche acabó siendo olvidada en cierto sentido para terminar el premio gordo en las manos de Crash, de la que prácticamente nadie sospechó; sobre su nueva película, del guión se han encargado James Schamus (Brokeback Mountain, Hulk) y Hui-Ling Wang (The Myth, Tigre y Dragón), que se basan en un relato corto de Eileen Chang. La historia nos traslada a la Segunda Guerra Mundial, en la que veremos una historia de espionaje por parte de una joven durante la ocupación de Shangai, ella deberá tratar de inmiscuirse sentimentalmente con un político, aunque eso acabe con ella; en España se estrenará el 14 de Diciembre, mientras que en USA será el 28 de Septiembre; protagonizada por Tony Leung como Mr. Yee, Joan Chen como Mrs. Yee, la debutante Tang Wei como Wang Jiazhi la protagonista y Lee-Hom Wang como Kuang Yu-Min, entre otros; la música es de Alexandre Desplat (El Velo Pintado, La Reina), la fotografía de Rodrigo Prieto (Babel, Brokeback Mountain), montaje de Tim Squyres (Gosford Park, Syriana), diseño de producción de Lai Pan (Xiu Xiu, Red Rose White Rose); tanto el póster como el tráiler me parecen muy buenos, sobre todo el tráiler, que resulta muy atrayente, sujerente e interesante. Una de las películas que podremos ver a finales de año, que toda la pinta de ser una película muy bella visualmente, además de contarnos una historia que puede dar mucho de sí. Aquí tenéis el tráiler de nuevo gracias a MySpaceTv:

Y ya para terminar por hoy, traigo el primer vídeo de la película I'm not there en el que aparece Cate Blanchett caracterizada e interpretando a Bob Dylan; como ya sabéis, Película dedicada a Bob Dylan, en la que una serie de actores y actrices le interpretarán en sus diferentes facetas. De la dirección se encarga Todd Haynes, que nos ha traído en años anteriores películas como Velvet Goldmine y Lejos del Cielo, que bajo mi punto de vista son bastante buenas, así que por su parte la cosa pinta bastante bien. Del guión se encargan Haynes y Oren Moverman; su estreno en Estados Unidos se producirá el 21 de Septiembre de este año, sin noticias de su estreno en España, yo previsiblemente digo que o a finales de año o a principios del que viene; protagonizada entre otros por Christian Bale, Cate Blanchett, Marcus Carl Franklin, Heath Leder y Ben Whishaw, que nos regaló esa magistral interpretación en El Perfume. Todos ellos (incluida Blanchett) interpretan a Bob Dylan en alguna faceta de su vida y de su música. Les acompañarán Julianne Moore, Michelle Williams, Charlotte Grainsburg, Bruce Greenwood y David Cross, entre muchos otros; ahora, gracias a YouTube podéis ver la escena:

*Fuentes: Imdb, Apple, Blog De Cine, Impawards, Las Horas Perdidas

Tercera Temporada de "Perdidos"

2007-07-12T22:15:00.000+02:00

Ya tenemos las entradas para mañana poder ir a ver Harry Potter y la Orden del Fénix, la nueva película de las aventuras del mago y todo su séquito que se estrenó ayer. Esperemos que el resultado sea más bien satisfactorio, aunque debido a su corta duración y que adapta el libro más largo hasta ahora, no tengo demasiadas esperanzas; también quiero felicitar a mi querida amiga Marinita, que hoy es su vigésimo primer cumpleaños :); bueno como ya os prometí hace un par de semanas, iba a escribir un post sobre la tercera temporada de Perdidos o Lost, como más os guste, al final, por unas cosas o por otras he tenido que aplazarlo hasta hoy, ya que casi no tenía tiempo para dedicarle un post en condiciones. A partir de ahora todo aquel que no haya visto la 3ª temporada que se abstenga de leer e incluso de mirar las imágenes que he puesto en este post, si no queréis enteraros de todo lo que ocurre, ya que va a estar lleno de SPOILERS, avisados estáis xD; ahora ya hablando sobre Perdidos en concreto, mi relación con la serie ha sufrido alti-bajos constantes y ha sido bastante extraña. Al principio, hace dos años cuando se supo de ella yo fui de las que se enganchó en cuanto se estrenó en televisión, me parecía muy interesante y la verdad es que la 1ª temporada me pareció impresionante, parecía (y de hecho, así es) que estábamos ante una de las más interesantes y mejores propuestas en cuestión de series de los últimos años, una serie enigmática, muy bien rodada, bien interpretada y que mantenía un gran misterio constante. Poco a poco hasta que se dignaron a emitir la segunda temporada, no sé por qué, no tenía especial interés en verla, no me preguntéis el porqué, porque ni yo misma lo comprendo, el caso es que acabé viendo ésta segunda temporada, pero yo soy de los que piensa que es un bajón impresionante (me gustan a lo sumo cuatro capítulos) con respecto a la anterior, una temporada muy confusa, en muchos casos aburrida y que incluso era demasiado extraña porque ya no solo es que estuvieran los misterios es que había cosas que no se explicaban. A pesar de eso, estos meses atrás leí muy buenas críticas sobre esta tercera temporada, en la que no tenía ninguna esperanza, después de haber visto la segunda, aún así hace unas semanas la vi y de nuevo vuelvo a pensar de la serie lo mismo que con la primera temporada, que es de lo mejor que se ha visto en los últimos años.

Primero hagamos un poco de memoria, para ver cómo estaban las cosas al final de la Segunda Temporada (aunque no sea de mi agrado); en los últimos capítulos pudimos ver como los "otros" habían capturado a Michael en una de sus múltiples búsquedas de su hijo Walt, en su campamento tenían al pequeño y lo emplearon con su padre como señuelo para conseguir sus objetivos. Se produce un encuentro entre padre e hijo después de la ardua búsqueda, y le piden a Michael que si quiere volver a estrechar a su hijo entre sus brazos que debe hacer lo que le pidan. Pues bien, lo que le piden ni más ni menos es que coja a cuatro de los suyos, los cuatro nombres que aparecen en la lista que le dan y que debe llevarlos hasta el lugar concreto que ellos le indican, para entregárselos. Esos cuatro pobre infelices elegidos (¿al azar?) son como no: Jack, Kate, Sawyer y Hugo. En principio conseguir que le acompañen podría no plantear ningún problema, ya que ellos también quieren encontrar a Walt, el problema aparece con el planteamiento de la situación: al verse acorralado y sin saber muy bien qué hacer, Michael mata a Ana Lucía y a Libby que pasaba por allí en ese momento y además deja escapar a Henry (que resulta ser de los otros, además de llamarse Ben y ser el mejor personaje de la Tercera temporada, pero vamos por partes), no sin antes autodispararse para que piensen que todo ha sido por obra y gracia de Henry. Cuando llegan allí el panorama es dantesco, y no se explican cómo ha podido pasar, pero después de eso tras reticencias y sospechas, aceptan los cuatro acompañarle a buscar a Walt. Por su parte, Locke ha encontrado otra escotilla, y el fugado pero altamente interesante Desmond ha regresado ya que no encontró salida alguna de esa isla con su barco. Además, las sospechas de Locke sobre si no deberían pulsar el botón crecen por momentos, ya que piensa que todo es una conspiración y una tomadura de pelo. Antes de emprender la búsqueda, Jack es alertado por las sospechas que Sayid y Sawyer tienen sobre Michael, creen que todo se trata de una trampa, así que Sayid se dirige hacia el supuesto lugar al que Michael conduce al cuarteto para ayudarles. Pronto se darán cuenta de que no les lleva allí y de que realmente era una trampa. Les capturan los "otros" y se llevan a Jack, Kate y Sawyer, dejando libre a Hugo para que transmita la buena nueva a sus compañeros. Evidentemente al final Michael consigue lo que quería, recupera a su hijo Walt y además les proporcionan un pequeño barco para que salgan de la isla (si bueno, eso todavía está por comprobar). Al final Locke se sale con la suya y tras muchos problemas no pulsan el botón, se produce un fallo del sistema (más inquietante es el que Desmond piense que por uno así se estrelló el avión de nuestros queridos amigos) y al final una explosión; hay que reconocer que el nivel de la temporada bajó, pero los últimos cuatro capítulos levantan el nivel.

Y ahora comenzando con esta gran e impresionante tercera temporada. Muchas respuestas nos han sido concedidas en esta nueva temporada, pero otras tantas incógnitas y preguntas han aparecido de la nada, porque esto cada vez se pone más interesante pero enigmático y aparentemente sin sentido; el primer capítulo, A Tale of Two Cities, nos presenta el nuevo escenario incorporado y de grandes dimensiones de esta temporada, la "parte de la isla" perteneciente a los Otros. En este capítulo podemos trasladarnos (con los tan empleados flash-backs) al momento justo del accidente del avión de Oceanic, que todos contemplan sorprendidos y asustados. Viven bien, con comodidad y en un sitio aparentemente avanzado, sin comparación a donde tienen que sobrevivir los supervivientes del Oceanic. Allí conocemos a Ben, antes conocido como Henry, que resulta ser el jefe de los Otros (que de sorpresas te depara la vida) y ordena a los ya conocidos intrusos que vayan y se infiltren para vigilarles. También conocemos a otro nuevo personaje, la enigmática Juliet; a partir de ahí vamos adentrándonos en el mundo y la vida de los Otros, ya que son arrastrados hasta su isla los tres prisioneros, Jack, Kate y Sawyer. Y digo "su isla" porque como descubrimos en los primeros episodios resulta que hay dos islas, no solo una, y éstos han sido trasladados a la otra, separada del lugar en el que llevaban días viviendo por unas cuantas millas marinas. En estos primeros momentos el trío es separado, a Jack se lo llevan a un acuario y a Kate y Sawyer los meten en unas jaulas para además hacerles trabajar, es entonces cuando poco a poco veremos como se termina de decidir el triángulo amoroso (que llegó a ser cuarteto en la segunda temporada) que nos llevan mostrando hace tiempo. Ya que, vemos como Sawyer cada vez se siente más atraído por Kate y llega a ser tan fuerte que ni siquiera se atreve a decirle que están en otra isla por miedo a que ésta pierda la esperanza. Así que, un buen día, el triángulo pasa a ser oficialmente una pareja, después de que estén a punto de matar a Sawyer y Kate entre sollozos pida que no le hagan daño y "confiese" que le quiere; mientras tanto Jack sigue retenido en el antiguo acuario encerrado a cal y canto, con la intermitente compañía de la enigmática Juliet, de la que tampoco conocemos muy bien sus intenciones, ya que se declara (para Jack) en contra de Ben y quiere acabar con él. Pronto descubrimos el porqué de tener a Jack encerrado, Ben tiene un grave tumor en la espalda y quiere que Jack le opere, sabe que ya lo ha hecho (tienen toda la vida de todos ellos) y que salió bien, así que ya sabemos la razón número 1 de porqué querían a Jack; Eko parece saber algo, que deja marcado en su bastón, pero muere. Ya saben que hay más estaciones por ahí desperdigadas, y que alguien les estará esperando, el hombre del parche que ha aparecido en un monitor; Alex resulta ser la hija de Ben, que resulta ser la hija biológica que tanto buscó de Rosseau, por tanto Ben se la quitó y se la quedó para sí ya que no es de ambos; Juliet es inquietante, tan pronto está con unos como con otros, pero acabamos dándonos cuenta de que en el fondo no va con los Otros, sino que lo único que quiere es salir de la isla (y a Jack, pero eso es otra historia...) para ver si su hermana sigue viva y recuperar su vida; una vez que Kate y Sawyer han vuelto a su "casa", a su isla con los suyos, Kate está empeñada en ir a buscar a Jack, no puede dejarle allí, por mucho que él le dijera que no le fuera a buscar; Hugo, Sawyer, Charlie y Jin se divierten con su nueva furgoneta de Dharma; Kate va con Sayid, Locke y Rosseau en busca de Jack, no les será fácil, pero acabarán llegando al campamento/poblado/ciudad de los Otros, donde se extrañarán al ver a un Jack feliz y contento de la vida con ellos, luego se enteran de que realmente estaba fingiendo y que le habían prometido junto con Juliet sacarle de la isla; empezamos a verle las intenciones a Locke, sabe que en cuanto salga de la isla volverá a estar en silla de ruedas, volverá a no poder caminar, así que no quiere irse, por lo que ve en los Otros un interesante aliado. Por arte de magia su padre, el que le dejó en silla de ruedas y sin un riñón aparece en la isla; todos vuelven con Jack, pero también se llevan a Juliet, que parece ser la única a la que los Otros han dejado atrás en su huída. No es demasiado bien recibida en la isla, al igual que Jack, al que empiezan a mirar con recelo; así poco a poco vemos como Sawyer va haciéndose con el liderato, más por habérsele otorgado que porque él lo buscara, pero todos necesitan alguien en quién confiar, y ahora mismo confían más en él que en Jack, ya que ha estado con los Otros mucho tiempo; literalmente caída del cielo aparece una mujer, Naomi, que asegurar llegar de parte de Penny, la novia de Desmond, que ha mandado un barco para intentar encontrarle. Asegura tener un barco esperándola, tiene un móvil comunicador, pero no funciona, la señal de Rosseau se lo impide; Locke ya está oficialmente con los Otros, le han dejado que vaya con ellos en su escapada, pero Ben le pone una prueba, debe matar a su padre, éste no es capaz así que acaba mandando a Sawyer que al enterarse de que es el hombre al que le debe su nombre (Sawyer) decide vengarse; en un gran capítulo vemos como Ben llega por primera vez cuando tan solo es un adolescente a la isla, todo allí era un futuro próspero, pero acaban atacando los "hostiles" y las cosas cambian (en hipermegaultra resumen); sabemos que el mandamás de todo aquello es Jacob, al que Ben lleva a Locke, aunque de manera muy reticente, y que resulta ser muy misterioso; Charlie es el encargado de llegar hasta la estación submarina de The Looking Glass para salvarles a todos, dejando así que las comunicaciones de Naomi surtan efecto de una vez y su supuesto barco subvencionado por Penny les rescate a todos, aún a sabiendas de que él va a morir. Desmond termina por acompañarle y los dos tratan de conseguirlo, pero debía hacerlo Charlie, el código lo había programado un músico, sólo él habría podido saberlo, dándole Bonnie la canción que tenía que introducir con las notas. En la otra punta de la isla, Ben intenta convencer a Jack y los demás de que no se marchen y al final Locke llega y mata a Naomi, ya que según él no deben fiarse de ella. Jack finalmente contacta con el susodicho barco (que sabemos por Penny que no tiene ninguna vinculación con ella) y se supone que van a rescatarles. Hasta la próxima temporada no sabremos más, lo que está claro es que los de ese barco tienen muchas preguntas que hacer y también pueden tener algunas respuestas que necesitamos saber los espectadores.

Sobre las interpretaciones en esta temporada, la verdad es que en general siempre me parecieron buenas, por lo menos por parte de los actores habituales que a día de hoy continúan en la serie; el trío de Jack, Kate y Sawyer no siempre es de lo mejor a nivel interpretativo, pero en esta ocasión salvan la mayoría de las situaciones que les tocan. Bien es sabido el poco aprecio mutuo que hay entre Mathew Fox y el impresionante Josh Holloway, pero en los momentos en los que más cercanos tienen que ser sus personajes (un par, contados) lo hacen bien. Mientras la guapa Evangeline Lilly consigue esta temporada que acepte su personaje de Kate, personaje que nunca me había sido afín ni conseguía que me callera bien, sin embargo ahora sí, quizá por la chica ya se va decidiendo en sus ideas, aunque siga medio indecisa, no sé. Junto a ellos los siempre fantásticos Terry O'Quinn y Naveen Andrews como Locke y Sayid respectivamente, Locke es un personaje fascinante, no deja de sorprender, a este paso se hará líder de los Otros quitando de un plumazo (o de un guantazo) a Ben, y Sayid siempre está preparado para la lucha. Daniel Dae Kim y Yunjin Kim como el matrimonio Jin y Sun nunca me han convencido del todo, además sus subtramas con los flash-backs son bastante olvidables. Los nuevos (bueno nuevos no, él ya estuvo en la anterior, de infiltrado), Michael Emerson y Elizabeth Mitchell como Ben y Juliet, él es el líder de los Otros y ella una médico que llevaron a la isla hace 3 años para tratar de curar la infertilidad de las mujeres, no ya infertilidad sino que todas morían. Los dos están impresionantes en sus papeles, sin duda unos personajes de lo mejor que ha dado Perdidos. Henry Ian Cusick como Desmond, Emilie de Ravin como Claire y Dominic Monaghan como Charlie, siguen en su línea, algo que puede ser bueno o malo, según os parezcan, desde luego por lo que he leído por ahí Charlie propicia pocas simpatías entre el público, pero su despedida fue muy heroica. Como último apunte dentro de este tema, se comenta que uno de los protagonistas se lleva mal con la mayor parte del reparto, esto podría suponer dos cosas: que siga como si nada en la serie o que, decidan matarle, yo no digo nada pero... aquí son muy dados a lo segundo; sobre la estructura de la serie ya sabéis, continuamos con los (en muchas ocasiones) pesados flash-backs en mitad de la historia principal, que nos van retrasando en conocer muchos datos de lo que está ocurriendo en la actualidad en la isla. Bien es cierto que yo soy defensora de los flash-backs por dos cosas, la primera es que nos revelan cosas que queremos saber (caso de lo relacionado con el padre de Locke y sus actos poco morales), pero en otras ocasiones solo sirven para repetirse en algunas cosas, que no nos interesan demasiado. Además nos ayudan a ver las conexiones (que no dejan de ser misteriosas) que hay entre muchos de los supervivientes del Oceanic, por ejemplo, Kate conoció a la novia/madre de su hija de Sawyer, y prometió vengarse del hombre que la timó (o sea se, Sawyer), ¿qué hará Kate cuando lo sepa?. Y es que también contamos con unos flash-backs que son mejores que estos pero muy confusos, son flash-backs que únicamente retroceden algunos días o algunas horas, pero que se van entremezclando con la realidad, lo cual a ratos desconcierta. Y atención, que ahora llega cuando nos van a dejar KO, ya que como podemos ver en la Season Finale, van a usar también flash-forward (¡¡¡¡!!!!), además de llevarnos al pasado nos van a llevar al futuro, enseñándonos cómo son las vidas de toda esta gente tras ser rescatados (porque sabemos que son rescatados, cuándo no, ni cómo, pero que son rescatados está claro), lo que podemos comprobar con esos impresionantes flash-forwards de Jack, con los que: a) Sabemos que son rescatados (me repito, pero debe quedar claro), b) Uno de ellos muere, quién a saber, c) Jack no tiene relación con nadie de la isla, ni siquiera Kate es dada a verse con él, d) Jack quiere volver a la isla; visualmente la temporada es perfecta, como siempre, en eso nunca fallan. En cuanto al guión, el nivel va subiendo, a excepción de lo relacionado con algunos personajes que no aportan demasiado. A excepción de un par de capítulos (que directamente sobran, caso de Exposé), en el resto la verdad es que se ve que se lo han trabajado mucho y que están buscando todas las maneras posibles de retorcerlo todo.

Algunos de los misterios que nos vamos encontrando son los siguientes: bueno, el principal y más importante evidentemente sigue siendo por qué sufrieron el accidente y por qué fueron a parar justamente a esa isla, de la que nadie sabe nada, de la que (como podremos ver) nadie puede salir y a la que parece que sí se puede llegar; ¿por qué los Otros parecen ser tan buenos en todo? Quiero decir, parece que saben de todo, tienen habilidades en casi todo, y viven perfectamente en una isla aislada del mundo exterior (aunque eso no lo sabe más que Ben); ¿Eko sabía algo más o lo de su bastón fue simplemente casualidad? Creo que las casualidades en Perdidos no existen, así que probablemente sabía algo. Sobre esto mismo, todavía deben aclarar lo de los osos polares, ya que es uno de ellos (otro, sí) el que se lo lleva); lo de las visiones de Desmond, no tengo demasiado claro si ya las tenía antes de la explosión de la escotilla o tras su reaparición desnudo en mitad de la selva. Pero la verdad es que es un don muy inquietante, que se lo digan a Charlie...; otra duda que me acaba de venir ahora, en la isla en la que siempre han estado y la única que pensaban que había, ¿no había ningún punto tan alto como en la otra para poder divisar la isla en la que ahora están? ¿y sí lo hay en la otra? bueno eso está claro que sí, pero muy raro me parece que no la hubiera visto nadie; vuelve a aparecer el famoso Humo Negro, gran misterio de la isla, que todavía sigue sin respuesta, yo no tengo ni la menor idea de qué puede ser, pero cada vez es más siniestro; ¿por qué Charlie está destinado a morir? ¿cambiaría el curso de las cosas el que él no muriera? no lo sabremos; ¿quién es la inquietante mujer que interpreta Fionnula Flanagan? Mujer que además también tiene visiones, igual que Desmond y que quiere que vaya a algún sitio. Y además, qué curioso resulta que fue protagonista junto con Nicole Kidman de la película Los Otros, de Amenábar, esto es meramente anecdótico, ya solo faltaba buscar respuestas más allá de la serie xD; ¿cómo ha llegado Cindy, la azafata del Oceanic 815 hasta la isla de los Otros? aunque esto no tiene demasiada importancia; ¿quién (a este paso "qué") narices es Mikhail Bakunin? este hombre no muere nunca, lo matan, y vuelve a revivir, ¿será cosa de la isla o mérito propio?; ¿qué capacidad real tiene la barrera de sonido por la que tienen que pasar sea como sea para acceder al sitio de los Otros? porque Mikhail supuestamente muere y luego resulta que está vivo; ¿a dónde va a parar el pájaro que Claire y Charlie dejan volar con un mensaje para salvarles? ¿tampoco puede salir de la isla? ¿le llegará a alguien ese mensaje? ¿qué ocurrirá con el pobre pájarito?; y ya llegado el punto en el que conocemos la causa de que Locke quedara paralítico, ¿cómo pudo sobrevivir a una caída como esa? vale que el resultado fue bastante malo, pero lo más normal habría sido que hubiera muerto, puede que fuera suerte; ¿le ocurrirá a Sun lo mismo que al resto de mujeres embarazadas en la isla? ¿o ella se salvará y logrará algo que no han conseguido hace años? ¿o quizá realmente les salven antes de 7 meses?; ¿realmente existe Jacob? ¿es otro misterio de la isla o simple invención de Ben? ¿de ser existente, tiene algún tipo de poder? este es de los misterios gordos gordos, que sabremos al final de la serie, ya veréis; ¿por qué Richard no envejece después de tantos años? cuando Ben llegó a la isla ya era igual que ahora, y ven era un adolescente, misterio de la isla; ¿el que se le aparece a Locke es realmente Walt? ¿por qué en ese momento vuelve a no poder mover las piernas? ¿y luego de repente por qué sí?; ¿qué narices es realmente esa caja? ¿es mágica? ¿es otro misterio de la isla? ¿cómo puede ser que lleva hasta allí al padre de Locke?; ¿cómo es que Charlie consigue contactar con Penny? justamente con ella, así se enteran de que el barco de Naomi no tiene nada que ver con Penny; ¿por qué Charlie no sale de la cámara? ¿no le habría dado tiempo? ¿cree que así no se habría cumplido realmente el futuro rescate de los demás?; en el futuro, ¿quién es el muerto al que nadie salvo un desmejorado Jack va a ver? ¿Kate y Sawyer están juntos?; cuántas preguntas que todavía no tendrán respuesta inmediata, muchas de ellas quizá no la tengan jamás, pero esto es todo lo que yo me he planteado viendo esta temporada, casi nada.
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En definitiva, la tercera temporada de Perdidos para mí logra igualar el nivel de la primera, incluso en algunos momentos lo supera. Es una temporada que desde el principio logra que estés enganchado y que no solo puedas ver un capítulo, sino que tengas que ver varios seguidos para no quedarte con la incógnita del capítulo anterior, aunque siempre te sacarán una nueva. A excepción de un par de capítulos que realmente no aportan gran cosa y serían bastante prescindibles, para mí el resto de la Tercera Temporada es magnífico. Cada vez se van sumando más subtramas y misterios a la isla(s), que como no nos los desvelen pronto a mí me va a dar algo. Si ya el final de la Segunda Temporada fue cardíaco este es realmente impresionante, una Season Finale de altura, con esos dos capítulos titulados Through the Looking Glass, que son absolutamente magistrales, de una tensión increíble y dejándonos con la miel en los labios, porque necesitamos saber más y hasta Febrero tenemos que aguantarnos; el nivel de las interpretaciones siempre ha sido bastante bueno, sobre todo en lo que respecta al reparto que actualmente queda, hay que destacar a las dos nuevas incorporaciones, que tienen dos de los mejores personajes de la serie, Michael Emerson como Ben Linus y Elizabeth Mitchell como Juliet Burke. Estos dos sencillamente es que son de lo mejor, tanto como personajes, como las posibilidades que abren sus personajes, como en su faceta de intérpretes, que lo hacen fenomenal. De los habituales la verdad es que siempre todos me parece que lo hacen bastante bien, Terry O'Quinn como Locke sigue en su línea, estupendo, además de que su personaje cada vez evoluciona más hacia senderos desconocidos; lo que ya sabemos seguro es que Perdidos durará hasta el año 2010, después del cual además se prevé que haya una película, para terminar de aclarar todos los puntos (sí Silvia sí, no te asustes xD). Realizarán tres temporadas más, pero no de 23 ni 24 capítulos como esta, sino de 16 cada una, acortándolas considerablemente, porque tampoco es plan de que líen el rizo una vez tras otra así hasta ya no poder salir de allí o lo que es peor, no salir y dejarnos a todos como estamos. Según he leído ya saben cómo terminará todo, muy pronto me parece para que lo sepan, pero siempre es mejor tener pensado al menos una parte del final, para así no desviarse demasiado y llevar las cosas a buen puerto; ya solo me queda decir que, espero que llegue el mes de Febrero pronto, para poder continuar viendo la serie, y sobre todo espero que sigan por la senda de esta Tercera Temporada, que sin duda vuelve a sus orígenes en mi opinión incluso mejorándolo en muchos momentos. (^.^)

"Historia de un Crimen" de Douglas McGrath

2007-07-10T23:08:00.000+02:00

Este fin de semana en lo referente al tema deportivo está claro que ha tenido como sede indiscutible la ciudad de Londres, en la que hemos tenido Gran Premio de Fórmula 1, en el circuito de Silverstone, final del Gran Slam Wimbledon. En cuanto a la Fórmula 1, las cosas fueron bastante bien, pudieron ir mejor, durante un momento así fue, pero finalmente Fernando Alonso consiguió un merecidísimo 2º puesto, por detrás del finlandés Kimi Raikkönen, que voló con su Ferrari, por detrás el inglés Lewis Hamilton, que partía desde la primera posición, pero no supo hacerse con su monoplaza esta vez. Para muchos podrá parecerles que restar únicamente 2 puntos con respecto a la diferencia que Hamilton ha logrado meterle a Fernando Alonso no es nada, pero sí lo es, por lo menos se ha conseguido que no siga alejándose, y que sea Alonso el que se acerque, lo cual para mí es estupendo; en cuanto a Wimbledon, volvió a ganar Roger Federer, pero Rafa Nadal se lo puso muy difícil, en un partido impresionante de casi cuatro horas de duración, en el que Nadal logró llevar a Federer hasta el último y definitivo 5º set, algo que nadie había conseguido hasta ahora en una final de Wimbledon. Al final del 4º set Nadal sufrió una lesión en su rodilla derecha, que posiblemente le impidiera poder seguir luchando en el último set como había demostrado que podía, el año que viene seguramente volverá a estar ahí; la pasada semana volvimos a tener un blockbuster de estreno esperado, Transformers, el cual yo no fui a ver, porque no es una película que me llame especialmente, no sé si en futuras semanas iré a verla o no, la que sí sé que iré a ver esta misma semana es Harry Potter y la Orden del Fénix, que se estrena este miércoles, a ver qué nos depara esta nueva aventura de los magos. La que sí fui a ver este pasado viernes fue Historia de un Crimen, de Douglas McGrath, que la semana anterior sorprendentemente no pude ir a ver, ya que solo quedaban entradas en la fila 2. Así que, ya sabéis, ahora os dejo aquí mis impresiones.

Ficha Técnica:
Dirección: Douglas McGrath
País: USA
Año: 2006
Duración: 118 min
Género: Biopic, drama
Interpretación: Toby Jones, Sandra Bullock, Gwyneth Paltrow, Sigourney Weaver, Daniel Craig, Isabella Rossellini, Hope Davis, Lee Pace, Peter Bogdanovich, Jeff Daniels, Juliet Stevenson

Guión: Douglas McGrath; basado en un libro de George Plimpton
Música: Rachel Portman
Fotografía: Bruno Delbonnel
Montaje: Camilla Toniolo
Diseño de producción: Judy Becker
Vestuario: Ruth Myers
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La película se centra en el proceso de investigación llevado a cabo por el escritor Truman Capote (Toby Jones), en el que establecerá una relación cercana con los asesinos convictos Dick Hickock (Lee Pace) y Perry Smith (Daniel Craig). Los datos recogidos en esta investigación darán lugar a su obra más conocida: "A sangre fría". En la que pretende explorar el sentir de la población tras el tremendo asesinato de la familia Clutter, que cambió sus tranquilas vidas en Kansas...

Douglas McGrath fue el director elegido para dirigir Historia de un Crimen, segunda de las películas que trasladan a la pantalla grande el proceso creativo que Truman Capote realizó hasta conseguir su obra cumbre, A Sangre Fría. La carrera de McGrath en un principio se orientó hacia el campo de la escritura de guiones, comenzó entre 1980 y 1981 trabajando para Saturday Night Live, para después escribir un par de capítulos de La Ley de los Ángeles. En 1993 dio el salto al cine, con el guión de Nacida Ayer, de Luis Mandoki, al año siguiente escribió junto a Woody Allen el guión de Balas sobre Broadway, por el que estuvieron nominados al Oscar al Mejor guión original. Fue en 1996 cuando combinó su tarea de guionista con la de director, estrenando su primera película, la entretenida y divertida Emma, protagonizada por Gwyneth Paltrow, Toni Collette, Alan Cumming, James Cosmo y Ewan McGregor. En el 2000 dirigió su segunda película, Company Man, con Sigourney Weaver, Jeffrey Jones. Y su última película hasta llegar a Infamous fue en 2002, Nicholas Nickleby, basada en la novela de Charles Dickens; y después llegó Historia de un Crimen, o mejor dicho, Infamous. Desconozco si el inicio del proyecto fue anterior o posterior en el tiempo al de Capote de Bennett Miller, aunque tampoco creo que eso tenga demasiada importancia, ya que como tengo entendido (no he visto la de Miller) el resultado ha sido muy diferente. Hasta ahora el trabajo como director de McGrath no me había resultado demasiado espectacular, simplemente interesante y dotando a las historias de un aire bastante original. Sin embargo, en Historia de un Crimen ya ha sido capaz de sorprenderme gratamente, ya que construye una película en la que es capaz de desde una visión dramática, entrelazar momentos de otros géneros, como la comedia, además del evidente biopic. Desde el comienzo vemos que lo que se nos va a mostrar va a ser una visión emotiva de la historia, cuando la cantante Kitty Dean se emociona en mitad de una canción y con ella Truman Capote, sentado en una mesa con su amiga Babe Paley, para después arrancarle una sonrisa y los aplausos cuando Kitty es capaz de continuar cantando. A partir de ahí realiza una interesante reconstrucción de la época y de toda la investigación de Capote, investigación que le destrozará finalmente como persona, ya que (al menos según se nos muestra) entabla una estrecha y profunda relación con uno de los asesinos, Perry Smith, así que parece que al final ya no le interesa tanto conseguir un final para su libro, y sabe que lo que Smith hizo es un crimen, pero no puede evitar sentir cierta conexión con él, conexión que evidentemente le hace desear que no le ejecuten; en todo esto ya vemos un nuevo tema a tratar en la película, la pena de muerte, no voy a entrar ahora en el debate, ya que yo soy de las personas que estoy totalmente en contra de este tipo de actos de la justicia, me parece muy increíble que en el siglo XXI todavía se estén empleando en algunos países este tipo de condenas, que no llevan realmente a nada salvo a convertir a las personas encargadas de realizar las ejecuciones en exactamente lo mismo que las personas condenadas, en asesinos. Pero lo dicho, no voy a entrar en ese tema. Pero evidentemente el tema de la pena de muerte sobrevuela la mayor parte del metraje, ya que Truman Capote debe entablar relación con los dos asesinos, que llegado el momento conocen su condena a muerte, saben que no van a salir de allí, saben (al menos Perry Smith parece darse cuenta) que van a morir por lo que han hecho, y que Capote quiere escribir un libro sobre ellos, al que titula A Sangre Fría. Vemos la mala acogida que tiene en Perry Smith, y la explicación de Truman Capote no es otra que, ese título no va encaminado a lo que Smith había pensado, sino a cómo iban a terminar los asesinos, ejecutados a sangre fría, de la misma forma que ellos habían hecho con sus víctimas; en definitiva, creo que la dirección de Douglas McGrath me parece muy buena, ha sabido darle la emotividad necesaria, tanto para transmitir unas sensaciones que quizá muchos no conociéramos en ese proceso creativo, y además consiguiendo contactar a la perfección con el espectador.

En cuanto a las interpretaciones, hay que decir que todos están a la altura de las circunstancias, incluso hay alguna que otra sorpresa muy agradable; evidentemente hay que comenzar hablando de Toby Jones, que igual que le ocurriera a Philip Seymour Hoffman, siempre han estado en un segundo plano, siempre han sido los efectivos secundarios de las películas, y ha tenido que llegar para ambos el papel de Truman Capote, para que nos demos cuenta de lo que realmente valen. El personaje de Truman Capote que interpreta Toby Jones en principio es un hombre muy exagerado, es por todos conocida su condición de homosexual y debido a los abrigos y sombreros que lleva, además de su voz, suelen confundirle con una mujer, algo que se nos muestra de manera simpática pero muy exagerada. También observamos las relaciones que tenía con su entorno, en su mayoría con gente de la alta sociedad con la que compartía rumores y cotilleos, además tenía a Harper Lee (Sandra Bullock) probablemente su única amiga verdadera. Cuando llegan a Holcomb, Kansas, para investigar sobre el asesinato vemos cómo va evolucionando dentro de esa pequeña sociedad, se va ganando la confianza de la gente, va haciendo amigos, para después encontrarse con los asesinos, incluyendo a Perry Smith con el que acaba teniendo una relación mucho más profunda y del que es incapaz de presenciar su ejecución. La interpretación de Jones es fabulosa; junto a él tenemos a la normalmente sosa Sandra Bullock, como la también escritora Harper Lee, amiga desde la infancia de Capote, quien es la encargada de acompañarle a Kansas para realizar la investigación para en un principio, un artículo periodístico. Podemos comprobar como en el fondo Harper Lee es la única amiga con la que Capote puede contar en todo momento, y a pesar de alguna disputa que se generará entre ambos en ciertos momentos, siempre le aconseja de la mejor manera que puede, apelando a su conciencia. Sandra Bullock no nos tiene demasiado acostumbrados a hacer grandes interpretaciones, pero aquí, su interpretación de Harper Lee es asombrosa, quizá no tanto como la de Toby Jones, porque evidentemente se exploran más campos de la personalidad de Capote que de Harper, pero aún así es capaz de hacer una gran interpretación, solo enturbiada por los momentos de las confesiones individuales en los que dijera lo que dijera parecía sonriente; evidentemente no podemos olvidar a Daniel Craig, que interpreta a Perry Smith, uno de los asesinos de la familia Clutter. Cuando les llevan arrestados ya vemos cómo se produce una extraña conexión entre él y Truman Capote, algo que poco a poco se irá produciendo realmente. En un principio no quiere saber nada de Capote, ni de su libro, ni de nada, pero poco a poco y sabiendo su punto débil (la cultura), Truman entabla una profunda amistad con él, llegando al final de su existencia a legarle incluso todos sus efectos personales y Capote a ser incapaz de presenciar su muerte. Craig no hace más que sorprenderme últimamente, ya lo hizo como James Bond y lo hace ahora, en otra gran interpretación de la película, a excepción de algún momento en el que su interpretación es poco acertada, el resto lo lleva de manera muy interesante; sobre el resto de secundarios podríamos destacar Sigourney Weaver, como Babe Paley, una de las amigas de Capote, que bajo mi punto de vista es la que más podría asemejarse a una verdadera amiga que Truman tenía en ese círculo, el resto escuchan sus historias porque les interesa, pero no se sienten igual que ella al escucharlas. La interpretación de Weaver está bastante bien, pero como todo lo que nos representa a esa sociedad, es demasiado petulante; Jeff Daniels también supera con nota su personaje secundario, Alvin Dewey, el jefe de la policía del pueblo de Kansas, que es reticente a la investigación de Capote y no le da el permiso necesario para que la realice, pero poco a poco se ganará su confianza; Gwyneth Paltrow hace una breve pero intensa interpretación, casi sería un cameo, interpreta a Kitty Dean, una cantante que aparece justo al comienzo de la película, que junto con el Morroco Band interpretan una canción muy melancólica, que es capaz de hacerla detenerse y llorar en plena actuación, para poco después continuar, ante los aplausos del público; y también quiero destacar (ya que para mí es muy curioso) la interpretación de Peter Bogdanovich, al que siempre había conocido como director, de películas como Luna de Papel y La Última Película.

La estética de Historia de un Crimen es totalmente acertada, del mismo modo que su planteamiento resulta muy interesante, su estética capta desde el comienzo el ambiente que se vivía entonces; la fotografía me parece perfecta, a excepción de en los momentos que el personaje de Toby Jones (Truman Capote) pasa con sus amigos de la alta sociedad, el resto está prácticamente sumido en una gama de colores de tonalidades no oscuras, sino mate, ya que se adentra en un mundo alejado de los lujos y los restaurantes con su propia banda musical, para meterse en un mundo salpicado por la tragedia y la muerte, cuando nadie podía esperarlo; el montaje para muchos será el problema más grande que soporte la película, para algunas personas se tratará de una película lenta, sin apenas ritmo, al contrario de lo que muchos pensaban encontrar por su enigmático título totalmente equivocado y con segundas intenciones. Para mí lo único que en algunas ocasiones lastra el ritmo de la película son las apariciones de los amigos de Capote, en lo que parece una especie de entrevista, contando sus vivencias con Truman y lo que pensaban de él, para mí en parte innecesario, ya que con el resto del metraje era suficiente, ya no tanto con las interrupciones entre secuencias de la historia. Pero personalmente creo que el ritmo es el adecuado, además la duración es poco más de hora y media, así que se pasa bastante deprisa; el diseño de producción también es perfecto, el vestuario, decorados y demás, nos sumergen en el final de los años 50 y principios de los 60; el guión en mi opinión es impresionante, está basado en el libro de George Plimpton, nos sumerge en el proceso creativo y de investigación que llevaron a Truman Capote hasta la creación de su libro A Sangre Fría, su mayor éxito, que sin embargo como en Historia de un crimen podemos comprobar, le destruyó, jamás volvería a escribir nada sólido, y emocionalmente también supuso un cambio drástico que nunca logró superar. Creo que el guión es muy bueno por varias razones, en primer lugar por la visión que nos da de la historia, en segundo porque es capaz de transmitir emociones y acercar al espectar ante lo que está viendo, tercero porque combina varios géneros, llegando a momentos muy cómicos. Además también hay que señalar que sobre todo en la parte centrada en sus encuentros con Perry Smith, muchas de las frases son curiosas e interesantes, por ejemplo cuando hablan de Desayuno con diamantes, anterior obra de Capote (que se adaptó al cine con Audrey Hepburn como protagonista) y Smith le explica a Capote las razones de porqué cree que sus obras no están del todo completas.

Una película altamente interesante y muy bien rodada. Sin haber visto Capote, que versa sobre el mismo tema, puedo afirmar que Historia de un Crimen es una muy buena película, que trata desde un plano muy emotivo y con muchos matices el momento en el que el escritor Truman Capote escribió su conocidísimo libro A Sangre Fría, y podemos comprobar el tipo de relaciones que le unían a su círculo de amistades, además de las que fue capaz de con su esfuerzo entablar con los habitantes del pequeño pueblo de Kansas y de los propios asesinos. En su contra juega en primer lugar que según tengo entendido fue estrenada poco después que Capote en los Estados Unidos; en segundo lugar su título en español, que poco o nada tiene que ver con Infamous, su título original, y que incita a un cierto colectivo a ver una película que después no van a encontrarse, creyendo ver en Historia de un Crimen el perfecto thriller para una tarde veraniega, cuando no van a encontrar nada de eso aquí; y en tercero, su ritmo no es tan rápido como estamos mal acostumbrados últimamente, es normal, tirando a lento, además no ayudan los momentos en los que los amigos frente a un fondo idéntico parecen estar en mitad de una entrevista, hablándonos de Capote. Las interpretaciones en su mayoría son impecables, desde un fabuloso Toby Jones, pasando por una poco habitual muy acertada Sandra Bullock, un intenso Daniel Craig, y un largo etcétera de grandes intervenciones, incluyendo en un papel muy secundario al director Peter Bogdanovich (Luna de Papel). En mi opinión se trata de una buena elección para ver, ante tanta desdicha en la cartelera últimamente. (^.^)

...

Valoración: 8

Escenas: "Pequeña Miss Sunshine"

2007-07-06T23:17:00.000+02:00

Después de tanto tiempo, que ya os comenté que no sabía porqué extraña razón nunca podía publicar la crítica que había hecho de la película Pequeña Miss Sunshine cuando la vi hace unos meses en el cine, justo el fin de semana de los Oscar. Desde entonces ha sido absolutamente imposible conseguir que me dejara publicarla, no sé porqué, siempre me daba una serie de errores incluso cuando la copiaba en otra parte. Hoy por fin (no sin problemas estos días) voy a transformarla un poco y a por fin expresar mi opinión al respecto de esta película; este fin de semana también publicaré una crítica sobre Historia de un Crimen, que he visto esta tarde; también quiero decir que tengo problemas para contestar a los comentarios que me habéis dejado en el anterior post, prometo que en cuanto pueda los contesto; Pequeña Miss Sunshine está dirigida por el matrimonio Jonathan Dayton y Valerie Faris, ambos debutantes en lo que a dirección de películas se refiere, y desde luego es difícil pensar una manera mejor (al menos en lo que a crítica se refiere) de debutar en el cine, ya que Little Miss Sunshine ha sido la película indie del año, la pequeña película que consigue colarse en los premios y certámenes importantes, proveniente del mundo del cine independiente norteamericano, mundo que para muchos está empezando a crear sospecha, ya que todos los años consigue introducirse una pequeña producción en las listas de los premios y para muchos esto ya se hace con conocimiento de causa por parte de los realizadores, yo sobre eso no opino; el guión es de Michael Arndt, que además se llevó el Oscar al Mejor guión original, por su primer guión también, ya que Pequeña Miss Sunshine es la primera pelícla que ha escrito; la película está protagonizada por la pequeña Abigail Breslin (Señales, Mamá a la Fuerza) como Olive, Greg Kinnear (Mejor... imposible, Tienes un E-mail) como Richard, Tonie Collette (En sus Zapatos, El último golpe) como Sheryl, Paul Dano (Fast Food Nation, Vidas Ajenas) como Dawyne, Steve Carell (Embrujada, Melinda y Melinda) como Frank y Alan Arkin (Sola en la Oscuridad, Firewall) como el abuelo; tuvo cuatro nominaciones a los Oscar, entre las que se encontraba la de Mejor Película y Mejor actriz secundaria (Abigail Breslin), pero ganó las otras dos, Mejor actor secundario (Alan Arkin) y Mejor guión original, y fue de las que más premios se llevó en la pasada edición de los Premios de la Academia. Ganaron premios en los BAFTA, en los Broadcast Film Critics Association, en los César, en los Independent Spirit Awards, y en algunos otros más como podéis ver aquí; ahora os dejo con una de mis escenas favoritas, y mis opiniones generales a cerca de la película. Hay SPOILERS importantes.

La escena que he escogido como mi favorita (o una de ellas, más bien) comienza nada más salir del hospital toda la familia habiéndose llevado el cadáver del abuelo, porque deben llegar en pocas horas al concurso de Pequeña Miss Sunshine y no tienen tiempo de rellenar el papeleo y esperar a todos los trámites; comienza con un plano de la parte trasera de la furgoneta amarillo chillón, mientras siguen por la carretera. La pequeña Olive le pregunta a Richard, su padre, qué es lo que va a pasar con su abuelo, algo a lo que él ni siquiera puede contestar, se queda mirando el horizonte sin decirle nada a su hija, mientras en el asiento trasero Dawyne con la cabeza inclinada observa por la ventana el cielo azul repleto de nubes que tienen sobre ellos. Olive ahora pregunta a Frank, su tío, si cree que existe el Cielo, él no sabe si existe o no, pero Olive parece muy segura de que sí existe y está contenta porque según ella su abuelo habrá ido allí. Continúan unos pocos metros de trayecto apacible, hasta que otro coche se cruza en su camino, obligando a Richard a hacer un movimiento brusco, toca el claxon para llamar la atención del imprudente conductor y a partir de entonces no se podrá parar el sonido, se ha atascado y sigue sonando incesantemente. Exactamente por eso aparece un policía que les obliga a parar, son conscientes de que llevan el cadáver de su abuelo en el maletero, así que evidentemente eso no puede verlo el policía, Richard les dice a todos que actúen con naturalidad para que parezca que todo es completamente normal. Pero el policía hace bajar de la furgoneta a Richard, y se encuentra muy incómodo cuando el policía le habla del maletero así que éste decide abrirlo ya que piensa que llevan algo que no quieren que vea, nada más abrir la puerta caen las revistas porno que el abuelo le hizo comprar a Frank y parece no darse cuenta de nada más. El policía empieza a hablarle de las revistas, mientras Richard disimuladamente se coloca delante del maletero para que ya no vea nada más. Todo termina ahí, les deja marchar, ante la cara de incredulidad de toda la familia que no saben muy bien qué ha pasado. Cuando el policía se marcha en su moto todos esperan y se bajan, para empujar de nuevo y poder seguir con el viaje; mientras Richard y Sheryl comentan el horario del concurso al que no pueden llegar más tarde de las tres en punto, detrás, Olive se entretiene haciéndole a Dawyne test de visión que cogió en el hospital, demostrando éste que su visión está perfecta. Pero después empieza con las pruebas de los colores, para ver si es daltónico, entre el ruido de los coches que pitan y gruñen a Richard por el claxon y éste intenta disculparse y decir que no pasa nada. Dawyne no ve la letra verde que hay en el interior del círculo rojo, así que se disparan todas las alertas, él empieza a ponerse nervioso porque no entiende qué está pasando, y Frank intenta saber si es verdad, hasta que tiene que decirle que de ser cierto Dawyne es daltónico lo que supondrá que no podrá ser piloto, como siempre había sido su sueño y por lo que llevaba en voto de silencio 9 meses. En ese momento, Dawyne empieza a desmoronarse, su sueño no podrá cumplirse y empieza a pegar golpes en la furgoneta, todos empiezan a ponerse nerviosos y a gritarse unos a otros para parar la furgoneta. Dawyne cada vez está más furioso y está a punto de saltar, pero entre tanto grito consiguen parar en medio de la carretera. En el momento en el que paran Dawyne sale corriendo y baja una pequeña rampa, hasta que llega abajo y ya no puede aguantar más, la primera palabra que dice después de 9 meses es "joder", en un desesperado grito al que sigue su llanto de impotencia. Mientras continúa llorando, Sheryl baja para hablar con él, para decirle que tienen que seguir con el viaje, pero él ya no quiere, no va a seguir y que les odia a todos. Cuando ya no saben qué hacer, Olive baja con su hermano, no hace falta siquiera que le hable, se acerca a él y le abraza, sin haberse recuperado todavía le dice que sí, que pueden seguir, que les acompaña. Suben con el reto de la familia y Dawyne les pide perdón por haberles dicho todo eso antes, estaba enfadado.

Ya no hay duda de que el cine independiente se ha abierto un hueco gracias al cual cualquiera de nosotros puede (o al menos en teoría) llegar a conocer una serie de películas que cada año van llegando a la cartelera, provenientes del panorama más indie del cine norteamericano. Esto desde luego es toda una ventaja, ya que muchas de ellas por lo general, suelen ser mucho más refrescantes e interesantes que la mayoría de las películas que nos llegan desde Hollywood, muchas de ellas grandes superproducciones (que nos están llegando estos días) que incluso llenan todo el espacio haciendo casi imposible el que se pueda ver otro tipo de películas. Así que, es evidente que el cine independiente ha conseguido por medio de multitud de "pequeñas" películas ganarse la confianza de los críticos y también del público (no hay más que ver el caso de Garden State, que consiguió una muy buena recaudación para ser independiente), que sabe(mos) agradecer los nuevos aires, la originalidad y el estilo que se respira en este tipo de películas. Pero dentro de este mismo movimiento de acogida del cine independiente también hace algún tiempo que algunos sectores empiezan a dar opiniones en contra, habría que empezar diciendo que desde hace varios años no encontraremos nominaciones a los Oscar en la que no se haya metido alguna de estas cintas independientes, lo cual puede ser bueno ya que deja patente que estas películas son tan buenas como las más comerciales, o lo que podría suponer que, los realizadores de estas cintas ya saben lo que gusta y lo hacen para así estar dentro de los premios. Yo con respecto a esto no me posiciono ni de un lado ni de otro, creo que ya era hora de que películas con menor presupuesto fueran tomadas en cuenta, pero también he de decir, que no por ser independiente una película ya es buenísima y el sumun de la originalidad, ni muchísimo menos. Algo así es lo que yo veo en Pequeña Miss Sunshine, no hay ninguna duda de que es una película encantadora y bastante buena, pero creo que (al igual que con La Reina) su nominación al Oscar a la Mejor película quizá fuera excesivo, sobre todo habiendo películas como Hijos de los Hombres, que fueron injustamente olvidadas, tratándose, al menos para mí, de la mejor película del pasado año, pero con esto no quiero restarle méritos a Pequeña Miss Sunshine; lo que no se puede negar después de haber visto Pequeña Miss Sunshine es que se trata de una película muy refrescante y divertidísima, además de partir de una premisa bastante original e interesante. En ella quieren hacer una especie de alegato en contra de los concursos de belleza, en concreto los concursos infantiles, en los que entran niñas pequeñas y aparecen pequeñas Barbies inquietantes y llenas de laca hasta las orejas, que además poseen habilidades que ya quisieran algunos adultos, pero que rebajan (de igual manera que hacen los concursos de los adultos) a las niñas a meros estandartes de los modelos estéticos de la actualidad, privándolas en parte de momentos de sus vidas que por eso mismo no podrán tener. Éste es uno de los temas que sobrevuelan Pequeña Miss Sunshine, el que podríamos decir es el más evidente y por el cual, las vidas de toda la familia se meten en una vieja furgoneta amarilla para llegar a California; la película de Jonathan Dayton y Valerie Faris es un soplo de aire fresco en cualquier momento que se realice su visionado. Es de esas películas que tienen el poder de alegrarte el día, ya no sólo el momento en el que la estás viendo, en el que (por propia experiencia lo digo) te diviertes muchísimo e incluso en varios momentos la sala de cine se llena de carcajadas, por los momentos tan divertidos y peculiares que soportan los Hoover. Pequeña Miss Sunshine es una buena película, de la duración adecuada, con buen ritmo y muy entretenida. También son muy de agradecer los momentos iniciales, en los que se nos presentan a todos los peculiares personajes con los que vamos a compartir poco más de una hora y media de nuestro tiempo. Se trata de una buena película, pero tampoco creo que sea la gran película que en ciertos momentos se ha llegado a decir, yo como valoración personal le daría un 8'5; el guión de Michael Ardnt nos presenta a la familia Hoover, que un día recibe la noticia de que Olive, la pequeña de la familia, ha sido seleccionada para participar en el concurso de belleza Pequeña Miss Sunshine, de California. Poder participar en el concurso ha sido el sueño de Olive desde hace tiempo, quizá no entre en el canon de belleza que parecen buscar, pero no por ello no va a ir en busca de sus sueños, así que, día tras día ella y su abuelo ensayan una misteriosa coreografía, que sólo ellos conocen, y cuando reciben la noticia deciden partir todos en el viaje, incluyendo al tío Frank, que ha intentado suicidarse recientemente, y al joven Dwayne, que lleva nueve meses en voto de silencio para conseguir su sueño de ser piloto. Todos se suben a la destartalada furgoneta amarilla de la familia, para con el poco dinero que les queda, lograr que al menos una de ellos consiga su sueño, estar en Pequeña Miss Sunshine. Por el camino muchas cosas cambiarán, sucederá una pérdida, tendrán el tiempo en su contra, pero no cesarán en su empeño de llegar a tiempo para participar en el concurso; como ya he dicho, no solo encontramos en Pequeña Miss Sunshine un alegato en contra de los concursos de belleza infantiles, sino que además vemos una búsqueda incesante por alcanzar los sueños que cada uno tiene, sean inalcanzables o más cercanos a las posibilidades de cada uno, pero aquí lo que vienen a decirnos es que, no importa cómo seamos físicamente, ni económicamente, debemos luchar por lo que queremos conseguir, sea el sueño más extraño que hayamos oído o no, pero que nunca debemos dejarlo si no es lo que queremos. Olive quiere participar en Little Miss Sunshine, Dawyne quiere ser piloto pero descubren que es daltónico, Richard quiere que su proyecto salga adelante, el abuelo quiere ayudar a su nieta pero no es capaz de dejar las drogas, Sheryl quiere conseguir que su familia sea feliz, y Frank necesita encontrar su sitio; parte de la originalidad de Pequeña Miss Sunshine residía en presentarnos a una familia que suele denominarse disfuncional, en la que cada miembro es bastante peculiar, y más raro que el anterior. Familia en la que parece que cada uno viaja por su lado. Evidentemente uno de los mayores logros de la película son sus interpretaciones, todas totalmente inspiradas. Comenzando por Greg Kinnear como Richard, el padre, obsesionado con su proyecto de cómo convertirse en ganador en una serie de pasos, obsesionado hasta tal punto que en la vida diaria no hace más que hablar de ello, haciendo en muchos momentos que la convivencia con él sea muy difícil, Kinnear está estupendo. Toni Collette interpreta a Sheryl, la madre, preocupada por la felicidad de su familia en todo momento, y no está dispuesta a permitir que los sueños de sus hijos se queden en la nada, fabulosa Collette. Seguidos de los jóvenes Paul Dano y Abigail Breslin, que interpretan a los hijos de la pareja, Dawyne y Olive, él queriendo ser piloto por lo que es capaz de guardar voto de silencio durante meses hasta conseguirlo, y ella una niña que quiere participar en un concurso de belleza, ambos están absolutamente increíbles, Breslin lo hace muy bien, me parece que irradia dulzura y encanto, pero creo que su nominación al Oscar quizá fue excesiva. Con ellos tenemos a un genial Steve Carell y a un intenso Alan Arkin, que interpretan al tío Frank y al abuelo, respectivamente, el primero acaba de intentar suicidarse, homosexual y el mayor experto en Proust que se ve desplazado públicamente de su "cargo", mientras que el abuelo es un drogadicto y un vividor; esa misma originalidad que nos presentaba a una familia rara o excéntrica, se va perdiendo a lo largo de la película, para acabar confluyendo en una familia feliz que poco tiene de disfuncional, para estallar de júbilo en un peculiar baile para una niña mientras tratan de bajarlos del escenario. Este es el mayor error que la mayoría ha visto en la película, he de decir que a mí también me parece un error, porque el planteamiento de la historia y de los personajes era buenísimo al comienzo, pero poco a poco vamos viendo cómo se va convirtiendo en algo normal y que podemos ver en cualquier película. De todas formas, el guión sigue siendo muy bueno y sabiendo combinar a la perfección momentos de absoluta carcajada con otros más dramáticos, sin que les tiemble el pulso; en definitiva, para mí Pequeña Miss Sunshine es una película encantadora y divertidísima, capaz de alegrarle el día a cualquiera. En parte de su planteamiento resulta muy original y un soplo de aire fresco, pero quizá al final todo cambia, ya sea para mejor o para peor. Con unas interpretaciones espectaculares. Pero que quizá ha sido sobre valorada en algunos momentos. (^.^)

"Shrek Tercero" de Chris Miller

2007-07-01T20:10:00.000+02:00

Siento la poca productividad que ha habido esta semana en el blog, no es porque no haya visto películas, ni series, ni nada, es más, tengo varios temas pendientes en el tintero para hablaros sobre ellos, pero estos días no he tenido demasiadas ganas de escribir, no sé porqué, quizá porque lo más cercano de lo que tenía que hablaros (como es el caso que hoy nos ocupa) no me inspiraba demasiado, es lo más probable. Además esta semana he estado muy entretenida viendo toda la 3ª temporada de Perdidos, que gracias a mi ADSL por fin he podido ver, y podría decirse que la mayor parte del tiempo que he tenido libre en casa lo he invertido en verla, porque cuando ves un capítulo ya no puedes parar y tienes que verlos uno tras otro seguidos, esta próxima semana le dedicaré un post en condiciones, porque lo merece, sin duda; después de que hacía dos semanas que no había ido al cine, desde Ocean's Thirteen, esta semana ya se echaba en falta así que había que ir. Como habréis podido comprobar y me temo que en la mayor parte de ciudades la cosa está igual de mal que aquí, la cartelera actualmente lo que inspira es pena, por los escasos estrenos de interés que llegan, en favor de las superproducciones o bluckbusters veraniegos que nos acechan. Pues bien, dentro de lo que se suponía que había, mi intención era ir a ver Un Engaño de Lujo, protagonizada por Audrey Tautou, pero el cine me pillaba bastante lejos y no me daría tiempo, así que la siguiente opción era Historia de un Crimen (horrorosa traducción de Infamous), pero cuando llegamos sorprendentemente solo quedaban asientos en la fila 2, a lo que me negué en rotundo, porque no estoy dispuesta a pagar 6 euros por ver una película desde la 2ª fila, así que en medio del gentío que seguramente acudía a ver 28 Semanas Después, decidimos de manera desesperada entrar a ver Shrek 3, de Chris Miller, algo que no me hacía especial ilusión, pero mejor que volverse a casa de vacío pues la veíamos. Hoy voy a hacer lo mismo que con las otras terceras partes, comentaré un poco las dos anteriores también.

Ficha Técnica:
Dirección: Chris Miller

Codirección: Raman Hui

País: USA

Año: 2007

Duración: 92 min

Género: Animación, comedia

Doblaje original/español: Mike Myers/Juan Antonio Muñoz, Eddie Murphy/José Sánchez Mota, Cameron Diaz/Nuria Mediavilla, Antonio Banderas, Rupert Everett, Justin Timberlake, Julie Andrews, John Cleese, Eric Idle, Cheri Oteri, Ami Poehler, Maya Rudolph, Amy Sedaris, John Krasinski, Ian McShane

Guión: Chris Miller, Jeffrey Price, Peter S. Seaman y Aron Warner; basado en un argumento de Andrew Adamson; sobre el libro de William Steig

Música: Harry Gregson-Williams

Montaje: Michael Andrews

Diseño de producción: Guillaume Aretos

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Cuando Shrek se casó con Fiona, lo último que se imaginó es que podría convertirse en el siguiente rey. Pero cuando su suegro, el rey Harold, estira la pata de repente, es exactamente lo que le espera. Y si Shrek (con la valiosa ayuda de Asno y del Gato con Botas) no encuentra un rey adecuado para el reino de Muy Muy Lejano, tendrá que resignarse a estar realmente fastidiado el resto de sus días. Por si esto fuera poco, a la princesa Fiona se le avecina otra pequeña sorpresa... Atrapado entre las tareas de gobernar un reino y su inminente paternidad, Shrek inicia una búsqueda para encontrar al único heredero posible de su trono. Se trata de Artie, el primo de Fiona, un estudiante medieval marginado del que hace mucho que no tienen noticias. Mientras el ogro está ausente, su viejo contrincante el Príncipe Encantador reaparece en toda su hermosura y regresa al reino de Muy Muy Lejano con una idea metida en su cabecita: quiere redimirse. Shrek y Artie, incluso teniendo a su lado a Asno y al elegante Gato con Botas, y con la ayuda de Fiona y de sus amigas princesas, deberán hacer un esfuerzo digno de un ogro para salvar a la familia y conseguir un final feliz...

Sumamos y seguimos en la fiebre de las terceras partes de época veraniega, que comenzó en época no tan veraniega. Esta vez le ha tocado el turno a la nueva secuela de las aventuras del ogro verde, Shrek. No se puede decir que tuviera demasiado interés en ir a ver Shrek Tercero, pero cuando hay poco más que ver, y lo poco que hay que ver está saturado, no queda más remedio que ceder, si no se quiere pasar otra semana más sin ir a las salas de cine; Shrek Tercero ya casi ha alcanzado en recaudación a la original, Shrek, que recaudó 484.4 millones de dólares, siendo el 55'3% perteneciente a los USA, y lo restante al resto del mundo, esta tercera parte ya lleva 484'3 millones, lo que hace indicar claramente que superará a la primera, lo que no sé es si llegará a las estratosféricas cifras de su predecesora, Shrek 2, que consiguió la friolera de 920.7 millones de dólares, esta vez sí con mayor porcentaje de taquilla extranjera que nacional. Me detengo a comentar los datos de taquilla porue para mí personalmente son los que han hecho propicia esta tercera entrega, y que en años venideros vayamos a ver dos más (¿?¿?). Evidentemente tenemos que tener claro esto, como el resto de terceras partes que nos llegan este año, bajo mi punto de vista son por y para el dinero, es lógico que con las cifras que han conseguido con las anteriores hayan querido hacer más y explotar el invento, lo que ocurre es que eso pasa factura a la película; todo comenzó en 2001, cuando se estrenó Shrek, dirigida por Andrew Adamson y Vicky Jenson, que suponía un soplo de aire fresco al género de animación, trasladando y colocando a los "malos" como los protagonistas de las historias de animación, poniendo a un malvado ogro verde como el protagonista de la historia, acompañado de su parlanchín asno. Shrek era absolutamente genial, ya que cambiaba todo lo que habíamos visto hasta entonces en el género de animación, que ponía a un ogro en una misión para salvar a una princesa encerrada en una torre, princesa que además guardaba un peculiar secreto. Dicha princesa al anochecer cambiaba de aspecto físico, se transformaba de una bella princesa pelirroja a un ogro verde, al más puro estilo de su salvador, Shrek. El humor de la película era fresco, lleno de ironía, y usando las frases adecuadas en cada momento, momentos que además se componían de situaciones geniales y divertidísimas. El guión era tremendamente bueno, tanto que incluso fue nominado al Oscar al Mejor guión adaptado. Y además, los actores que realizaban el doblaje de los personajes eran muy conocidos y lo hacían con mucha soltura (doblados aquí principalmente por el dúo Cruz y Raya). Además, técnicamente era una película muy buena, la animación en 3D ya había subido muchas posiciones, y como colofón, ganaron el Oscar a la Mejor película de animación. Es más, he de reconocer, que la he visto más de 10 veces y nunca me he cansado de verla, incluso las gracias e ironías siguen ahí y siguen haciéndome reír cada vez.

En el verano de 2004 llegó la segunda, la primera tuvo éxito, ganó un Oscar, había gustado muchísimo, así que era de esperar que siguiéramos viendo como se desarrollaba la vida ya de casados de la Princesa Fiona y el ogro Shrek. Shrek 2 estaba dirigida de nuevo por Andrew Adamson, esta vez acompañado por Kelly Asbury y Conrad Vernon. En esta ocasión, vemos la feliz vida que llevan los ogros "recién" casados, que acuden al reino de Muy Muy Lejano para que Shrek pueda conocer a los padres de Fiona, los reyes. En un principio parece que la cosa no marcha demasiado bien, él es un ogro, ella una princesa, por mucha apariencia de ogro que tenga, sus padres creen que todavía puede cambiar. Además, aparecía en escena un extraño pretendiente, el Príncipe Encantador, cuya madre, una Hada, parecía estar dispuesta a emplear todo su poder para conseguir que su "encantador" hijo se casara con la Princesa Fiona y así en un futuro pudieran ambos reinar en Muy Muy Lejano. A Fiona y Shrek les volvía a acompañar Asno, y se iba a sumar al grupo un nuevo integrante, Gato con botas, una especie de mercenario felino, que termina en el bando de Shrek; Shrek 2 para mí sigue siendo una gran película de animación, aunque personalmente no creo que sea capaz de superar a su predecesora, creo que como la primera no hay ni habrá ninguna, aunque esta secuela se le acercó bastante, pero ya tampoco era lo mismo. El guión seguía siendo muy bueno, se trataba de una buena historia y los nuevos personajes que iban apareciendo estaban a la altura de las circunstancias, por tanto el humor estaba asegurado casi al cien por cien, creando algunos momentos realmente divertidos, de nuevo eran capaces de crear carcajadas en el espectador. También hay que hablar de la banda sonora, algo que siempre me ha gustado de la saga de Shrek ha sido su música, creo que se han detenido mucho en elaborarla (al menos en las dos primeras), tanto los temas instrumentales como las pegadizas canciones que servían de estandarte y que incluso recibieron nominación a la Mejor canción original por Accidentally In Love. En cuanto a la técnica de la animación 3D, ya se veía que la cosa iba mejorando todavía más, ya que DreamWorks sabe lo que se hace y si podían hacerlo iban a mejorar lo ya visto anteriormente (que ya de por sí era muy bueno). De nuevo nominación al Oscar a la Mejor película de animación, aunque ya sin tanta suerte como con la anterior; para mí Shrek 2 era una muy buena película de animación, pero que ya no conseguía llegar al listón puesto con Shrek, para mí la mejor de las tres.

Y llegó lo que ya se había anunciado al poco tiempo de estar en las carteleras de todo el planeta Shrek 2, se iban a hacer tres películas más del ogro Shrek y su troupe, para sorpresa de casi todos, alegría de algunos y pocas ganas para el resto. En su momento la verdad es que recuerdo que no me parecía ni bien ni mal el que siguieran haciendo películas de la franquicia Shrek, pero pasados tres años desde que vi por primera vez Shrek 2, mi opinión había cambiado sustancialmente. Ya no me parecía adecuado el que siguieran más con esto, porque sabía lo que iba a pasar, lo que está pasando con la mayoría (que no todas) de las terceras partes en las que no se tiene nada nuevo que contarnos, que van a repetir las gracias de las anteriores entregas en esta nueva de la misma manera o de parecida, creyendo que así nos volverán a hacer gracia por tercera vez, cuando en realidad no es así; en esta ocasión Shrek y Fiona comienzan estando a cargo de una serie de actos públicos debido a que el rey, que sigue convertido en rana, está gravemente enfermo. Desde el principio vemos como Shrek no está cómodo con los deberes palaciegos, los grandes trajes, las coronas, los actos conmemorativos y/o de inauguración no parecen entusiasmarle lo más mínimo. Además Fiona parece que tiene algo que decirle a Shrek, una novedad muy importante, que probablemente cambie sus vidas para siempre. Junto a ellos se encuentran Asno y el Gato con botas, además de Dragona y los hijos de ésta y Asno, todo un grupito de asno/dragones la mar de monos que les rodean y llenan de felicidad. Por su lado, el Príncipe Encantador ahora se encuentra en antos de poca monta realizando espectáculos teatrales de nulo éxito, y que gracias a una imagen autografiada y dedicada para él por su madre, el Hada, decide que tiene que cambiar su situación, que las cosas no pueden seguir así, él se merece algo mejor. Pronto el rey Harold fallece, y deja como herederos directos a Fiona y Shrek, pero ninguno de los dos (sobre todo Shrek) quieren aceptar esa responsabilidad, así que Shrek parte en busca del siguiente en la línea sucesoria, el joven Arturo Péndragon, Artie para los amigos. Cuando parten hacia su viaje, Fiona le da la buena nueva a Shrek, está embarazada, esa era la noticia que tenía que contarle y no sabía cómo, pero Shrek no parece estar entusiasmado por la noticia, es más, parece aterrorizarle. Cuando llegan al instituto en el que deben encontrar a Arturo, encuentran a una panda de medievales muchachillos, encabezados por la "osea" chicle woman Ginebra y el chuleras Lancelot, mientras que el pobre Artie es tratado como un perdedor por todos los alumnos, colgado incluso de las alturas por un par de freaks. A partir de ahí, Shrek, Asno y Gato con botas tienen que conseguir que Artie acepte ser el futuro rey de Muy Muy Lejano y les acompañe hasta él, algo que en principio no les será muy difícil, pero que poco a poco se verá cómo está indeciso y tiene más de un problema con el mundo. Por el camino se encuentran con el extraño, peculiar y algo torpe Merlín, un mago ex-profesor del instituto de Artie, que se encuentra de baja por depresión y que será el encargado de tele-transportarles hasta Muy Muy Lejano, porque no tienen barco ya con el que regresar. Mientras tanto, en Muy Muy Lejano ha comenzado el plan de Encantador, que seguido de los malos de los cuentos, quieren hacerse con el poder, apresando a Fiona y al resto de las princesas, además de destruyendo todo lo que encuentran a su paso.

La premisa argumental en sí, no es gran cosa, ni en sí, ni vista, la verdad. Además el espíritu original de Shrek aquí se evapora con el aire, dejan atrás la ironía que sobrevolaba las dos anteriores, Shrek ya no es de los malos, ahora ya no puede ser más bueno, esto se torna como los cuentos de siempre, aquellos que tanto querían criticar en las dos anteriores. Luego tenemos a los malos (no con Encantador, precisamente, sino con los malos de los cuentos), yo iba con los malos, aunque era evidente que no iban a ganar, ahí vemos a Garfio (el pobre con un gran trauma que llama Peter y Wendy a todo aquel que ve), a la bruja de Blancanieves, a los árboles, piratas y demás brujas, que se sienten excluídos de la sociedad, son tratados como seres malvados y que no tienen derecho a ser felices (¿?), esto en sí evidentemente tiene su gracia. Luego tenemos la reunión de Fiona con las princesas de Disney, en la que le hacen regalos para el futuro bebé(s), tenemos a la genial Blancanieves, a Cenicienta, a la inquietante (ya veréis porqué) Rapunzel, y a la Bella durmiente, los momentos protagonizados por estos nuevos personajes son de lo mejor, junto con los malos y Merlín. Otro nuevo personaje como ya he comentado, es Merlín, un torpe y raro mago que había sido profesor de Artie en el instituto, proporciona momentos muy divertidos. Y luego tenemos a Artie, que en su versión original está doblado por Justin Timberlake (no más comentarios al respecto); el guión no es demasiado bueno, no sabría decir siquiera si es bueno, algo totalmente contrario a los de las dos anteriores, que si por algo se caracterizaban era por tener un gran guión en sus cimientos, en Shrek Tercero eso no existe, de la mitad en adelante de la película la historia está bastante bien, pero el final es el de siempre y además algunos personajes ya cansan; otro punto en contra es que no la he podido ver en versión original, igual que me pasó con la primera, no tengo nada en contra de Cruz y Raya, que en las anteriores lo hacían muy bien, pero es que en esta son los personajes que interpretan los que me cansan, no soporto a Antonio Banderas, ni como persona ni como gato (nunca pensé que esto pudiera llegar a decirse) pero esto también estaría como problema en la versión original, y me muero de ganas por escuchar a Julie Andrews como la reina, Rupert Everett como Encantador, y a Eric Iddle como Merlín, porque eso sí que tiene que ser genial; en esta ocasión no consiguen que simpaticemos con los que supuestamente tenemos que simpatizar, que deberían seguir siendo Shrek, Fiona, Asno y el Gato con botas, sino que yo me voy al bando de los malos (de nuevo me reitero, no hacia Encantador, precisamente), que por otra parte es lo que ya se nos quiso hacer en la primera, solo que entonces el malo era Shrek; se pasa un rato entretenido, aunque muchas de las gracietas yo no les vi la gracia, porque hay cosas que a la tercera ya no la tienen. Sin embargo si que hubo momentos desternillantes, sobre todo los relacionados con las princesas, y ese impagable ataque de Blancanieves, luego la Bella durmiente tirándose por los suelos, Cenicienta lanzando su zapato boomerang, la reina Lillian destrozando paredes a cabezazos, momentos absolutamente geniales, ya solo por esos merece ver la película. Otro momento que atrajo las risas fue el momento pelo Pantenne de Encantador, estilo porque yo lo valgo; técnicamente, desde luego es la mejor con diferencia, ahora ya se nota que todo lo relacionado con la animación 3D está mejorado hasta el límite, pulidos todos los aspectos y la película visualmente es un portento, muy pero que muy bien hecha; pero de todas formas, me parece una película totalmente innecesaria, y con la que, para evitar males mayores yo ya lo dejaría ahí, no seguiría rodando más, pero eso no va a pasar, van a rodar dos más, no se podrá hacer nada, pero yo dudo mucho que las vaya a ver.
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La tercera película de Shrek personalmente creo que nunca deberían haberla rodado, y encima la cosa no termina aquí, habrá una cuarta entrega y una quinta que probablemente será un Spin-Off (¿?) sobre el Gato con Botas. Ya sabía yo que no había que poner ninguna esperanza en Shrek Tercero, que lo mejor que podían ofrecernos ya lo vimos en Shrek, y también en su mayor parte en Shrek 2, pero no se puede evitar lo inevitable, la saga de Shrek ha dado mucho dinero, ha tenido muchísimo éxito en todo el mundo con sus dos anteriores entregas, así que era evidente que seguirían explotándolo. Volvemos al mismo asunto que está rondando desde hace un par de meses, con esta avalancha de terceras partes que estamos teniendo y que seguirá durante el verano (espero que con mayor fortuna, con la saga de Bourne), se crea una fórmula, se ven los resultados de dicha fórmula, y si todo eso ha dado como resultado una gran suma de millones recaudados en las taquillas de todo el mundo, cogemos lo que ha gustado y lo metemos en varias películas más, así hasta que creamos que ya no se puede estirar más y que el público se daría cuenta en seguida de que algo está pasando y digan "ya no más". Esto es lo que realmente yo pienso que deciden las grandes productoras encargadas de estas películas, porque sino no tiene otro tipo de explicación el que ahora tengamos en los cintes Shrek Tercero, y en próximos años una secuela más o dos; aunque no todo en Shrek Tercero es malo, no, los momentos dedicados a los malos de la historia, a las princesas Disney, y a Merlín, son lo mejor de la película, sin duda alguna, esos son los momentos que pueden sacar risas e incluso alguna (pero pocas) carcajadas. El resto, personalmente ya no me hace gracia lo que ocurre en el resto de la película, es lo mismo que hemos estado viendo en las dos anteriores, pero sin el factor sorpresa, ni de originalidad, ni siquiera de sentido, por ejemplo, a mí el Gato con Botas ya me cansa. Otra cosa que no se le puede negar a la película es su espectacularidad técnica, está muy pero que muy bien hecha, sin ninguna duda, es la mejor de las tres en ese aspecto, lo han trabajado mucho y ahora la animación 3D de DreamWorks está al más alto nivel (aunque Pixar para mí siempre será la mejor). Así que ya sabéis, depende de vosotros, pasaréis un rato entretenido, eso seguro, con alguna que otra cosa graciosa, pero en general, es una pena que lo que comenzó con Shrek ahora continúe de esta manera. (^.^)

...

Valoración: 5'5

Cosas de "Ensayo sobre la ceguera"

2007-06-27T22:36:00.000+02:00

En primer lugar quiero felicitar a todos los que por fin ya hayan terminado los exámenes, después de tanto trabajo y esfuerzo por fin ya vacaciones, y todo un verano por delante para disfrutar. Yo ya llevo un par de semanas de oficialmente vacaciones, y ya debo tomar una decisión importante, aunque no comprendo las prisas, para el próximo curso, que a no ser que las cosas cambien dudo que se produzca, creo que haré otro tipo de cosas, ya que en una semana me es imposible decidir nada. Y ya queda menos para que me vaya a la playa, creo que me iré el 1 de Agosto, 15 días (que me vendrán estupendamente) como siempre; si esta semana veis que tardo en postear no es decisión propia, es que últimamente no sé qué le ocurre a mi conexión a Internet con un par de Webs, entre ellas la de Blogger, así que me resulta bastante complicado poder entrar a escribir; como ya os comenté la semana pasada, estaba leyendo el libro Ensayo sobre la ceguera, de José Saramago, sobre el que como todos ya sabréis, va a rodarse una película, Blindness, dirigida por Fernando Meirelles, que se estrenará el año que viene. Pues bien, hace ya varios días que lo terminé y hoy me gustaría hablaros tanto del libro, como de las noticias que hay sobre la película y lo que en conclusión podemos esperar de ella. Para empezar he de decir que Ensayo sobre la ceguera me ha parecido una novela impresionante, Saramago ha sabido relatar con crudeza y total realismo la personalidad del ser humano, sobre todo cuando éste se encuentra en peligro, ante una amenaza que parece no tener solución y con la que, en mejor o peor medida debe sobrevivir, sobrevivir de la manera que sea frente a cualquier cosa. Así que, como primer paso, la novela en la que se basará la película me parece imprescindible, evidentemente se trata de un relato muy duro, que en algunos momentos puede resultar desagradable por lo que se nos está relatando, pero que sabe captar la esencia de la sociedad actual y lo que desgraciadamente ocurriría en un desastre como el que ocurre en la ficción de Saramago. Muchos ya se han atrevido a decir que se trata de una obra inadaptable al cine, en parte tienen razón, ya que sería muy difícil abarcar en una sola película todo lo que acontece en la novela, además su estructura también es algo complicada, pero a pesar de eso creo que estando en las manos de Fernando Meirelles podemos estar tranquilos y bajo mi punto de vista, creo que sabrá sacar todo el potencial de la novela. Trataré de que no haya Spoilers ni datos importantes, pero quizá alguno se escape.

El ganador del Premio Nobel de Literatura en 1998, el portugués José Saramago, fue quien escribió en 1995 la novela Ensayo sobre la ceguera, que se ha convertido en una de sus más famosas obras, y que tiene en Ensayo sobre la lucidez una especie de continuación, en la que su tema central son los límites de la democracia. Su estilo escribiendo en principio puede sorprender a cualquiera, ya que aunque la novela está dividida en lo que a priori pueden parecer capítulos, dentro de esos mismos "capítulos" vemos párrafos extensos en los que se entrecruza la narración de los acontecimientos con los diálogos de los distintos personajes. Esos diálogos no se nos presentan como suele ser habitual, ya que todo va dentro de la misma frase, únicamente diferenciando lo de cada personaje porque va entre comas y la primera letra es mayúscula, como si de un punto se tratase anteriormente. Así que, evidentemente hay que prestar mucha atención cuando se lee ya que sino corres el riesgo de llegar a un punto en el que no sabes quién está hablando o quién ha dicho una frase y quién le ha contestado. Pero eso solamente al principio, poco a poco te vas acostumbrando a su forma de escribir y resulta una lectura fácil de seguir; aquí Saramago vuelve a incurrir en el trasfondo sobre el que suelen transcurrir muchas de sus novelas, y es la decadencia de la sociedad actual, incluso la deshumanización de la sociedad, mostrándonos las penurias de un mundo de ciegos que ni siquiera saben porqué se han quedado ciegos, y que con su recientemente adquirida ceguera deben sobrevivir al mundo. Tratando evidentemente de manera necesaria muchos aspectos de la condición humana, entre otros orientados hacia la ética, ya que estamos hablando de sobrevivir ante cualquier situación, luchar por la supervivencia de uno mismo (y si es posible, de nuestros seres queridos), en contra del que se ponga por delante y trate de impedir nuestro cometido. Así que, trata temas éticos como si se puede matar o robar para sobrevivir, si puedes apropiarte de lo que pertenece a los demás pero que por circunstancias no pueden (y quizá nunca más vayan a) emplear, etc. Pero a pesar de tanta deshumanización y actitudes poco o nada éticas que los personajes deben adoptar para poder sobrevivir en un mundo de ciegos, también tenemos la parte en la que siempre habrá alguien que a pesar de tener que llevar a cabo algunos actos nada éticos, lleva el peso de la humanidad con sus actos, es diferente del resto, una persona con sentimiento y llena de humanidad (en este caso, la mujer del médico, la única que no pierde la vista). Y ya por último en cuanto al estilo de Saramago, me gustaría añadir que, se agradece su imparcialidad en cuanto a temas políticos e ideológicos, centrándose únicamente en las personas; en cuanto al pulso narrativo de la novela, a pesar de que en algunos momentos resulta desagradable por lo que se está narrando, es capaz de en todo momento mantener el interés por la historia, ya que nos interesamos por lo que les ocurre y ocurrirá a los personajes protagonistas (de los que en ningún momento conocemos sus nombres) y si finalmente tal y como vino sin explicación aparente la ceguera, desaparecerá sin dejar rastro o se quedarán ciegos para siempre.

El director elegido para realizar la adaptación de la novela de Saramago al cine ha sido el brasileño Fernando Meirelles. Su carrera comenzó en 1986, con el documental Olhar Eletrônico, en el 98 realizó el cortometraje E no meio passa um trem, su primer largometraje llegó ese mismo año, fue Menino Maluquinho 2: A Aventura, pero resultó un fracaso. En 2002 rodó Domésticas, que dirigió junto a Nando Olival, ese mismo año llegó también Palace II, que co-dirigió junto a Kátia Lund, y también presentó la gran Ciudad de Dios. Una película realmente impresionante y fabulosa, que consiguió cuatro nominaciones a los Oscar, incluyendo el de Mejor director, para Meirelles. Tres años hubo que esperar para ver una nueva película suya, pero desde luego la espera mereció la pena, ya que se trata de la maravillosa El Jardinero Fiel, protagonizada por los grandes Rachel Weisz y Ralph Fiennes, que además le valió el Oscar (y una tanda bastante importante de premios) a la Mejor actriz secundaria (lo de secundaria no lo entenderé nunca) a Rachel Weisz, que interpretó el impresionante papel de Tessa Qayle, contó también con otras tres nominaciones a los Oscar, el de Mejor banda sonora (del español Alberto Iglesias), Mejor guión adaptado y Mejor montaje. En mi opinión fue una de las grandes olvidadas de la ceremonia de los Oscar, tanto en lo que a nominaciones se refiere como a estatuillas; durante estos años, Meirelles también dirigió algunos capítulos de la serie brasileña Cidade dos Homens; en mi opinión, si hay un director idóneo y capaz de dirigir la adaptación de Ensayo sobre la ceguera, ese es Fernando Meirelles, sin duda. Es el idóneo porque estamos hablando de una obra muy social, muy humana y muy realista, que debe tratarse como tal, con todo el realismo y crudeza que desprende, y si vemos las películas de Meirelles podemos comprobar que eso no le asusta, sino que, es capaz de meterse en ellos y relatar cómo viven los más desfavorecidos, las penurias que pasan y cómo tienen que sobrevivir a ellas, así que esto le hace por lo menos a priori capaz de relatarnos la vida de todo un país de ciegos que lucha por la supervivencia. Y es que, en una película como Blindness, debemos estar ante una película realista, cruda y difícil, en la que evidentemente el diseño de producción y demás tendrán un papel importantísimo, para que captemos la esencia de la novela de Saramago, sin el cual, será totalmente imposible adaptarla, y eso debe quedar claro de antemano; de la fotografía se encargará el uruguayo César Charlone, que ya fue director de fotografía en El Jardinero Fiel y Ciudad de Dios. El montaje será de Daniel Rezende, que también colaboró con Meirelles en Ciudad de Dios, y hemos visto su trabajo en Diarios de Motocicleta y Dark Water. La dirección artística correrá a cargo de Tulé Peak (Casa de Areia), y el vestuario será de Renée April (La Fuente de la Vida, El Día de Mañana).

Ahora vamos a la parte que involucra a los actores. Poco a poco hemos ido (y seguramente iremos) sabiendo quienes serán los principales componentes del elenco interpretativo de Blindness, produciéndose incluso alguna baja (de gran importancia) y su posterior cambio. Sabemos que, la estupenda Julianne Moore (Magnolia, Hijos de los Hombres) será una de las protagonistas, la mujer del médico, la única persona en todo el país que no ha perdido la vista, pero que no sabe por cuánto tiempo seguirá así la situación, y por tanto es ella quien ayuda a todo el que puede, quien trata de hacer más fácil la existencia de los que la rodean, sin poder desvelar su secreto, ya que las consecuencias podrían ser trágicas para ella, ella representa a la bondad que todavía queda en la humanidad, es por decirlo de algún modo la heroína, ya que tratará de lograr que todo transcurra bien para los que pueda, y ella será la única que podrá ver todo el horror que asola el país. Junto a ella tendremos a Mark Ruffalo (Zodiac, Eternal Sunshine of the Spotless Mind) que interpretará al médico, marido del personaje de Julianne Moore, que en principio iba a ser interpretado por Daniel Craig (Casino Royale), con el que las negociaciones no llegaron a buen puerto. Gael García Bernal (Babel, La Ciencia del Sueño) que interpretará al rey de la Sala 3, un hombre sin moral, del que se puede esperar cualquier cosa. Alice Braga (Ciudad de Dios, Sólo Dios Sabe) será la joven de las gafas oscuras, una mujer que acude a la consulta del médico porque tiene conjuntivitis, y es una de las primeras en quedarse ciega. Y también se sabe de la participación de Danny Glover (Dreamgirls, Arma Letal) pero unas fuentes dicen que será el viejo de la venda negra (lo cual me resultaría muy extraño, ya que no es un hombre de raza negra en la novela) y otras dicen que será el narrador, lo que es seguro es que participará en la película. Y Don McKellar (Monkey Warfare, Despidiendo mi Vida) será el ladrón, así que ya sabemos que esa trama aparecerá en la película. Se conocen varios nombres más, en su mayoría desconocidos, pero no se ha especificado todavía qué papeles interpretarán. Papeles importantes que quedan por asignar son el primer ciego y su esposa y el niño estrábico; sobre estas elecciones que se conocen por el momento, la de Julianne Moore me parece muy acertada, igual que la de Mark Ruffalo (no me imagino a Daniel Craig en el papel), pero Alice Braga y Danny Glover no me pegan con esos personajes demasiado. Gael García Bernal si saca su vena más inhumana y egoísta probablemente sí. Espero que mantengan el "no nombramiento" de los personajes, ya que como bien dice la mujer del médico en varios momentos, no es necesario saber sus nombres, ya que allí no les servirán para nada.
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Como argumento general, Blindness narra el extraño caso de una epidemia de ceguera blanca (viven en una profunda blancura luminosa, en vez de en la más pura oscuridad) asola todo un país. El primer hombre en quedarse ciego estaba conduciendo y se había detenido en un semáforo rojo, cuando este se pone verde él empieza a gritar que está ciego, entre los pitidos y los gritos de la gente, a partir de ahí se irá extendiendo por todo el país. Los primeros afectados son puestos en cuarentena, en principio solo llevan a los ciegos, pero luego también a todos los que con ellos han tenido contacto, lo que no saben es que una mujer, esposa de un oftalmólogo ve, no se ha quedado ciega, pero no ha querido abandonar a su marido y ha decidido internarse con él. Resulta imposible ponerle freno a la ceguera, ya que ha aparecido sin explicación aparente, y sin síntomas físicos que la respalden, se han quedado ciegos porque sí, sin razón, quién sabe si volverán a ver algún día. El miedo comienza a llenar las calles, incluso a los soldados encargados del centro de cuarentena, los ciegos son tratados como apestados y al mínimo movimiento serán asesinados. Poco a poco se formarán grupos, facciones, dentro de los ciegos, algunos de ellos con peores intenciones que otros. A partir de entonces cada uno deberá sobrevivir, de la manera que pueda; la película contará con un presupuesto de 25 millones de dólares, y será una co-producción brasileña y canadiense, en principio ese presupuesto parece bastante bajo, sobre todo en comparación con otras películas, pero incluso con películas de similares características (como podría ser el caso de la obra maestra Hijos de los Hombres, que tuvo 76 millones de presupuesto), pero confiemos en que se trata de Fernando Meirelles y que con el mismo presupuesto rodó la magnífica El Jardinero Fiel; el rodaje comenzará previsiblemente en el cercano mes de julio, y se llevará a cabo en Sao Paulo y Toronto, con vistas al estreno en 2008, el año que viene; por el momento todo hace presagiar que estaremos ante una buena película, si Meirelles como creo que será capaz, plasma la esencia (evidentemente no es posible todo) de Ensayo sobre la ceguera. Algunos se han aventurado a decir que si todo sale bien puede ser la Hijos de los Hombres del año próximo, desde luego son de similares características a nivel general, ya que ambas exploran las miserias del mundo devastado por una epidemia sin razón aparente, la de Cuarón con la inexplicable pérdida de la capacidad de tener hijos, y la de Meirelles con una epidemia de ceguera blanca que se expande velozmente. Yo pongo mis esperanzas en Meirelles y todo el equipo, ya que personalmente el libro me parece impresionante, la película también puede serlo, pero aún habrá que esperar más de un año. (^.^)

Algunas de las últimas novedades

2007-06-24T22:44:00.000+02:00

Mientras voy preparando algunas cosas de las que os voy a hablar dentro de pocos días hoy os dejo aquí una selección de algunas de las últimas novedades en el panorama del cine actual, sobre proyectos futuros (pero cercanos), pósters, novedades y ya de paso la primera foto de Indiana Jones 4; comencemos por una de las noticias sobre un proyecto que me resulta más interesante. Me refiero a la incorporación al reparto protagonista de la nueva película de Peter Jackson (El Señor de los Anillos, Atrápame esos Fantasmas), que llevará por título The Lovely Bones, y que se trata de una adaptación de la novela del mismo título escrita por Alice Sebold, que cuenta la historia de una adolescente, que con 14 años es asesinada y una vez en el cielo observa a los que le rodean, viendo las consecuencias de su fallecimiento, además del camino que van tomando las vidas de sus seres queridos; Rachel Weisz interpretará el papel de la madre de la chica, y se llamará Abigail Salmon. No se sabe mucho más acerca del resto del reparto, pero suenan voces de rumores que apuntan a la jovencita (y altamente irritante) Dakota Fanning para el personaje en cuestión, aunque no es nada oficial; el rodaje bajo la producción de la DreamWorks, comenzará en Octubre, después de la serie de rodajes que Rachel Weisz tiene previstos para el verano. Y se llevará a cabo en algunas localizaciones de Pensilvania y Nueva Zelanda. El estreno será para el próximo año, pero sin mayores especificaciones por el momento; este proyecto pinta bastante bien, no sólo porque una de mis actrices favoritas (razón más que suficiente para entusiasmarme) vaya a ser una de las protagonistas, sino porque será interesante ver la siguiente etapa en la carrera como director de Peter Jackson tras la monumental trilogía de El Señor de los Anillos y King Kong.

Por fin ha visto la luz el póster de la próxima película de Woody Allen (Match Point, Scoop), cuyo título sabíamos que sería Cassandra's Dream. Como seguramente todos sabréis, ahora mismo Woody Allen se encuentra en nuestro país, buscando localizaciones para rodar su siguiente película, cuyo rodaje se llevará a cabo en Barcelona y en algunos puntos de Asturias. Pero a lo que iba, ya tenemos el póster de la más próxima, Cassandra's Dream, que se estrenará en España el 26 de Octubre de este mismo año, el póster es el que veis a la derecha; la película está protagonizada por Ewan McGregor (Big Fish, Miss Potter), Colin Farrell (El Nuevo Mundo, Miami Vice), Tom Wilkinson (Shakespeare in Love, El exorcismo de Emily Rose), Hayley Atwell y Sally Hawkins; el argumento de la película es más o menos el siguiente, los hermanos Ian (Ewan McGregor) y Terry (Colin Farrell) pasan por apuros económicos, pero en principio todo va bien entre los dos hermanos. Aparece una mujer en sus vidas, Angela Stark (Hayley Atwell), por la que Ian caerá rendido. Por su parte, Terry será quien meta en más apuros económicos a ambos, ya que su afición al juego podrá darles algún disgusto. En ese momento aparecerá un pariente adinerado que para que consigan mantener su economía les hará ir por sendas apartadas de la ley, ambos hermanos acabarán siendo enemigos; evidentemente nos encontramos a la siguiente película en la carrera de Woody Allen que sigue los pasos aparentemente de la gran Match Point, después del paréntesis cómico que fue Scoop. Hace ya algo más de un año os comenté las primeras noticias sobre Ewan McGregor con respecto a la película; la verdad es que con respecto al póster, poco se puede decir realmente, porque no nos encontramos ante el póster más original del momento, pero sirve para abrir boca a pocos meses del estreno, con los dos protagonistas juntos pero no revueltos.
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Y ahora sobre directores asignados a un par de películas. En primer lugar, ya sabemos quién será el director de la próxima entrega de la saga de James Bond, que está tomando una buena (al menos por el momento) y renovada visión del espía 007. Marc Foster, director de películas como Más Extraño Que la Ficción, Descubriendo Nunca Jamás y Monster's Ball, ha sido el elegido para dirigir la que será la película número 22 del agente con licencia para matar. Después de la estupenda Casino Royale, que supuso para la saga a parte de una nueva cara para James Bond (Daniel Craig), nuevos aires y un nuevo estilo, más realista y menos... como era antes, que personalmente no me gustaba nada. Los productores Wilson y Broccoli manifestaron lo siguiente: "Estamos encantados de que Marc Forster, con su excepcional talento y visión extraordinaria, haya aceptado dirigir nuestra próxima película de James Bond". Sin título oficial todavía, y con vistas a su estreno el 7 de Noviembre del año próximo, el rodaje de las nuevas aventuras de Bond comenzará en Londres a finales de año; la noticia a mí en principio me parece muy sorprendente, porque no es precisamente el tipo de películas al que Foster nos tiene acostumbrados, pero todo es cuestión de esperar a ver cómo se desarrolla el proyecto y esperemos que, una vez vista su gran actuación como el nuevo James Bond, Daniel Craig tenga un rodaje menos accidentado que el anterior.

La otra de las noticias relacionadas con la asignación de director a un proyecto ya hecho oficial involucra directamente a, atención, Frank Miller. Exacto, habéis leído bien, el escritor de novelas gráficas como Sin City o 300 ahora va a ser el absoluto director de una película de la que aquí ya hablé en una ocasión, pero que ahora ha cambiado de título, será Trouble Is My Business, que antes pensaban titular Marlowe. En la que, Clive Owen (Hijos de los Hombres, Plan Oculto) interpretará al detective Philip Marlowe, y además ejercerá como productor ejecutivo de la cinta; a mí en principio la elección de Frank Miller como director me resulta sorprendente, porque ya sabemos que no tiene experiencia tras las cámaras, además de Sin City, dirigida también por Robert Rodriguez como adaptación de una de sus novelas gráficas, pero en la que no sabemos cuál fue el grado de participación real de Miller. Mientras tanto, hace poco Frank Miller pudo asistir al estreno de otra de sus novelas gráficas en la pantalla, la espectacular 300. Y también se suponía que estaban preparando la segunda parte de Sin City, incluso se hablaba de una tercera, pero todo son rumores ya que parece que el proyecto está estancado hace varios meses, y no parece salir adelante, ya veremos qué es lo que ocurre al final. Así que, también hay que decir que Frank Miller y Clive Owen trabajaron juntos en Sin City, en la que Clive Owen interpretaba uno de los papeles protagonistas.

Y hoy me despido con la primera imagen del rodaje de Indiana Jones 4, en la que podemos ver a Harrison Ford ya caracterizado como Indy, sentado en su silla mientras espera más instrucciones. La foto se supone que la hizo el propio Steven Spielberg. Y además también se ha sabido recientemente que Jim Broadbent (Moulin Rouge!, Vanity Fair) se une al reparto, no se sabe a quién interpretará todavía, pero sí que también le podremos ver allí. Desde luego millones de personas (entre las que me incluyo, evidentemente) estamos con la vista puesta en mayo del año que viene, esto promete. (^.^)

*Fuentes: Blog de Cine, Impawards, Estrenos de Cine, Rachel Weisz Paradise

Escenas: "Dear Wendy"

2007-06-21T21:10:00.000+02:00

Mucho había oído sobre la película de la que os voy a hablar hoy, Dear Wendy. Nunca había tenido la oportunidad de verla, pero sí que por varias personas sabía que era muy interesante y que les había gustado mucho, así que hace un par de semanas en una de las visitas a FNAC que hicimos para renovar la colección de DVDs que hasta ahora tengo la vi, ya me había llamado la atención muchas veces, pero nunca me había decidido a comprarla, hasta aquel día. Tampoco se puede decir que supiera de qué iba ni nada, sabía lo básico, por no decir nada, así que resultaba ser una compra todavía más interesante; Dear Wendy está dirigida por el danés Thomas Vinterberg. El danés ha dirigido hasta la fecha películas como It's All About Love, película protagonizada por Joaquin Phoenix, Claire Danes y Sean Penn, posterior a esa fue The Third Lie, anterior fue Celebración, también The Biggest Heroes, con Thomas Bo Larsen, Ulrich Thomsen y Paprika Steen, anterior fue The Boy Who Walked Backwards, y su primera película fue Sneblind, en el año 1990. Además hay que decir que Vinterberg es un director relacionado con el llamado movimiento Dogma, algo que se ve totalmente claro cuando nombramos al guionista de Dear Wendy, nada más y nada menos que Lars Von Trier, director de entre otras Los Idiotas, Dogville, Manderlay y la más reciente, El Jefe de Todo, ambos directores fueron dos de los fundadores de Dogma. Este movimiento creado en 1995 intentaba romper con lo establecido en el cine actual, algo que consiguieron a través de sus llamados 10 mandamientos, que posteriormente en cada una de las películas de los integrantes del movimiento debían verse reflejadas, actualmente están dejando esto un poco de lado, ya no lo llevan a raja tabla; interpretada por Jamie Bell (Banderas de nuestros padres, Billy Elliot) como Dick, Bill Pullman como Krugsby, Michael Angarano como Freddie, Danso Gordon como Sebastian, Novella Nelson como Clarabelle, Chris Owen como Huey, Alison Pill como Susan y Mark Webber como Stevie, entre otros; la música es de Benjamin Wallfisch (ha dirigido la orquesta en V de Vendetta, Orgullo y Prejuicio), la fotografía de Anthony Dod Mantle (El último rey de Escocia, Manderlay), el montaje de Mikkel E.G. Nielsen (Princess, Reconstruction), diseño de producción de Karl Juliusson (The Beautiful Country, K-19: The Widowmaker), dirección artística de Jette Lehmann (Nordkraft, It's All About Love); ahora os dejo una de las secuencias que más significativa me parece de la película, y mis impresiones generales sobre toda la película, así que cuidado que puede haber SPOILERS.

La secuencia que he elegido podríamos decir que comienza cuando Sebastian (Danso Gordon) llega con una caja que acaba de robar, una caja llena de pistolas, eran todas las que estaban en el escaparate de la tienda en la que Freddie (Michael Angarano) había visto su pistola, la pistola que estaba destinado a tener, no sería ninguna otra, tenía que ser la Automática modelo 1900 D7'65 mm. Sebastian lo ha hecho como algo bueno, para ayudar a los Dandies, que le han acogido, pero Dick (Jamie Bell) no lo ve así, nunca lo ha visto así. Dick ve a Sebastian como un usurpador, al que abrió las puertas de su hogar y ahora intenta superarle, intenta echarle de su puesto, y que además se atrevió a tocar a Wendy. Sin embargo los demás ven a Sebastian y su reciente acto como una maravilla, todos están contentos. Después de eso, todos van dentro a preparar la ceremonia de iniciación de Freddie y su pistola, un ritual en el que Freddie y Woman (el nombre que le pone a su pistola) quedan unidos para siempre, y nunca podrán separarse. Todos llevan sus trajes de Dandies, todos reciben con alegría a Freddie, menos Dick, que sigue pensando en lo que le atormenta, Dick y está como ausente del resto. Después todos se van a celebrarlo a la zona de tiro, allí Sebastian observa todo lo que le rodea, bastante sorprendido, entre balas, dianas y demás repuestos. Mientras todos disparan Dick sigue pensando en lo popular que se está haciendo Sebastian entre los Dandies, y cree que lo único con lo que le puede convatir es con Wendy, demostrándole quién es el mejor. Stevie, Huey y Susan practican las técnicas que han estudiado, consiguiendo así grandes resultados en sus tiros, cada uno desde su propio estilo. En un instante en el que Dick se aleja del lugar de tiro con Freddie para estudiar sus primeros tiros con Woman, Sebastian se ha quedado solo cerca de Wendy. Y en ese momento, Sebastian hace lo que primero se le pasa por la mente al ver la amada Wendy de Dick, cogerla y disparar unas cuantas veces, haciendo que Dick vaya corriendo hasta él para arrebatarle su pistola. El resultado, Sebastian a acertado en el centro de la diana con sus cuatro disparos. Dick no hace más que recriminarle que nunca debe usar el arma de otro Dandie, nunca, y le grita que se marche, que desde el principio no ha hecho más que fastidiar a todos. Para arreglar lo que Sebastian ha destrozado para él, pide que le venden los ojos y así demostrará que no importa que tuviera puntería, que él tiene más, pero no es así, no acierta nunca, para él ha perdido algo. Otra persona ha empleado a su Wendy, y esa persona encima ha sido Sebastian. Destrozado y casi tambaleándose decide marcharse; está lloviendo y Dick camina sin rumbo aparente por las calles de Estherslope, pero de repente se para en seco, parece que ha tenido una idea. Regresa caminando bajo la lluvia hasta su refugio y decide ir a ver a Stevie. Mientras Stevie le habla a Dick de un nuevo proyecto que ha pensado, Dick le entrega a Stevie su querida Wendy, éste piensa que es para hacerle algún tipo de ajuste, pero no es así. Le pide a Stevie que quite la mira de Wendy, algo que Stevie no logra comprender, ya que el estilo de Dick al disparar es desde la cadera, por tanto no emplea para nada la mira, y llega a la conclusión de que quiere quitar la mira, destruir parte de la personalidad de Wendy, para que nadie pueda usarla, para que Sebastian no pueda usarla. Aunque con mucha reticencia y sin compartir la opinión de Dick, Stevie lima la mira de Wendy hasta quitarla por completo, se la devuelve a Dick y este la deja en el lugar reservado.

Para ver y hablar de Dear Wendy debemos situarnos en el entorno de la película, me refiero efectivamente al grupo Dogma. Como muchos ya sabréis uno de los máximos exponentes de Dogma ha sido siempre Lars Von Trier, que nos ha sorprendido con películas como Dogville y su continuación, Manderlay, últimamente, donde podíamos encontrar todos y cada uno de los "mandamientos" que él y otros directores daneses concibieron al crear Dogma, algo que ahora ya empiezan a usar con menor regularidad. Es pues Dear Wendy una película en cuya base podemos encontrar algunos de los rasgos de este movimiento creado por los daneses, pero ya en mucha menor medida que cómo podíamos encontrarlo en años anteriores y en películas anteriores tanto del director, Vintenberg, como del guionista, Von Trier. Y aunque cuando estemos viendo Dear Wendy no sepamos de quién procede, sí que en cuanto terminemos de verla y veamos los nombres de su guionista y de su director entenderemos lo que hemos estado viendo, es lo que me pasó a mí. Precisamente no se puede decir que yo sea muy amiga del movimiento Dogma, personalmente encuentro interesante que crearan un cine a su "manera", pero no comparto sus teorías, ni suele gustarme excesivamente sus películas. Por suerte, Dear Wendy guarda semejanzas con lo que habían realizado anteriormente, pero de las que he podido ver es la película menos Dogma, ya que no llevan al pie de la letra muchas de las cosas que tenían impuestas; para mí, Dear Wendy es una muy buena película, no estamos ante una obra maestra, ni muchísimo menos, pero sí es una buena película que aunque no sabemos exactamente hacia dónde nos va a dirigir, sí que nos dejamos llevar por sus ideas, hasta comprender qué es lo que Vintenberg y Von Trier han querido contarnos. Dear Wendy es capaz de sorprendernos, impactarnos y desarmarnos ante el momento final que estamos presenciando como si se tratara de un mero juego infantil en el que nadie parece verse afectado por el uso indiscriminado de armas de fuego contra cualquiera, solamente para conseguir llevar a una anciana desde su casa a la casa de su sobrina, un par de calles más allá. Bajo mi punto de vista, y sopesando todos y cada uno de los momentos que vemos en la película, junto con lo que una vez más nos quieren transmitir, yo le daría como valoración personal un 8'5, porque creo que en su conjunto Dear Wendy es capaz de atraer desde el instante en el que un adolescente pacifista encuentra por error una pistola que cree es de juguete pero resulta ser de verdad, puede matar; el argumento es el siguiente, en un pueblo minero del Medio Oeste, llamado Estherslope, vive Dick, un chico de 18 años que vive con su padre, minero de profesión, y que es cuidado por Clarabelle, una mujer negra que le ha cuidado siempre como a un hijo. Dick es un adolescente que no va con gente de su edad, siempre está con Clarabelle, no tiene amigos, pero la gente del pueblo, sobretodo un policía llamado Krugsby, le ve como a un buen chaval, buena persona, pacifista y que nunca se metería en problemas. De pronto un día, es invitado al cumpleaños de Sebastian, el nieto de Clarabelle, un joven al que no aguanta y al que no sabe qué puede regalarle, va a una tienda cercana y tras mucho mirar encuentra una pequeña pistola de juguete, decide que no quiere pensar más en el regalo y la compra. Pero Clarabelle le dice que es un regalo perfecto, que a Sebastian le encantan las pistolas, así que Dick decide quedarse la pistola de juguete porque no se la quiere regalar ya a Sebastian. Días después del cumpleaños intenta devolverla, pero ya no puede, y decide llevarla siempre en el bolsillo, hasta que un día su compañero de trabajo, Stivie, le dice que no es de juguete, que se trata de un arma de verdad. A partir de entonces, los dos, inadaptados con respecto a los que les rodean, deciden hacer un club en el que siempre desde el pacifismo, emplearán sus armas para entretenerse, disparando a dianas y demás objetos, pero nunca a personas o animales. Desde ese momento se les van uniendo otros chicos y una chica del pueblo, adolescentes como ellos, sin rumbo aparente en la vida. Son los Dandies, se sienten poderosos, sienten que ya no están solos, se sienten bien. Pero todo cambiará cuando Sebastian aparezca de nuevo en la vida de Dick y se introduzca en el grupo de los Dandies; ante todo y como es claramente evidente, el tema principal de la película es de nuevo una protesta o un argumento en contra de la sociedad norteamericana, armada casi hasta los dientes desde tiempo atrás, en la que ven como algo normal el regalarle a un bebé de pocos meses una licencia de armas, para que en cuanto crezca un poco (unos cuantos años, pero tampoco muchos) pueda tener un arma como quien tiene un osito de peluche. Esa misma gente que en los bancos aquí te regalan bajillas, coches y alguna cosa así, pero allí con lo que te obsequian es con un arma. Cualquiera puede tener un arma, incluso los pacifistas, Dick, el personaje de Jamie Bell lo era, y llega a tal punto de necesidad de su querida Wendy que prefiere morir por una bala suya que por la de cualquier otra arma. Como ya sabemos, Lars Von Trier es muy dado a la crítica de la sociedad norteamericana, y aquí lo vuelve a hacer, esta vez con su lado armamentístico, y el miedo que probablemente desde los atentados del 11 de Septiembre sumieron en el temor y el caos a la población. Pero no sólo gira en torno a este tema Dear Wendy, también como también hacían en Ghost World pero de manera un poco diferente, vemos a unos adolescentes sin rumbo en la vida, solos, no tienen nada en el mundo y tampoco tienen a nadie, y desde su estado de total pérdida en el mundo intentan buscar su sitio o su papel en el mundo. En este caso lo encuentran en el club de los Dandies, teniendo pistolas, armas con las que pueden matar, pero que no deben usar, ya que es una ley que se han impuesto, solo las usarán dentro de su hogar, para los diferentes ejercicios, pero nada más, aunque eso es hasta un determinado punto. Con sus armas se saben poderosos, ya no se sienten como un despojo del mundo, saben que tienen poder y eso les hace sentirse mejor; en cuanto a las interpretaciones, se puede afirmar con rotundidad que todos absolutamente todos están fabulosos, todos hacen creíbles sus personajes, en todo momento, incluso cuando la lógica nos dice que lo que están haciendo no tiene sentido, que cualquiera en su sano juicio no lo haría, son capaces de mostrarnos como algunas personas sí son capaces. Desde Jamie Bell encabezando el reparto como Dick, que poco a poco se ve dado de lado por el grupo que cada vez quiere más a Sebastian, interpretado por Danso Gordon. Pasando por los hermanos Freddie y Huey (interpretados por Michael Angarano y Chris Owen), éste último atado a sus muletas, llegando incluso a Susan interpretada por Alison Pill con mucho encanto y naturalidad. Incluso Bill Pullman como el inquietante policía Krugsby está perfecto; el ritmo de Dear Wendy hay que decir que es muy lento, quizá a mucha gente pueda resultarle aburrida por eso, porque es una película lenta, que hasta su tramo final no termina de arrancar y llegar al sprint que nos lleva a la matanza sin sentido. La estructura de la película es a partir de una carta que Dick le escribe a Wendy, su pistola, de ahí el título, es como comienza la carta, en ella le cuenta todo lo que han pasado juntos, todas sus aventuras y desventuras, hasta que llega el momento de la batalla campal; Thomas Vintenberg rodó Dear Wendy como si de una mezcla de muchas cosas se tratara, logrando así una especie de western juvenil, con tintes melodramáticos, salpicado de un tono inquietantemente extraño, para tener como desencadenante final una batalla campal entre los no menos extraños policías del pueblo y el grupo de Dandies intentando llevar a Clarabelle (cuya evolución es digna de estudio, pasando de ser una mujer entrañablemente cariñosa a una psicótica con una escopeta preparada) a casa de un familiar, unas cuantas calles lejana. La puesta en escena de Dear Wendy es espléndida, alejándose de la escasez que promulgaba Dogma, para en un ambiente de claro oscuros, minas abandonadas y trajes de vaquero, al ritmo de una banda sonora fabulosa, contarnos la historia de la querida Wendy y los Dandies. (^.^)

"Drácula de Bram Stoker", Coppola y los vampiros

2007-06-18T20:34:00.000+02:00

Esto de estar de vacaciones sienta muy bien, ahora tengo tiempo para casi todo, aunque por eso precisamente acabo teniendo poco tiempo para algunas cosas porque me confío demasiado. Actualmente estoy leyendo un libro del que se está hablando mucho últimamente, Ensayo sobre la ceguera, de José Saramago, del que se prepara una película, y del que os hablaré en cuanto lo termine, hablando tanto del libro como de lo que se sabe de la película y lo que se podrá esperar de ella por muchos factores. Ya queda menos para que sepamos las notas de la Selectividad, mucha paciencia es lo que nos falta; hoy quiero hablaros de la película Drácula de Bram Stoker, dirigida en el año 1992 por el gran Francis Ford Coppola. Creo que Coppola no necesita demasiada presentación, igual que tampoco lo está necesitando la familia Coppola en los últimos años, ya que aunque hace varios años que no vemos una película dirigida por Francis Ford Coppola sí que hemos podido ver el comienzo de la carrera de su hija, Sofía Coppola. Coppola ha ganado 5 Oscars durante toda su carrera, uno de ellos al Mejor director, por la segunda parte de El Padrino, por la que ganó también el de Mejor película y Mejor guión adaptado. Algunas de sus películas más conocidas para el público en general son (por orden de novedad) Drácula, la trilogía de El Padrino, Peggie Sue se Casó, Cotton Club, La Ley de la Calle, Rebeldes, Apocalypse Now, La Conversación y The Rain People, entre muchas otras. Pero desde 1997 no hemos podido disfrutar en los cines de ninguna película nueva de Francis Ford Coppola, desde The Rainmarker, algo que va a cambiar este mismo año que va a estrenar Youth Without Youth; Drácula de Bram Stoker está protagonizada por Gary Oldman como Drácula, Winona Ryder como Mina Murray, Anthony Hopkins como el Profesor Abraham Van Helsing, Sadie Frost como Lucy Westenra, Keanu Reeves como Jonathan Harker, Cary Elwes como Lord Arthur Holmwood, Richard E. Grant como Dr. Jack Seward, y con Tom Waits y Monica Belluci haciendo un par de papeles secundarios; del guión se encargó James V. Hart, a partir evidentemente de la novela de Bram Stoker; ganadora de 3 Oscars de la Academia, al Mejor vestuario, Mejor maquillaje y Mejores efectos de sonido, además de optar a un cuarto Oscar a la Mejor dirección artística. En los premios de la Academy of Science Fiction, Fantasy & Horror Films de USA, ganó el premio a Mejor actor (para Gary Oldman), Mejor director, Mejor vestuario, Mejor guión y Mejor película de terror, además de recibir nominaciones a Mejor actriz (para Winona Ryder), Mejor actor secundario (Anthony Hopkins), Mejores efectos especiales (para Roman Coppola), Mejor música (espléndido Wojciech Kilar) y Mejor maquillaje.

Mucho ha dado de sí el mito de Drácula en el cine, ya no solo teniendo como protagonista a Drácula sino del mundo del vampirismo en general, que ya venía de antes incluso que en la novela de Bram Stoker, Drácula, que dio origen en 1897 a todo un mundo dentro de la cultura popular que ha llegado hasta hoy día en sus múltiples versiones. Como sabréis los que hayáis leído la novela de Stoker, está narrada en forma de cartas, cartas que se escriben los diferentes personajes contándose sus situaciones, además de algunos fragmentos de sus diarios. Está situada en la época Victoriana, y en ella se tratan temas de la época, ya no solo con respecto al folclore que involucra a Drácula, sino a por ejemplo la situación de la mujer en la época, que lo vemos en la dependencia de encontrar marido; sobre el tratamiento que se da al mito de los vampiros, como ya he comentado, no era la primera vez que esto aparecía, sino que en 1819 en el libro The Vampyre, de John Polidori, probablemente él fue de los primeros en escribir sobre un personaje similar a Drácula, relacionado con el mundo de los vampiros. Pero no hay duda de que la novela de Bram Stoker es una de las más importantes (sino la más importante) y que ha sido la base de la mayor parte de películas y demás creaciones tanto literarias como audiovisuales sobre el mito de los vampiros. Mito que además ha ido evolucionando y sufriendo algunos cambios con el paso de los años. Lo que sí es un elemento común siempre es el caracterizar a los vampiros como seres solitarios, cautivadores, en muchas ocasiones sin mayor aspiración que la búsqueda de sangre y que desprenden sensualidad y un cierto atractivo misterioso; el caso es que se han hecho muchas adaptaciones al cine que tenían como protagonista al Drácula descrito por Bram Stoker, y para muchos la de Coppola es la más fiel de las versiones. Yo he leído la novela, he visto la película, pero no he visto muchas de las películas que versan sobre el tema, así que tampoco puedo dar una visión tan amplia en ese aspecto. Pero sí que es una versión bastante fiel, aunque también hay que tener presente los cambios introducidos por Coppola con respecto la novela, algunos son: identifican explícitamente al personaje de Drácula con el personaje histórico Vlad Tepes, conocido como el Empalador, introduciendo así la visión romántica del personaje de Drácula con el de Mina, visto en su mayoría en el prólogo inicial. La cultura popular siempre ha identificado al personaje de Drácula con el de Vlad el Empalador, incluso en el lugar de "origen" del mito, en Rumanía. Que también resulta ser un personaje histórico muy controvertido y del que hay muchas versiones; cuando Mina sigue a su amiga Lucy en su ensoñamiento a través del jardín, Lucy tiene un encuentro con Drácula en su apariencia de lobo, mientras que en la novela en ese momento Drácula no aparece; el personaje de Mina en la novela no tiene el protagonismo que se le otorga en la película, que pensándolo así, cambia completamente el comportamiento de Drácula. A pesar de estos y otros cambios para muchos es la versión más fiel, para mí ni fiel ni no fiel, es sencillamente una versión sobre la novela, que le da al personaje de Drácula el ideal romántico, y ya no tanto como un ser despiadado, sino que aportan las razones de sus actos.

Drácula de Bram Stoker nos introduce en la historia que vamos a ver a partir de un prólogo (añadido a la novela, en la que no aparece) en el que vemos una batalla en la que Vlad III trata de defender Wallachia, su hogar, de la invasión de los otomanos. En esa batalla dan por muerto a Vlad, y su amada esposa, Elizabeta al creerle muerto se suicida lanzándose desde lo alto de su castillo, lo que desgraciadamente no sabe es que él estaba tratando de regresar a su hogar. Al llegar y recibir la noticia de que Elizabeta se había suicidado, Vlad que había defendido la cristiandad, decide renunciar a Dios, convirtiéndose en un ser de la oscuridad, un vampiro; a partir de ahí, Francis Ford Coppola nos cuenta la historia de cómo el Conde Drácula, antes Vlad III, encuentra por casualidad a la mujer que cree es la reencarnación de su esposa muerta, que no es otra que Wilhelmina Murray, también conocida como Mina Murray, que se aloja en la lujosa casa de su gran amiga, Lucy Westerna, perteneciente a la burguesía londinense, mientras que ella es una simple maestra de escuela. Es entonces cuando entra en juego la gran novedad que se incluye en la película, con respecto a la novela, el componente romántico e idílico de la historia, basar el comportamiento, los actos y el surgir de la maldad en Drácula por la muerte de su amada, que de repente parece volver a estar ante sus ojos, siglos después de su muerte. Para muchos esto es el aporte menos indicado que se le podría haber dado a la historia, ya que de un personaje sin escrúpulos, rey de la noche, asesino insaciable, es "transformado" a una versión más idílica, en la que el origen de su mal y muchos de sus actos dependen del amor, de que su esposa muere y cuando siglos más tarde vuelve a reencontrarse con ella, trata de hacer todo lo posible por recuperarla; personalmente me parece que la visión que Coppola le otorga a la novela es muy lícita, pero es evidente que le quita fidelidad con respecto al texto original, cambiando prácticamente en su totalidad las características psicológicas del personaje de Drácula. Pero desde luego el aporte es muy interesante, y trasladándose al personaje histórico real (Vlad III) realiza un entramado de historias relacionadas con la posible reencarnación de su esposa muerta, a partir del personaje de Mina Murray. Pero tampoco hay que olvidar que no todo lo relacionado con Drácula tiene que ver o nos es presentado a partir de su encuentro con Mina, antes de eso Drácula era el ser de ultratumba y despiadado, el muerto viviente chupa sangre que Stoker describió en su novela. Y que, precisamente en un alarde de sus poderes para meter en una trampa a Jonathan Harker, que casualmente es el prometido de Mina, encuentra un retrato de ésta y en ese mismo momento es cuando comienza todo, cuando trata de conseguir llegar hasta ella, porque para él es su difunta esposa. Aunque luego eso se entremezcla con el relato que Drácula le hace a Mina/Elisabeta, que nos describe casi a Drácula como un viajero del tiempo en las tinieblas que buscaba recuperar a su esposa, todo ello condensado en la famosa frase: "He cruzado océanos de tiempo para encontrarte".

Hasta ahí vendría la parte argumental de Francis Ford Coppola en su Drácula de Bram Stoker, título que levantó mucha polémica, ya que los defensores más acérrimos de la novela de Stoker que no quedaron del todo satisfechos y conformes con su adaptación no veían lógico el porqué la de Coppola debía pregonar a los cuatro vientos el ser quizá la adaptación definitiva de la novela. Pero títulos a parte, para mí es indudable que la película es magnífica, casi una obra maestra, que Coppola supo realizar a las mil maravillas, dotándola de un alo romántico, misterioso e imperecedero, que a pesar de haber transcurrido desde su estreno 15 años aún hoy sigue siendo considerada una de las mejores películas de los 90; y ya si nos ponemos a hablar de la parte técnica de la película, la verdad es que todo son elogios hacia la cinta de Francis Ford Coppola. Visualmente es un portento, a todos los niveles posibles. Es una película llena de plasticidad (en el buen sentido de la palabra), algo que por ejemplo podemos ver en el encuentro de las novias de Drácula con Jonathan Harker, como es capaz de tomar por elementos principales todo aquello que puede dar sensación de movimiento y "plasticidad". La fotografía de Michael Ballhaus (Infiltrados, Gangs of New York) es preciosa, desgraciadamente no pudieron rodar los exteriores en Rumanía, como en realidad quería Coppola, ya que el presupuesto habría sido considerablemente elevado. El diseño de producción perfecto, los monumentales decorados, el palacio de Drácula, los grandes jardines, la recreación del Londres victoriano, todo absolutamente está lleno de detalles espléndidos, que ayudan a crear la atmósfera de la película y a meterte de lleno en la historia. Al hablar de la banda sonora del polaco (actualmente ucraniano -son cosas de cambios de fronteras-) Wojciech Kilar (El Pianista) casi hay que quitarse el sombrero, su partitura es maravillosa, una de las mejores que he escuchado para una película, es capaz de transmitir todos los matices de cada una de las situaciones, igual que es capaz de pasar de los momentos más terroríficos a los más románticos sin titubear. El vestuario, de Oscar (fue uno de los 3 Oscars que ganó la película), de Eiko Ishioka, que también hizo un impresionante trabajo con todos los trajes y vestidos (atención al vestido rojo de Mina y al estremecedor blanco de Lucy). Igual que el impresionante maquillaje, que deja su huella más notable en el actor Gary Oldman, cuyas transformaciones son asombrosas, este fue otro de los Oscars que ganó la película. Tampoco hay que olvidarse de los efectos especiales, a cuyo frente se encontraba Roman Coppola, y que sin duda son también otro punto a favor de la película, ya que gracias a ellos vemos las múltiples transformaciones de Drácula, como vuela y se arrastra por la ladera del castillo, etc; a la hora de hablar de las interpretaciones el nombre que suena con mayor fuerza sin duda es el del magnífico e impresionante Gary Oldman, un hombre que a lo largo de toda su carrera ha demostrado en innumerables ocasiones el pedazo de actor que es y que aquí hace una representación perfecta de Drácula, en todas sus facetas, viejo, joven, incluso se comenta que fue capaz de bajar varios tonos su voz natural, para darle una mayor amplitud y un mayor tenebrismo al personaje. Desde luego chapeau por Oldman, que nunca deja de sorprenderme y encandilarme. También tenemos a Winona Ryder, una actriz que desgraciadamente por asuntos personales ha visto como pasaban muchos años de su carrera sin demasiada productividad pero que ya ha vuelto a escena sin complicaciones. No es precisamente una actriz que me guste especialmente (también hace un gran trabajo en Eduardo Manostijeras), pero aquí he de reconocer que lo hace fenomenal como Mina, lo tiene todo, la presencia, el encanto, también es verdad que quizá habría alguna otra mejor opción para el personaje en vez de ella, pero desde luego pasa la prueba con nota. Sobre el resto decir que, Keanu Reeves como Jonathan Harker, el prometido de Mina, no es demasiado molesto, que Sadie Frost está perfecta como la coqueta, extrovertida y en plena liberación y búsqueda del amor y de la sexualidad, Lucy Westerna, gran amiga de Mina, que sufre las iras de Drácula. Mención a parte merece el gran Anthony Hopkins, interpretando a Van Helsing, dándole ese tono irónico y a ratos de loco a su personaje, personaje que de no ser por su tremendo éxito con El Silencio de los Corderos, estaba encaminado a mi querido Liam Neeson. Hay que decir también que, el papel de una de las novias de Drácula fue el primer papel en el cine de Mónica Belluci.

Y ya para terminar (que bastante me he extendido ya), solo me queda decir que, en definitiva aunque para muchos sea una película que no adapta a la perfección la novela de Stoker, para mí este Drácula de Bram Stoker, dirigida por Francis Ford Coppola, es una magnífica película, que respira sensualidad, atracción y romanticismo en todos sus fotogramas. Una película a la que como valoración personal le doy un 9'5, además de ser para mí una de las mejores películas de los 90 y que quizá dentro de unos años pueda ser considerada como un clásico del cine, ya no solo de terror sino como algo más allá. En la que gracias a las fabulosas interpretaciones de los actores y la visión de Coppola se nos transmite el poder de atracción que el mito de los vampiros siempre lleva consigo, atracción por lo desconocido, además saben explotar la sensualidad que también impregna las historias de vampiros y que aquí se transforma en la alta carga erótica de la película. Una gran obra que cada cierto tiempo conviene recordar. (^.^)

"Ocean's Thirteen" de Steven Soderbergh

2007-06-16T21:07:00.000+02:00

Como ya os comenté el domingo en el último post, esta semana era casi seguro que no podría escribir nada, y así ha sido. Por fin el jueves terminé los exámenes de Selectividad y estoy oficialmente de vacaciones, vacaciones en las que voy a hacer lo menos posible (en cuanto a esfuerzo mental se refiere xD) porque aunque no se puede decir que este haya sido el curso más difícil, sí que ha sido agotador. Pero bueno, ahora ya por fin se ha terminado, ya ha pasado el curso, la selectividad y ya solo queda esperar al miércoles las notas, aunque la verdad es que no me preocupan demasiado. Además ha todo esto había que sumarle que estos dos últimos días he tenido algunos problemillas con Internet y aunque tengo muchas cosas en el tintero que poco a poco os iré comentando, hasta hoy no ha podido ser. Pero aunque yo ya estoy de vacaciones no todo el mundo lo está, así que desde aquí le mando suerte a todo aquel que todavía no haya terminado los exámenes, que ya queda menos; bueno, la semana pasada no hubo sesión de cine para mí, principalmente porque los estrenos que yo esperaba con mayor o menor ilusión por aquí no aparecieron (y dudo que lo hagan), además algún estreno como este Ocean's Thirteen era imposible que fuera a verlo, puesto que no había visto sus predecesoras, pero eso cambió ayer, ya que hace un par de días alquilé ambas películas anteriores para así ayer poder ir a verla al cine. Sobre los estrenos decir que cada vez da más vergüenza la cartelera, estar esperando con relativa ilusión por ver algún estreno para que aquí ni aparezcan, no sé exactamente por qué extraña razón, a eso hay que sumar que este lunes los cines hacen huelga, porque no están contentos con la ley que les obliga a proyectar un determinado número (para ellos elevado y sin beneficios) de películas españolas. A mí esto ni me parece bien ni mal, creo que están en su perfecto derecho de no estar de acuerdo con tener que estrenar de manera obligada películas españolas (que encima la gente se extraña de que al público no gusten), pero también me gustaría que en vez de tanta chorrada que estrenan, estrenasen películas que parecen no importar nada a las distribuidoras. En fin, que os voy a hablar de Ocean's Thirteen de Steven Soderbergh, y ya de paso como hice con Los Piratas, de las dos anteriores.

Ficha Técnica:

Dirección: Steven Soderbergh

País: USA

Año: 2007

Duración: 122 min

Género: Thriller / Comedia / Acción

Intérpretes: George Clooney, Brad Pitt, Matt Damon, Andy Garcia, Don Cheadle, Bernie Mac, Ellen Barkin, Al Pacino, Casey Affleck, Scott Caan, Eddie Jemison, Shaobo Qin, Carl Reiner, Elliott Gould, Vincent Cassel

Guión: Brian Koppelman y David Levien; basado en los personajes creados por George Clayton Johnson y Jack Golden Russell

Música: David Holmes

Fotografía: Peter Andrews

Montaje: Stephen Mirrione

Diseño de producción: Philip Messina

Vestuario: Louise Frogley.

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Danny Ocean (George Clooney) y su banda sólo tendrían una razón para realizar su golpe más ambicioso y arriesgado: defender a uno de los suyos. Willy Bank (Al Pacino), el despiadado propietario de un casino, nunca hubiera imaginado que todo se iba a poner en su contra cuando traicionó a Reuben Tishkoff (Elliott Gould), amigo y mentor de Danny Ocean. Pero Bank se equivocó… para su desgracia. Quizás pudo derrotar a uno de los miembros originales de la banda, pero dejó a los demás en pie y les dio un propósito compartido: derrotar a Bank en la noche de la gran inauguración de su nuevo casino...

Este 2007 en cuanto a lo que el cine se refiere, podría ser denominado el año de las terceras partes, y desde luego sería un título que le vendría como anillo al dedo y por el cual seguramente nadie protestaría. Y es que, como ya hemos visto en lo que llevamos de año y comprobaremos en las próximas semanas, este es el año en el que han decidido estrenar todas las terceras partes de todas las películas que lo tuvieran previsto (o rodarlas, como es el caso de La Momia, tercera parte que pinta muy a mi pesar de manera catastrófica), todas ellas sagas de éxito en taquilla, de ahí que lleguen a tener tercera parte. Esto podría tomarse como una alarma, ya que todo esto significa y nos hace ver que ciertos sectores del cine pueden no estar pasando su mejor momento en cuanto a calidad, ya que se realizan en su mayoría terceras partes única y exclusivamente por el dinero que van a reportar en taquilla, como ya se sabe. Incluso parte de estas hasta la fecha trilogías sabemos de antemano que no terminarán aquí, que veremos en próximos años una o dos películas más, pero no parece importarnos, seguimos yendo a verlas. En el caso de esta, Ocean's Thirteen, se supone que esta ya es la última y la verdad es que sería lo más acertado, ya que no tiene sentido seguir con las aventuras de los chicos de Danny Ocean; todo comenzó en el año 2001 con Ocean's Eleven, película que resultaba ser un remake de otra Ocean's Eleven, dirigida en el año 1960 por Lewis Milestone, y que contaba con Frank Sinatra en el papel de Danny Ocean, que actualmente interpreta George Clooney; en la nueva revisión de Soderbergh, el carismático ladrón Danny Ocean acaba de salir de la cárcel, tras cumplir una condena de cuatro años de prisión. Nada más salir lo primero que hace es intentar reunir un grupo de ladrones para llevar a cabo un plan, está tramando su próximo delito. Poco a poco se va formando el equipo, que reúne a 11 ladrones de los cuales cada uno está especializado en una función diferente, de la que son casi expertos. El plan consiste en robar la caja fuerte del Belagio, uno de tantos casinos que posee el millonario Terry Benedict (Andy García), pero poco tardarán en descubrir que no se trata solo de conseguir una cantidad ingente de millones de dólares, sino que Benedict está saliendo con la ex-mujer de Danny, Tess (Julia Roberts); bajo esa premisa Soderbergh rodó una estupenda película de robos, en la que ya se podía ver que iban a lo grande, no hay más que mirar el elenco de actores y actriz que la protagonizaban, todos o casi todos ellos eran estrellas de Hollywood, lo cual ya ayudaba comprensiblemente al éxito de la película. Esta Ocean's Eleven poseía un aire fresco, entretenido y muy divertido, en el que ya se veía la amistad entre todos ellos, pero quizá sin llegar a lo de la segunda parte. La película tuvo éxito, así que hablando desde la búsqueda de dinero, no podían dejar pasar la oportunidad de hacer una secuela.

Esa secuela fue Ocean's Twelve, que en el 2004 ya sí que surgió como una mera película en busca de taquilla. Era la aventura europea de los de Ocean, a los que se les había unido ya Tess, el personaje de Julia Roberts, que retomó su relación sentimental con el que era su ex-marido, Danny Ocean. Se suponía que iban a alejarse del mundo del robo, que iban a comenzar una vida nueva apartados de todo eso, evitando así que le volvieran a meter en la cárcel. Pero evidentemente el gran golpe en el Belagio no le sentó nada bien a su propietario, Terry Benedict, que va a buscarles uno por uno para decirles amablemente que o le devuelven su dinero (dinero que su seguro le devolvió) añadiendo además los intereses o ya pueden ir nombrando herederos de su patrimonio. Por eso mismo, los ya doce de Ocean deciden viajar a Europa a realizar una serie de golpes con los que suponen conseguirán el dinero que Benedict les ha exigido; a partir de ahí ya toda Ocean's Twelve en sí es una ida de olla de niveles estratosféricos. Yo la verdad es que me perdía cada dos por tres, entre algunos comentarios que solo debían entender ellos y todo lo que estaba sucediendo, la verdad es que era bastante complicado poder seguir de manera continuada la acción de la película. Además, el introducir a Tess en el grupo crea algunas de las situaciones más extrañas y peculiares de la película, como el caso de hacerla pasar por la verdadera Julia Roberts por el gran parecido físico que le encuentran con la actriz (que evidentemente es ella, ahí está la gracia) y luego llega Bruce Willis y claro, se descubre el pastel. Otro nuevo personaje es Isabel, interpretada por Catherine Zeta-Jones, una policía especializada en robos que fue pareja durante un tiempo de Rusty (Brad Pitt) y que está obsesionada con encontrar al gran ladrón que anda suelto por Europa (interpretado por el prácticamente siempre estereotipado francés Vincent Cassel). Así todos comienzan a ser perseguidos por todos, mientras nosotros continuamos sin entender nada. Y en cuanto a las interpretaciones, pues tampoco es que se pueda decir que sean impresionantes, solo por parte del sector femenino, que hacen lo que pueden por sacar adelante de la mejor manera los personajes que les han tocado, el resto muestran su gran amistad, enseñándonos que se lo están pasando genial rodando la película, eso en parte es lo que debían mostrarnos, el colegueo y la química entre ellos, pero aquí se lo toman con mayor calma que en la anterior. Además, Ocean's Twelve ya no tenía el encanto de la primera, ya no estaba situada en Las Vegas, en la ciudad de los casinos, del dinero y de lo imposibles que casi resulta el que allí se produzca un robo, lo cual también le daba puntos a la historia de Ocean's Eleven. El resultado de esta secuela no fue nada satisfactorio, sobre todo comparándola con su predecesora, que sin ser tampoco ninguna obra maestra conseguía convertirse en una muy buena película de robos. Quizá por eso y también por supuesto por el dinero, se rodó esta tercera parte, Ocean's Thirteen, que llegó hace una semana a los cines.

Después del mismo período de tiempo exacto que hubo entre primera y segunda parte nos llega la tercera, Ocean's Thirteen. Yo apostaría porque ya se trata de la última entrega de las aventuras de los chicos de Danny Ocean, pero cualquiera sabe, porque como ya he comentado antes, cuando encuentran la fórmula del éxito no paran hasta usarla una y otra vez, en algunos casos hasta llegar a desgastarla. Pero aún a riesgo de equivocarme, no creo que ocurra eso en esta ocasión, creo que aquí lo dejarán o al menos eso espero. Por que desde luego con Ocean's Thirteen han conseguido acercarse lo más posible a Ocean's Eleven, y alejarse del fiasco de Ocean's Twelve, y lo más probable es que de volver a rodar otra más se volvieran peligrosamente hacia el lado de la segunda parte, lo cual terminaría por destruir la saga; en Ocean's Thirteen la pandilla se reúne después de que uno de ellos, Reuben Tishkoff (Elliott Gould) sufra un ataque al corazón y se encuentre en la ruina a causa de un negocio que decidió realizar junto a Willy Bank (Al Pacino), que después de tener todo preparado para llevar entre los dos un gran y nuevo casino, decide prescindir de Reuben, dejándole sin un solo centavo. A partir de ese momento, el único objetivo en las vidas de todo el grupo es destruir a Bank y a su nuevo casino, haciéndole perder el mayor número de millones posible, para hundirle en la miseria igual que ha hecho con su amigo. Antes de empezar a preparar el plan para destruirle, Danny Ocean decide darle una oportunidad, va a hablar con él para ver si hay alguna posibilidad de que la situación se arregle por las buenas, pero Bank no está dispuesto, es un hombre despiadado y tramposo que lo único que quiere es tener éxito propio, sin importarle lo que les ocurra a los demás por ello. Así que, los de Ocean empiezan a preparar un complejo plan para estar metidos en el casino de Bank y hacerle perder a la banca desde dentro, yendo incluso a México para desde su fabricación poder hacer que posteriormente se puedan trucar los dados que se emplearán en el casino. Pero necesitan la ayuda de alguien más para poder terminar con el plan, el "décimo tercer" hombre de Ocean será Terry Benedict (Andy García), su enemigo y perseguidor de las dos anteriores, del que precisarán ahora unos cuantos millones de dólares para comprar unos aparatos; a partir de ahí, Steven Soderbergh, Brian Koppelman y David Levien crean una película que recoge el espíritu de la primera, resulta entretenida, divertida y ante todo, no resulta desconcertante ni enrevesada como sí lo era su predecesora. Así encontramos que Ocean's Thirteen sin ser una gran película sí es una película muy disfrutable y que consigue hacernos pasar un rato agradable, con muchos diálogos despreocupados y situaciones divertidas.

Además se introducen novedades con respecto a las anteriores películas, en primer lugar, las protagonistas femeninas son barridas del mapa, Julia Roberts y Catherine Zeta-Jones son semi nombradas durante la película, pero no hacen acto de presencia, suponemos que Tess (Roberts) se encuentra viviendo su apacible vida en casa mientras espera a que su marido, Danny Ocean regresa, y de Isabel (Zeta-Jones) poco sabemos, al parecer las cosas entre ella y Rusty no van demasiado bien, pero ahí queda la cosa. Otra novedad es la incorporación al elenco de Al Pacino como el tramposo Willie Bank y Ellen Barkin como Abigail Sponder, aplicada ayudante de Bank. La verdad es que Ellen Barkin siendo la única protagonista femenina, es de las que mejor papel realiza, aunque su personaje esté muy poco aprovechado y poco dibujado. Y bueno, también como novedad respecto a la anterior es que la acción vuelve a transcurrir en Las Vegas, de dónde nunca debieron salir, porque es el lugar perfecto, un lugar lleno de lujos, dinero, casinos, y demás cosas etéreas que hacen de Las Vegas el sitio ideal; sobre las interpretaciones, como ya he dicho Ellen Barkin está estupenda, para mí George Clooney sigue en su línea de llevar a buen puerto a su personaje, Danny Ocean (además de que tengo debilidad hacia él), a Brad Pitt no sé, cada vez le veo un poco más lejos de su personaje, Matt Damon sigue aportando el toque divertido a su personaje o personajes más bien siguiendo además con el tema de sus padres que ya venía de la anterior película, con el resto pues hay un poco de todo, desde Bernie Mac que ya resulta un poco pesado con su personaje, pasando por el divertido Carl Reiner como Saul, los hermanos Malloy que siempre están discutiendo, hasta el manitas Don Cheadle y el siempre peculiar Shaobo Qin como Yen, el chino flexible; la película no es que introduzca nada nuevo al género de películas de robo y colegueos, pero emplea todo lo anterior de la mejor manera para dejarnos una película con la que pasar un rato entretenidísimo, mientras vemos cómo les sale el plan a Danny Ocean y los demás, de sobra sabemos que lo conseguirán, pero mientras lo consiguen les vemos como engañan a Willie Bank y los suyos; sobre el trabajo de Soderbergh hay que decir que después de tres películas ya se nota que lo de rodar escenas de robos y de preparativos a los mismos se le da de maravilla, y se mueve con la cámara como Pedro por su casa. En cuanto al resto de la parte técnica, la música de David Holmes igual que en las dos anteriores películas, es muy acertada, y el diseño de producción nos mete de lleno en el mundo de Las Vegas, con sus casinos, sus dados, sus cartas y sus fichas.

No es una gran película, tampoco os hará salir del cine pensando en ella, ni siquiera con el paso de los días os pararéis a debatir sobre ella o sobre lo que habéis visto, pero sin embargo si que es un buen entretenimiento que os hará pasar un rato divertido en el cine. Algo que sin duda hacen muchas películas (para mucha gente, a otros esas películas les resbalan), pero estos lo hacen con estilo. Es una simple pasarela de algunos de los actores más guapos de Hollywood, que demuestran una vez más que después de 6 años el colegueo y la amistad que sienten sus personajes también lo sienten ellos, y eso se nota. No está rodada con aspiración de ser más que eso, incluso supera a su predecesora, una segunda parte que resultaba un poco una ligera ida de olla en la que te pierdes por momentos. Aquí el argumento es sencillo, simple, a través de un hecho que le ocurre a uno de los de Ocean todos se juntan de nuevo para arruinar a la persona que ha hecho que su amigo esté gravemente enfermo, a partir de ahí van a destruir su nuevo casino, como vimos que ya hicieron en Ocean's Eleven, vuelven a Las Vegas, al mundillo de los casinos, sin mayor pretensión. Tiene muchos toques de humor, que ayudan a pasar un rato agradable, quizá la duración debería haber rondado la de las anteriores, ya que aquí llega a las dos horas, pero de todas formas son dos horas entretenidas las que se pasan en la butaca. Evidentemente no vamos a encontrar ninguna interpretación a la que se le pueda sacar demasiado, pero es lo que la película pedía. Eso sí, la dirección de Steven Soderbergh es muy buena, se nota que ya está acostumbrado y le ha pillado el truquillo a esto de rodar robos, y ya lo hace a la perfección. Es una de tantas otras películas que se van a ver para pasar el rato, que no te hacen pensar, te entretienen y al salir puedes decir que lo has pasado bien viéndola y al día siguiente probablemente ya no pensarás más en ella. Yo, si es por ver a George Clooney desde luego que me apunto. (^.^)

...

Valoración: 7

Póster y datos de "I'm not there" y Connery al final dice No

2007-06-10T21:38:00.000+02:00

Siento haber estado desaparecida últimamente, es que he estado muy ajetreada esta semana (la semana que viene lo estaré todavía más) y además hace un par de días tuvimos la graduación, con cena y fiesta incluida, así que siento no actualizar tan a menudo como de costumbre, pero es que tengo poco tiempo estas semanas. De hecho la semana que viene seguramente hasta el jueves no podré postear nada, porque el martes comienza la Selectividad y no tendré tiempo para prácticamente nada. Además esta semana no he ido al cine, porque no había nada interesante que ver, los estrenos que más esperaba aquí sorprendentemente de nuevo no los han traído, como están haciendo últimamente, algo que me repatea cada día más; hoy quiero empezar a hablaros de una película de la que hace un par de días apareció su póster, me refiero a I'm not There. Película dedicada a Bob Dylan, en la que una serie de actores y actrices le interpretarán en sus diferentes facetas. De la dirección se encarga Todd Haynes, que nos ha traído en años anteriores películas como Velvet Goldmine y Lejos del Cielo, que bajo mi punto de vista son bastante buenas, así que por su parte la cosa pinta bastante bien. Del guión se encargan Haynes y Oren Moverman; su estreno en Estados Unidos se producirá el 21 de Septiembre de este año, sin noticias de su estreno en España, yo previsiblemente digo que o a finales de año o a principios del que viene; protagonizada entre otros por Christian Bale, Cate Blanchett, Marcus Carl Franklin, Heath Leder y atención (dedicado a Iria xD) Ben Whishaw, que nos regaló esa magistral interpretación en El Perfume. Todos ellos (incluida Blanchett) interpretan a Bob Dylan en alguna faceta de su vida y de su música. Les acompañarán Julianne Moore, Michelle Williams, Charlotte Grainsburg, Bruce Greenwood y David Cross, entre muchos otros; la mayor parte del rodaje se ha llevado a cabo en Canadá, a excepción de algunas localizaciones en Los Angeles, California; la película tiene una pinta muy interesante, y seguro que el resultado está a la altura de las circunstancias. Desde luego poder ver a ese plantel de actores y actrices en esta historia a mí me llama mucho.

También os dejo aquí el póster que apareció recientemente. Por tanto deduzco que no tardará demasiado en aparecer el tráiler y algún teaser, sobre todo debido a que su estreno en USA es en Septiembre; a mí personalmente el póster he de decir que me encanta, vemos a cuatro de los actores (de pecho para arriba) que interpretarán a Bob Dylan caracterizados y luego debajo a modo de puzzle las diferentes piezas con los cuerpos de todos ellos hasta formar uno entero. Además los colores empleados llaman bastante la atención y son capaces de combinarse y destacarse entre sí perfectamente.

Al final, desgraciadamente ya ha llegado la confirmación de uno de los rumores y participaciones más esperadas por todo el mundo. El gran Sean Connery ha confirmado que finalmente no participará en Indiana Jones 4, que se estrenará el 22 de Mayo del próximo año. Steven Spielberg, George Lucas y seguramente todos nosotros querían que Connery volviera para esta cuarta parte, para retomar su papel como Henry Jones, padre de Indiana, interpretado de nuevo por Harrison Ford. Lo peor de todo esto no es solamente que haya dicho que no a su regreso con la saga, que sin duda será espectacular, sino que por sus propias declaraciones podemos deducir que ya no vamos a volver a verle en una película, que va a continuar con su jubilación. Aquí os dejo sus declaraciones:

“Me lo preguntan tanto que es mejor anunciarlo. He pensado largo y tendido acerca de ello, y si cualquier cosa me hubiera sacado de mi jubilación, hubiera sido una película de Indiana Jones. Adoro trabajar con Steven y George, y ni qué decir tiene que es un honor tener a Harrison Ford como mi hijo. Pero al final, la jubilación es demasiado condenadamente divertida. Sí que tengo, sin embargo, un consejito para Junior: que los bichos sean digitales, que los acantilados sean bajitos y que por amor al cielo que ese látigo esté cerca de ti en todo momento en caso que tengas que escapar del coordinador de dobles. Es un reparto estupendo y sólo puedo decir: ¡Ojalá os rompáis una pierna! Os veré el 22 de mayo de 2008 en el cine”.

Así que, ya podemos ir despidiéndonos de volver a ver en la pantalla grande a Sean Connery, cuya última película y su despedida del cine fue la nefasta La Liga de los Hombres Extraordinarios de Stephen Norrington, una pena que este gran actor de tan solo 77 años no regrese tras esa película, algo que también es totalmente comprensible debido al fracaso que supuso, pero todos estábamos deseando que volviera con Indy; a pesar de esto, Indiana Jones 4 sigue siendo una de las películas más esperadas para el año próximo, dirigida por Steven Spielberg, el guión de David Koepp y producida por George Lucas. Protagonizada por Harrison Ford, Cate Blanchett, Shia LaBeouf, Ray Winstone y recientemente anunciado John Hurt.

Y por último, como algo curioso, anecdótico y a mi parecer interesante, os dejo el enlace para que veáis el nuevo video clip de Paul McCartney, de su canción Dance Tonight, para su álbum Memory Almost Full. La canción me gusta, pero no es exactamente por eso, sino porque el video clip lo dirige el magnífico Michel Gondry, que nos ha regalado esas joyas tituladas Eternal Sunshine of the Spotless Mind y La Ciencia del Sueño. Y además, mi querida Natalie Portman hace un papel en él.

Audrey y los directores: William Wyler

2007-06-04T14:02:00.000+02:00

Se me ha ocurrido dedicarle una serie de post a una de mis actrices favoritas, Audrey Hepburn. No solo como críticas de sus películas de manera independiente, como podría haber hecho igual que hago con otras tantas películas, sino para ver un poco la evolución o cómo fueron surgiendo algunos de sus proyectos. Así aprovecho y comento algunas de sus películas que he podido ver recientemente, sin necesidad de un post individual para cada una de ellas; Audrey Hepburn durante los 36 años en los que se desarrolló su carrera como actriz protagonista (a la que hay que restarle los 9 años que se tomó de descanso desde el 67), sin contar los dos anteriores años en los que, tuvo unos pocos papeles muy secundarios o de figurante, estuvo a las órdenes de un plantel de directores que en mayor o menor medida tuvieron su eco en el mundo del cine, del Hollywood de la época. A algunos incluso tuvo el honor y la oportunidad de poder escogerlos, como fue el caso de Blake Edwards para Desayuno con Diamantes, y con algunos de ellos coincidió en varias ocasiones. Este es el caso de William Wyler, ganador de 3 Oscars como Mejor director, por las películas Ben-Hur, Los Mejores Años de Nuestras Vidas y Mrs. Miniver. Y que estuvo nominado a esa misma categoría en 8 ocasiones más, incluyendo la primera película que hizo con Audrey Hepburn, Vacaciones en Roma. Además hay que añadir que fue precisamente William Wyler quien de alguna manera descubrió el talento de Audrey, él le proporcionó su primer papel protagonista, la maravillosa Princesa Anne, que le reportó su primera nominación al Oscar y la única estatuilla que conseguiría en su carrera (logró otras 4 nominaciones pero no consiguió ninguna más, a parte del Oscar póstumo a toda su carrera); a lo largo de sus respectivas carreras Audrey Hepburn y William Wyler coincidieron en tres ocasiones, la primera fue Vacaciones en Roma, en el año 1953, la segunda La Calumnia en 1961 y la última Cómo Robar Un Millón en 1966:

Después de participar en pequeños papeles secundarios en películas como Monte Carlo Baby, Secret People y Young Wives' Tale, a Audrey le llegó la oportunidad de participar en la obra teatral de Broadway, Gigi, en la que tendría el papel principal. Mientras se realizaban los últimos trámites para su participación en Gigi, el director William Wyler que ya había ganado 2 Oscars al Mejor director, estaba buscando a la protagonista para su nueva película, Vacaciones en Roma, película que tenía intención de rodar íntegramente en Roma, en la que contaría la historia de una joven princesa europea que insatisfecha con la dura vida de palacio decide escaparse durante un día de su agetreada vida y termina enamorándose de un periodista norteamericano. Para ello Wyler en principio había pensado en Jean Simmons, pero pronto se dio cuenta de que quería a una joven desconocida para el gran público y que a ser posible fuera europea (también estaba entre las posibles aspirantes Elizabeth Taylor). El director ejecutivo de la Paramount en Europa, Richard Mealand le recomendó a la desconocida Audrey Hepburn, que ya estaba inmersa en el proyecto de Gigi. Wyler no dudó un instante porque la joven fuera desconocida y en seguida pidió un encuentro con ella, tras ese encuentro se decidió por Audrey Hepburn al instante. A eso hay que sumarle que su actuación en Gigi fue todo un éxito, Audrey ya era conocida por la crítica, que estaban encantados con ella. Pero como había un acuerdo entre la Paramount y el encargado de la obra de teatro, tras 217 actuaciones se cerró la obra de Broadway para que así Audrey Hepburn pudiera incorporarse de inmediato al proyecto cinematográfico, Vacaciones en Roma; el rodaje de la película se llevó a cabo de la mejor manera posible, había gran amistad entre los protagonistas, Audrey Hepburn, Gregory Peck y Eddie Albert, además de que se produjo una gran colaboración con William Wyler. Wyler no sabía qué pensar, si Audrey Hepburn estaba hecha para el papel de la encantadora Princesa Anne, o es que el personaje estaba hecho a la medida de la actriz, la cosa es que salió a la perfección. El rodaje se llevó a cabo íntegramente en las calles de Roma, lo que se tradujo en la preciosa y magnífica fotografía que llenó la película, y es curioso como al poco tiempo y según cuentan, el rodaje se convirtió en un acontecimiento social, ya que los ciudadanos asistían a él e incluso le daban su opinión a Wyler sobre lo que habían visto. El resultado final fue un éxito, tanto de crítica como de público, incluso acaparó 10 nominaciones en los Oscar, de las que finalmente consiguió 3 (incluyendo Mejor actriz para Audrey Hepburn); la película es un claro ejemplo de cómo le gustaba hacer las cosas a Wyler, todo desde el mayor realismo posible. Para mí, personalmente, Vacaciones en Roma es una maravilla, una joyita del cine con unas magníficas interpretaciones tanto por parte de Audrey Hepburn en su primer papel protagonista como por parte del ya veterano (el gran) Gregory Peck.

No fue hasta ocho años más tarde cuando se produjo la segunda colaboración entre Hepburn y Wyler, y fue en la película titulada La Calumnia (The Children's Hour), en el 61. Justo después del éxito que supuso Desayuno con Diamantes, la película de Blake Edwards, por la que Audrey consiguió su cuarta nominación al Oscar a la Mejor actriz, que finalmente no logró. William Wyler fue el director que la descubrió, que la dio a conocer, que le proporcionó un personaje delicioso que además le hizo ganar el Oscar a la Mejor actriz (que por otra parte, en mi modesta opinión, mereció también más tarde). Pero la carrera de Audrey Hepburn evidentemente estaba en otro punto que cuando rodaron Vacaciones en Roma, había madurado, igual que ella, además ya era una estrella reconocida en el mundo del cine a todos los niveles. Y aquí, con La Calumnia, la evolución siguió, se trataba de una interpretación bastante distinta a lo que Audrey había hecho hasta entonces. La película estaba protagonizada por Audrey Hepburn como Karen Wright, Shriley MacLaine como Martha Dobie, James Garner como el Dr. Joe Cardin y Fay Bainter como la Sr. Amelia Tilford. La historia ya se había visto antes en el cine, precisamente en otra película de Wyler, titulada Esos Tres, que a su vez venía de la obra de teatro The Children's Hour que se había basado en hechos reales ocurridos tiempo atrás; en ella, Karen y Martha son dos amigas de toda la vida que dirigen una escuela para niñas, su trabajo es agotador pero lo hacen con muchas ganas porque ese siempre ha sido su sueño. Para sobrellevarlo les ayudan la tía de Martha, Lily, y el Dr. Joe Cardine, el novio de Karen. Pero tienen una alumna que no es lo que se dice modélica precisamente, siempre miente y se dedica a molestar, ella es Mary Tilford, por lo que la tienen que castigar muy a menudo. Pero un día, parece que Mary ya se ha cansado de que sólo la castiguen a ella, aunque sea con razón, y después de que unas compañeras escuchen un extraño comentario entre Martha y su tía con palabras como antinatural, celos de Joe, mujeres, y cosas así, Karen crea su propia película y lanza un rumor, concretamente se lo cuenta a su abuela, que en un primer momento no la cree pero por una serie de confusiones al final parece que la niña tenía razón. El rumor consistía en que Mary y algunas de sus compañeras habían visto u oído a Karen y Martha manteniendo relaciones sexuales, a partir de lo que se creó un gran escándalo por el que todos los padres sacaron a sus hijas de la escuela, dejando en la ruina tanto económica como personal a las dos amigas; el rodaje como no podía ser de otra forma entre Wyler y Hepburn se desarrolló de manera perfecta, comprobaron que después de ocho años ambos seguían entendiéndose a la perfección, no así era el caso de Wyler y Shirley MacLaine, que por la censura de la época vio reducidos ciertos aspectos de su personaje, que a ella le parecían muy importantes que se mostraran, ya que como se puede comprobar al final, Martha, su personaje, descubre que ella verdaderamente sí estaba enamorada de Karen, tuvo que darse cuenta a raíz del rumor infundado y no verídico, y a MacLaine le parecía importante señalar como ocurría en la obra de teatro, cómo su personaje llegaba a enamorarse de su amiga.
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Para mí La Calumnia es una película muy buena, que precisamente por ser tan compleja gustó y no gustó a partes iguales. Evidentemente el poder de la censura en los Estados Unidos todavía era muy fuerte, pero no censura en el hecho en sí mismo de la palabra, sino que creían (o al menos eso decían) que el público no estaba preparado para cierto tipo de cosas, aunque personalmente eso me parece una tontería, pero sabemos que las cosas son así, en la actualidad parece que las cosas están mejorado en ese sentido, pero todavía se nota a veces. Y en el caso de La Calumnia, se notó en el sentido en el que la actriz Shirley MacLaine denunciaba, ya que su personaje, una mujer joven que ejerce como profesora en la escuela que ella y su gran amiga han creado, descubre a partir de un rumor que causa la ruina en ellas, que realmente está enamorada de su amiga, nunca lo había pensado, nunca se lo había planteado, pero de repente se da cuenta, MacLaine pensaba que ese enamoramiento debería haberse mostrado, cómo se producía, ya que así se le restaba cierta credibilidad a su personaje. De todas formas, creo que La Calumnia está muy bien sustentada, tiene un guión muy bueno que nos presenta de forma coherente todo lo que está ocurriendo, nos muestra como a partir de malas informaciones puede saltar un rumor que, por su naturaleza incómoda para muchos puede destruir las vidas de personas que no tienen nada que ocultar, nada de lo que arrepentirse y peor aún, nada de lo que se ha contado es verdad. Además, la dirección de William Wyler es sobresaliente, nos deja muchos planos verdaderamente asombrosos, y escenas como la de la confesión de Martha que son brillantes, muy emotivas y sorprendentes, y hay que sumar a esto que se atrevió a sacar adelante un proyecto que a pesar de los varios recortes que tuvo que realizarle y que no le permitieron incluir en él algunas cosas, fue un avance en el cine, abriendo un poco las puertas a que no se produjeran vetos en Hollywood; en cuanto a las interpretaciones, se pueden decir muchas cosas, pero la más importante sería que estamos ante un encuentro magnífico entre Audrey Hepburn y Shirley MacLaine, dos actrices fabulosas que estaban asociadas a la comedia, y que realizan unas interpretaciones verdaderamente impresionantes y emotivas. Quizá la que más momentos de lucimiento tiene sea MacLaine, que su papel de Martha sobre todo hacia el final de la película es realmente duro, tiene que asimilar cosas que nunca había pensado y su decisión finalmente es trágica. Pero no menos muestra Audrey Hepburn, que en La Calumnia dejaba de lado el vestuario de Hubert de Givenchy que tan segura (dicho por ella) la hacía sentir, ya que en una producción como La Calumnia (igual que hizo en Mansiones Verdes, Los que No Perdonan y Dos en la Carretera) en la que sus protagonistas llevaban vidas modestas no tenían cabida ciertos modelos que solía llevar, en los últimos momentos de la película su interpretación nos transmite a la perfección todos sus sentimientos, sobre todo con ese plano final en el que tras el entierro de Martha ella se marcha sola, sin rumbo aparente pero que nos deja claro su triunfo frente a la injusticia, a pesar de haber perdido a su gran amiga. La química entre MacLaine y Hepburn se nota a cada instante, las dos venían de la comedia y además durante el rodaje surgió una gran amistad entre ambas, que se notaba en cada segundo de la película. Sobre los secundarios hay que decir que también están brillantes, Fay Bainter incluso estuvo nominada al Oscar a la Mejor actriz secundaria, por su gran interpretación de la Sra. Amelia Tilford, quizá Karen Balkin como Mary Tilford está un poco pasada de rosca en algunos momentos, pero aún así se resuelve bastante bien; técnicamente La Calumnia es bastante buena, sobre todo en cuanto a fotografía se refiere, el montaje es perfectamente adecuado, y todo como en las películas de Wyler da como resultado una muy buena película, que nos sirve además para ver la gran interpretación de Hepburn y MacLaine juntas, dos reinas de la comedia en un impresionante drama, yo le daría un 8'5.
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Cinco años tuvieron que pasar después para que de nuevo y ya por última vez hicieran una película juntos Audrey Hepburn y William Wyler, se trataba de otra comedia, una comedia que prometía y que parecía tenerlo todo a su favor, Cómo Robar un Millón (How to Steel a Million). Que además de ser la última colaboración entre ambos, también fue una de las últimas películas que realizó William Wyler, solo seguida por Funny Girl dos años más tarde y No Se Compra el Silencio algunos años después. Audrey llegaba al rodaje de Cómo Robar un Millón después de haber estrenado la genial Charada, la divertida Encuentro en París, y del éxito colosal que supuso My Fair Lady. Precisamente fue My Fair Lady la película que hacía dos años había triunfado en los Oscar, con 8 estatuillas de 12 nominaciones a las que aspiraba, sin incluir a Audrey Hepburn, quizá por el detalle de que no la dejaron cantar y la obligaron a ser doblada por Marni Nixon (la misma que a Natalie Wood en West Side Story), bueno quizá no, yo estoy completamente segura de que fue por eso, pero así lo decidieron, aunque Audrey dejó claro en varias ocasiones que se habían equivocado con su maravillosa interpretación de Moon River y también en la película Una Cara con Ángel, musical que protagonizó junto a Fred Astaire; aquí, en Cómo Robar un Millón, Audrey interpretó a Nicole Bonnet, compartiendo protagonismo con Peter O'Toole que interpreta a Simon Dermott, Eli Wallach como David Leland y Hugh Griffith como Charles Bonnet. Era la primera vez que el protagonista masculino de las películas de Audrey Hepburn era más joven que ella, ya que siempre la habíamos visto en películas acompañada de actores mucho mayores que ella, esto parece que a ella le entusiasmó, igual que ocurrió más tarde en Dos en la Carretera, con Albert Finney. Además la química entre ellos en el rodaje era estupenda, una anécdota que leí incluye las risas contagiosas de ambos que impedían en muchos momentos la realización de algunas escenas, y también está la del trago de brandy. Evidentemente no estuvieron exentos de rumores sobre un supuesto romance, como ya le ocurrió a Audrey en otras ocasiones; Cómo Robar un Millón está basada en una obra de George Bradshaw, titulada Venus Rising. La historia se desarrolla en París, Charles Bonnet es considerado por muchos el dueño de una de las mejores colecciones privadas de arte. Vive con su hija Nicole en una lujosa mansión, en la que se pueden encontrar obras de Picasso, Van Gogh, Cezanne, Cellini e incluso de Lautrec. Pero lo que nadie sabe es que esas obras son falsas, las ha pintado el propio Charles, sólo su hija lo sabe, y día tras día intenta sin resultado que su padre deje de engañar a la gente. Un día consigue vender una Venus de Cellini que esculpió su padre tomando como ejemplo a su madre. Nicole desesperada intenta conseguir que su padre retire la Venus, porque las nuevas tecnologías pueden decir al instante si una escultura es verdadera o es una falsificación, pero su padre no hace ni caso. En el museo le dan a la pieza un valor de nada más y nada menos que un millón de dólares, en ese momento Nicole trama un plan con un supuesto ladrón profesional, Simon Dermott, para que la ayude a robar la Venus.
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Personalmente, Cómo Robar un Millón me parece una película divertidísima, de principio a fin. En la que sus dos horas de duración pasan volando. Se trata de otra de esas comedias denominadas por algunos como sofisticadas, en la que Audrey vuelve a hacer un genial personaje, esta vez inmiscuida en el robo de su propia escultura falsa, para poder salvar a su padre. La verdad es que para mí el argumento es absolutamente genial, no se puede decir que sea estrictamente original, porque está basado en una obra anterior, pero aún así es dentro de lo que se suele ver en este tipo de cine una originalidad. Pero desgraciadamente a pesar de que Cómo Robar un Millón parecía tenerlo todo a su favor para el éxito, en su momento fue recibida con cierta frialdad, gustó pero tampoco es que encantara precisamente, y a otros les parecía una absoluta chorrada. Para mí sin duda se trata de una muy buena película, divertida y muy bien hecha, como no podía ser de otra forma viniendo de William Wyler. Desde luego no hay ninguna duda en que esta última colaboración entre ambos es totalmente diferente a las dos anteriores, sobre todo a La Calumnia, pero ahí está la gracia, en la versatilidad tanto del director como de la actriz; sobre los actores debo empezar evidentemente por Audrey Hepburn, que probablemente no hizo una de las mejores interpretaciones de su carrera, pero lo hizo fenomenal, esos momentos tan divertidos que protagoniza son geniales, el problema es que quizá entre los peinados que lleva y que yo era consciente de que tenía 37 años el hacer supuestamente de una jovencita pues no era lo suficientemente realista, si en el guión hubieran cambiado algunas cosas, en vez de hacernos ver que es una jovencita de unos 20 años que vive con su padre, habría salido todavía mejor. Peter O'Toole está deslumbrante en el papel, desde el principio se ve que no es lo que realmente dice ser, pero aún así siempre consigue engañar hasta saber quién es en realidad, además los momentos dentro del museo es que son perfectos, Audrey medio despistada sin saber qué hacer y él controlándolo todo y luego con esa especie de boomerang. La química entre ambos se nota en todo momento, desde el primer encuentro con el disparo fortuito. Y sobre los secundarios me gustaría destacar a Hugh Griffith como Charles Bonnet, y a Charles Boyer como Bernard De Solnay, ambos perfectos en sus papeles; todas las escenas en el interior del museo, mientras tratan de sacar la Venus a toda prisa son estupendas. No menos los encuentros en el bar, con la misteriosa Nicole (misteriosa porque se cree que con un velo tapándole hasta la nariz no la reconocen); aquí de nuevo el vestuario volvía a estar a cargo de Givenchy, eso se nota desde el principio. La verdad es que siempre supo acertar con el vestuario de Audrey Hepburn, aunque también de vez en cuando se le escapaba algún modelito demasiado vistoso; en definitiva, Cómo Robar un Millón es bajo mi punto de vista una buena película, que te hace pasar dos horas muy entretenidas y divertidas, ya que el ritmo no decae en ningún momento y el humor está presente a todas horas. Se nota que en la última colaboración de Wyler y Audrey se lo pasó bien interpretándola, y eso también muchas veces en una película de estas características es de agradecer, yo le doy un 8; y ya me gustaría terminar citando una frase que Audrey Hepburn solía decir con respecto a la compenetración que tenía con Wyler: Una sola mirada suya era suficiente para comprender mi equivocación. (^.^)

"Piratas del Caribe: En el Fin del Mundo" de Gore Verbinski

2007-06-02T21:03:00.000+02:00

Ayer era viernes y después de que la semana pasada no fui al cine, esta ya tenía que ir. El otro gran estreno del mes después de Spider-man 3 era otra tercera parte, que como para las de Spidey, se suponía era la última (está claro que harán más), Piratas del Caribe: En el Fin del Mundo, de Gore Verbinski. La semana pasada era prácticamente imposible conseguir entradas para la tercera parte de los Piratas, ya que empezaron a venderlas un mes antes del estreno, así que evidentemente las habían cogido prácticamente todas. Recordemos que la segunda parte, Piratas del Caribe: El Cofre del Hombre Muerto, se convirtió en la tercera película más taquillera de la historia, con nada más y nada menos que 1,066.2 millones de dólares recaudados. Y esta tercera parte en 9 días ha conseguido 437.9 millones de dólares, pero debemos darnos cuenta de que lo recaudado en USA es muy inferior a lo que podrían esperar, 186'839'000 millones, parece que los norteamericanos han ido menos en masa a ver esta tercera parte de lo que fueron a ver la segunda. De todas formas, no cabe la más mínima duda de que esas cifras en las próximas semanas irán aumentando considerablemente, pero no creo que llegue a superar a la segunda. Lo que sí parece seguro, al menos después de ver Piratas del Caribe: En el Fin del Mundo es que, va a haber una cuarta entrega y muy probablemente alguna que otra más, porque a pesar de que nos dijeron que con la tercera la cosa terminaba no hay que ser muy listo para darse cuenta de que no va a ser así, evidentemente habrá que esperar a los resultados finales de recaudación, pero todo apunta a que tendremos piratas para rato; y ahora os dejo mis impresiones sobre la película, he de decir que por lo que me pareció la película voy a cambiar la manera de contarlo, no me voy a centrar solo en esta tercera parte, porque sino no habría mucho que decir, sino que voy a comparar un poco cómo ha ido evolucionando la saga, hasta esta correcta (poco más) tercera parte. Cuidado, puede haber SPOILERS:

Ficha Técnica:
Título Original: Pirates of the Caribbean: At World's End
País: USA
Año: 2007
Duración: 168 min
Director: Gore Verbinski
Guión: Ted Elliott y Terry Rossio; basado en los personajes creados por Ted Elliott, Terry Rossio, Stuart Beattie y Jay Wolpert
Música: Hans Zimmer
Fotografía: Dariusz Wolski
Diseño de producción: Rick Heinrichs
Montaje: Stephen E. Rivkin y Craig Wood
Vestuario: Penny Rose
Efectos Especiales: Industrial Light & Magic
Intérpretes: Johnny Depp, Orlando Bloom, Keira Knightley, Geoffrey Rush, Bill Nighy, Chow Yun Fat, Stellan Skarsgård, Jack Davenport, Naomie Harris, Tom Hollander, Jonathan Pryce
Género: Aventuras / Acción
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Lord Cutler Beckett (Tom Hollander), de la Compañía de las Indias Orientales, se ha hecho con el control del aterrador barco fantasma, el Holandés Errante, y de su malvado y vengativo capitán, Davy Jones (Bill Nighy). Ahora el Holandés surca imparable los siete mares, destruyendo sin piedad los barcos piratas a las órdenes del almirante Norrington (Jack Davenport). Will Turner (Orlando Bloom), Elizabeth Swann (Keira Knightley) y el capitán Barbossa (Geoffrey Rush) se embarcan en una desesperada búsqueda para reunir a los Nueve Lores de la Corte de Brethren: su única esperanza de vencer a Beckett, al Holandés Errante y a su Armada. Pero uno de los lores ha desaparecido: el capitán Jack Sparrow (Johnny Depp), el mejor y el peor pirata de todos los tiempos que ahora está encerrado en la bodega de Davy Jones debido a su encuentro con el monstruoso Kraken. En una alianza cada vez más frágil, nuestros héroes deberán viajar primero al exótico y peligroso Singapur y enfrentarse al pirata chino, el capitán Sao Feng (Chow Yun Fat), con el fin de conseguir las cartas de navegación y un barco que les lleve al fin del mundo para rescatar a Jack. A medida que se van sucediendo las traiciones, está cada vez más claro que Jack, Will, Elizabeth, Sao Feng y Barbossa tienen sus propios planes, y ninguno puede confiar en los demás. Asimismo, cada uno debe elegir un bando y crear una alianza final para librar una última batalla.

La saga Piratas del Caribe nació en el año 2003 de la mano del palomitero y multimillonario Jerry Bruckheimer, a partir de una famosa atracción del parque temático de Disneland. La Disney no parecía confiar demasiado en el proyecto ya que, ni siquiera pusieron su logotipo en Piratas del Caribe: La Maldición de la Perla Negra, pero cuál fue la sorpresa al comprobar que en el verano de 2003 gran parte del planeta (incluida yo) pasó por las salas de cine a ver esta película, y que además supuso la reinvención del género de piraterías, que hacía años no levantaba cabeza. Esa misma película nos venía a confirmar que la jovencísima (tenía 17 años) Keira Knightley tendría un futuro próspero en el mundo del cine, ya que hizo una estupenda interpretación (nunca le volvería a salir igual) de Elizabeth Swan, en ella teníamos al ídolo de masas (entre las que me encontraba, he de admitirlo) Orlando Bloom tras su paso por El Señor de los Anillos, y a dos veteranos y grandes actores como Johnny Depp y Geofrey Rush interpretando a sendos piratas enemigos acérrimos. La Maldición de la Perla Negra es sin duda la mejor de las que (hasta ahora) hemos podido ver, una película muy bien rodada, bien interpretada, con luchas de espadas reales, argumento inteligente y novedoso, todo lo que una buena película de aventuras puede pedir. Además creó a uno de los iconos del cine de aventuras, el Capitán Jack Sparrow, interpretado a la perfección por el estupendo Johnny Depp, que logró incluso una nominación al Oscar al Mejor actor. Estábamos ante cine palomitero de aventuras, pero de calidad, que gustó a prácticamente todo el mundo que la vio. Se trataba de una muy buena película que por muchas veces que la vieras no conseguía cansarte, y que además partía de una idea original, poniendo como protagonistas en este caso a los malos, a los piratas, que conseguían nuestra atención y simpatía, sobre todo de la mano del Capitán Jack Sparrow. A esto había que sumarle que técnicamente también era una película a tener en cuenta, en lo que a efectos especiales y diseño de producción se refiere, que fueron capaces de crear esos piratas malditos bajo la luz de la luna, y una muy buena banda sonora que además resultaba muy pegadiza y que se hizo famosa por ser empleada (incluso a día de hoy) en cualquier tipo de evento deportivo, no sé porqué extraña e inquietante razón.

Pero ya sabemos que lo que gusta y da dinero, en Hollywood se vuelve a usar en repetidas ocasiones. Es lo que se conoce como secuelas, películas que continúan con lo visto en la película original, en este caso La Maldición de la Perla Negra. Tres años esperaron para seguir con las aventuras de Jack Sparrow, Will Turner y Elizabeth Swan. Tres años en los que, una de sus jóvenes protagonistas, Keira Knightley, había cambiado desde que con tan solo 17 años interpretara por primera vez su personaje, ya se había convertido en una estrella internacional y cosechaba bastantes películas (la mejor de todas sin duda Orgullo y Prejuicio), además del nombramiento por parte de gran parte del mundo como una de las mujeres más sexys del planeta, así que no era de extrañar lo que hizo, pasearse por la película poniendo morritos prácticamente todo el tiempo, algo parecido a lo que también hizo Orlando Bloom. Solo se salvaba Johnny Depp, que volvía a ser el alma de la película, junto con algunos de los secundarios que entraban nuevos. La película para muchos era demasiado infantil, con algunos momentos que rodaban entre la carcajada con gracia y el ridículo según la persona que lo viera. Para mí era una película que sin llegar (ni de lejos) a lo que su predecesora había sido, seguía siendo una entretenidísima película de aventuras, pero en la que ya se empezaba a notar el gusto por los millones. Sin duda se trataba de una cinta espectacular, con unos efectos especiales magníficos e impresionantes, que en la última edición de los Oscar se vieron recompensados con la estatuilla; en esta segunda parte había muchas cosas que ya no terminaban de encajar, o mejor dicho, cosas que ya nos sonaban. Con ello me refiero a las similitudes que podíamos encontrar (y que fueron explicadas en algunas revistas de cine) con otra de las sagas más taquilleras e importantes del cine, Star Wars, la primera de todas era el final suspensivo que nos encontramos en El Cofre del Hombre Muerto, que por si fuera poco también recordaba al de la primera de las secuelas de Lucas, en el que el carismático Capitán Jack Sparrow era engullido por el gigantesco Kraken, la bestia de Davy Jones, que se llevó al Fin del Mundo a Jack, en busca del cual irían en la siguiente entrega. Pero es que además esta segunda parte ya comenzaba a ser excesivamente larga, sobre todo cuando encontrábamos escenas bastante extensas en las que, no se nos contaba nada relevante y que podría decirse sobraban. Pero de todas formas, el resultado final no me desagradó en absoluto, es más, me dejó con muchas ganas de ver la "última" para saber si conseguiría encontrar a Jack y si realmente al final resultaba que Elizabeth estaba enamorada de él; precisamente ese final en el que Jack Sparrow muere quedaba casi anulado porque sabíamos que irían a por él, ya que nada más estrenarse El Cofre del Hombre Muerto ya dijeron que habría una nueva entrega, en la que evidentemente le encontrarían y de alguna manera le salvarían, así que el factor sorpresa jugaba en su contra.

Y por fin llegó la tercera, Piratas del Caribe: En el Fin del Mundo, el tráiler nos anunciaba una espectacular película con la que todos suponíamos que se cerraría la saga de los Piratas, en la que además, volvía el personaje del siempre fabuloso Geofrey Rush y se unían actores de la talla de Chow Yun Fat, y el Rolling Stone Keith Richards haría una corta interpretación como el padre de Jack Sparrow. Además parecía que le iban a dar un aire oriental que podría venirle muy bien a la saga. Pero lo más importante, se suponía que sería la última. En una semana los comentarios en contra de la película llenaron Internet, la película estaba decepcionando a todo el mundo, y lo peor, era demasiado larga, con una duración que ronda las 3 horas. Así que, todo hay que decirlo, ayer fui al cine a verla sin demasiadas expectativas lo que hizo que no me sorprendiera el aburrirme enormemente en su mayor parte; la película comienza con el ajusticiamiento de cientos y cientos de personas que según Lord Becket y sus amiguitos de la Compañía de las Indias Orientales han tenido algún tipo de: relación, parentesco, diálogo y poco menos que roce con algún pirata. Y que al final todos se ponen a cantar la canción de los piratas, sin todavía darse cuenta de que al ser más podrían con los guardas, pero eso da igual. Después nos llevan hasta Shangai, donde Elizabeth Swan, algunos de los piratas y el propio Capitán Barbossa van a buscar a Sao Feng (Chow Yun Fat), para conseguir un barco y una tripulación que les lleve hasta el Fin del Mundo, para encontrar a Sparrow. Allí la cosa empieza a torcerse cuando saben que por su lado Will Turner no ha logrado robar las Cartas de navegación y que, el bueno de Sao Feng sabe que le están engañando. A partir de entonces todos están contra todos, porque incluso aparecen los hombres de Becket, que tenían a un infiltrado allí. Hacen un trato con Sao Feng, que a su vez hace otro con el inquietante (me perdí con las tramas de este hombre) Will Turner. De ahí navegan hasta encontrar al pobre Jack Sparrow, que se ha vuelto loco, y que pasea (está muerto, que quede claro) por el reino de Davy Jones, entre miles y miles de cangrejos. A partir de entonces preparaos para encontrar múltiples tramas, giros de guión y argumentos sacados de la manga con los que acabaréis un poco perdidos. Porque no me digáis que lo de Calipso no tiene tela, yo lo vi desde un principio, cuando empezaban a hacer demasiados planos detalles de cierto medallón de cierto personaje femenino, pero es que no tiene demasiado sentido si nos paramos a pensarlo. Es por medio de esa trama por la que las demás se van moviendo hasta confluir en un mismo personaje, Davy Jones, del que conseguimos saber muchas cosas nuevas. Además entran en juego todos los jefes piratas de todo el mundo, para aliarse con Barbossa, Jack, Elizabeth (que de repente se convierte en reina de los piratas) y los demás en contra de Davy Jones y la Compañía de las Indias Orientales en la definitiva batalla "final".
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Evidentemente no podemos obviar el hecho de que, se sacan ases poco coherentes de la manga, y que el final aunque a medias termina siendo el happy end que no ya se podía esperar, sino el happy end que nos han querido mostrar. Además, al contrario de lo que nos habían dicho, Piratas del Caribe: En el Fin del Mundo, queda lista y preparada para cuando a SPOILER Bruckheimer, Depp, Rush y Knightley FIN SPOILER les apetezca volver a retomarla, que seguramente no será a mucho tardar. Ya que está todo listo para que SPOILER Sparrow y los demás vayan ahora en busca de la fuente de la eterna juventud (vaya, se ve que el tema gusta) mientras Knightley cuida de su hijo o al menos le crece la tripa antes de tenerlo FIN SPOILER; la película es larga, muy larga, solo me gustó la última hora, lo demás bajo mi punto de vista está demasiado extendido y aburre muchísimo. Eso sí, la última hora es espectacular, es donde nos encontramos las grandes batallas (aunque la mayoría sean digitales, lo que es igual a que no tiene la misma gracia) y los momentos impresionantes. Aunque también es donde nos encontramos con uno de los momentos más ridículos, ese es la boda mientras luchan de Will y Elizabeth, a manos del Capitán Barbossa, y el posterior momento erótico festivo con la bota. Una de las mejores partes es la asamblea de los piratas, aunque esos discursos de Elizabeth son un tanto pesados y con las traiciones yo la verdad es que me perdía bastante, pero acabé por entender que era igual que en la primera; las interpretaciones en esta ocasión han mejorado con respecto a la anterior, ya no tenemos a Knightley y Bloom paseando única y exclusivamente con los morritos puestos, ahora la verdad es que hay bastantes momentos en los que lo hacen bien (no el principio, eso no), además Elizabeth Swan consigue un mayor protagonismo que en algunos momentos está bastante bien, sobre todo después de parecer un monigote en la anterior película. Pero me preocupa la decoloración de pelo que sufre Keira Knightley conforme pasan las películas, en la primera su pelo era castaño claro, y poco a poco ha ido volviéndose rubia hasta el punto de aquí llevar casi un rubio platino, debe ser el agua salada. Johnny Depp sigue siendo el carismático Jack Sparrow, que en algunos momentos por cómo está llevado el guión resulta incluso pesado y cansino, lo cual no dice nada bueno en favor del guión. Geofrey Rush es de lo mejor, sigue interpretando de manera fenomenal a Barbossa. También tenemos a Naomi Harris que sale bastante bien del paso con su recientemente personalidad nueva inquietante Tía Dalma, que pasa de ser la bruja que les acompaña y resucita a Barbossa a ser uno de los cabos más sueltos y giros de guión de la película. Las micro apariciones de Chow Yun-Fat y Keith Richards también valen la pena, sobre todo la de Keith Richards, que sale nada pero ameniza el espectáculo de manera formidable; en cuanto al humor, La Maldición de la Perla Negra también se caracterizaba por buenas dosis de humor, y en esta tercera parte cogen lo que hizo gracia de la primera y lo vuelven a meter aquí, transformándolo un poco o directamente empleando a los mismos personajes. El mejor y más simpático, el mono; sobre la parte técnica, de manera muy resumida, no creo que esta Piratas del Caribe: En el Fin del Mundo supere en técnica a El Cofre del Hombre Muerto, donde los efectos especiales eran realmente buenos e impresionantes, aquí son empleados para más cosas, pero no le dan mayor espectacularidad al conjunto, sino menor realismo, porque eso de ver una pelea entre un Jack digital y Davy Jones (que ya de por sí bastante digital es) en lo alto de un mástil, mientras la Perla Negra y el Holandés Errante dan vueltas en un gran remolino en medio del mar, creado a su vez por Calipso, pues sí, es espectacular, pero no es lo mismo que lo que veíamos en La Maldición de la Perla Negra, que con menos efectos especiales estaba mucho mejor, aquí abusan de lo digital de principio a fin. Eso sí, las localizaciones en las Bahamas estupendas, hay planos de las grandes y cristalinas playas que son preciosos, dan ganas de irse allí.
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La "fiebre pirata" ha ido disminuyendo en mí, más que nada porque visto lo visto están saliendo las secuelas por y para la acumulación de pasta en los bolsillos de Jerry Bruckheimer y los suyos. La saga comenzó de la mejor manera posible, pero esto poco a poco se desinfla, sólo hay que ver Piratas del Caribe: En el Fin del Mundo, en la que se sacan de la manga argumentos inexplicables (por lo anteriormente visto) en los que rizan el rizo hasta que pueden y más, para seguir una y otra vez con las aventuras de estos piratas. Además se están mal acostumbrando a terminar las películas tras los títulos de crédito, para lo que o eres avispado y te han avisado de que te quedes hasta el final o te quedas sin ver la última escena (en este caso bastante importante) por la que has estado esperando 10 minutos de créditos para luego ver 2 minutos de escena. Además, Piratas del Caribe: En el Fin del Mundo es larga, muy larga, excesivamente, de hecho a excepción de la última hora, el resto me aburrió muchísimo, sin contar un par de gracias en medio. Hay momentos demasiado extensos, y otros que sencillamente sobraban. El guión adolece de lo que saben que ha hecho gracia en las dos anteriores entregas, lo cual le quita cualquier gracia que pudiera causar porque ya sabes como sigue, cogen lo mejor de las dos anteriores y lo ponen en esta de otra manera diferente o incluso de la misma. A esto hay que sumarle el mal rollito que da el que después de haber dicho que no habría más películas te estén poniendo delante de los morros un final en el que te están anunciando que van a hacer otra película más (o tres más, vete tú a saber) en la que probablemente vuelvan a usar los mismos gags que han empleado duplicados en esta; pero no todo iba a ser malo en esta tercera parte, la verdad es que la última hora de metraje es bastante espectacular y salva de la quema a la película, que en su comienzo y parte central casi hizo que (junto con la falta de sueño que tenía ayer) me durmiera; las interpretaciones en esta ocasión son mejores que en la anterior, Keira Knightley ha aprendido y mejorado un poco respecto a la anterior. Johnny Depp siempre estupendo como Jack, pero por algunas incongruencias de guión incluso a veces cansa, porque el momento 1500 Sparrows multiplicados al cuadrado en la cubierta de la Perla Negra es bastante inquietante. Geofrey Rush siempre impecable como Barbossa; en cuanto a efectos especiales y demás, El Cofre del Hombre Muerto era infinitamente mejor, aquí sí, hay varias escenas (la de los barcos en el remolino, por ejemplo) que son espectaculares, pero otras que de tanto efecto que llevan hacen que no me gusten; en fin, que no todo es malo en En el Fin del Mundo, y aunque es excesivamente larga, algunas cosas hacen que mejore un poco y no sea un desastre total. (^.^)

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Valoración: 6

Season Finale de "Heroes" 1x21, 1x22 y 1x23

2007-05-31T19:40:00.000+02:00

Como ya os adelanté en el anterior post, quería hablar sobre la llamada Season Finale de la serie Heroes, concretamente del Volumen Uno de ésta. Esta gran serie que ha conseguido muchísimos fans a lo largo del planeta desde su estreno en Septiembre del año pasado, terminó el pasado lunes 21 su emisión en EEUU y con esos milagrosos métodos que empleamos actualmente (o emplean, porque con este ordenador...) por fin este martes pude ver el último capítulo, el 1x23 How to Stop an Exploding Man. Y hoy, con esa costumbre que he cogido últimamente de comentar sus capítulos o hablar de series en general sobre una de sus temporadas, me apetecía compartir con vosotros/as el final de esta Primera Temporada, que me ha enganchado de principio a fin. Al final ese capítulo final de 2 horas no se ha producido y la Season Finale de la temporada podrían considerarse los tres últimos capítulos, el 21, 22 y por supuesto el 23. Ya comenté que con el regreso del eno(oooo)rme parón que hicieron la audiencia había bajado considerablemente de como la habían dejado antes de dicho parón, pero podemos decir que How to Stop an Exploding Man ha conseguido más o menos volver a los índices altos que había cosechado la serie, eso sí, todavía sin llegar a la tremenda cifra de cerca de 16 millones de espectadores que lograron con capítulos 1x8 Homecoming, 1x9 Six Months Ago e incluso 1x10 Fallout, How to Stop an Exploding Man consiguió 13'2 millones de espectadores, una cifra muy a tener en cuenta, y una cifra para nada despreciable ni mala; la próxima temporada según ha comentado recientemente Tim Kring, no solo abarcará el Volumen Dos de la serie, Volumen #2 que por cierto, ya comienza al final del capítulo 23, este segundo volumen de Heroes durará solo la mitad de la temporada. Además van a preparar también un Spin-Off de 8 capítulos de duración, que se titulará Heroes: Origins, que supuestamente sería para emitirse en los parones que realicen, pero otras fuentes dicen que se emitirá este verano, en ese Spin-Off no aparecerán los personajes principales de Heroes, y parece que para él cogerán a actores, actrices y directores de cine muy famosos. También se está a la espera de las posibles nominaciones que pueda tener la serie para los Emmy, ya que cuenta con varias preselecciones en categorías muy importantes; todas las frases que podréis leer a continuación pertenecen al último capítulo. A partir de ahora el que no haya visto estos capítulos que no siga leyendo, hay SPOILERS.

"Cuando entraste en contacto con Ted absorbiste su poder - Sí, es cierto - Bueno, ahora que Sylar lo ha absorbido también, creo que quizá eres el único que pueda pararle - Todo lo que debemos hacer ahora es encontrarle ¿Alguna idea de por dónde empezar? - Hay un sistema de rastreo aquí. Estamos intentando arreglarlo. Tan pronto como lo hagamos, le encontraremos."

Capítulo 1x21 The Hard Part. Comienza con Hiro y Ando regresando al presente después de su viajecito de 5 años en el futuro. Nada más volver Hiro se da cuenta de que tienen que cambiar ese futuro tan desolador que han visto, y tiene el último cómic de Isaac, le faltan los diálogos pero en él se ve lo que están haciendo en ese momento y lo que tendrán que hacer, deciden ir en busca de Isaac (ya RIP). Claire continúa en casa de los Petrelli, después de haber conocido a su padre biológico, que no quiere perder las elecciones por haberla encontrado. Por eso mismo quieren mandar a Claire a París, para que no estorbe y así también protegerla de cualquiera que pueda encontrarla. Peter no está de acuerdo con que se deshagan de ella, aunque parece que Claire ya lo tiene asumido, cree que así estará totalmente segura, precisamente lo que quería para ella su padre, el Sr. Bennet. Peter le confiesa a Claire lo de la explosión y ella le cuenta que Ted Sprague tiene ese poder, así que ya sabemos cómo lo conseguirá. Por su parte el Sr. Bennet, Matt y Ted están intentando escapar, pero saben que en Nueva York hay algún tipo de rastreo para gente especial como ellos, con lo que por mucho que escapen nunca lo lograrán porque podrán encontrarles allá donde vayan, así que deciden ir a destruir ese sistema. Sylar con su nuevo poder, pintar el futuro, descubre lo de la explosión, pero cree que será él quien explote, que de alguna forma se encontrará con el hombre que tiene ese poder (Ted), se lo quitará y después él destruirá parte de Nueva York, matando a miles de inocentes que no le aportarán absolutamente nada. Lo primero en lo que piensa Sylar es en llamar a Mohinder Suresh, le dice que va a hacer algo muy malo, va a matar a miles de personas inocentes, y no es lo que él quiere, esa gente no tiene nada que aportarle así que para qué va a matarlos, pero Mohinder no consigue convencerle de que se entregue. Jessica le cuenta a D.L que Linderman se ha llevado a Micah, y los dos deciden ir en su búsqueda. Mohinder se encuentra con Thompson para intentar encontrar a Sylar para poder destruirle, Thompson le dice que tiene un rastreador con el que encontrarle pero que está en peligro, se trata de la pequeña Molly, una niña cuyo poder es encontrar a cualquier persona "especial" en cualquier parte del mundo, una niña que tiene la misma enfermedad por la que murió la hermana de Mohinder. Hiro y Ando llegan al loft de Isaac Mendez, donde todavía está Sylar, del que escapan gracias al poder de Hiro. Pero saben que Hiro debe matarle, con su espada, así que deciden seguirle cuando se marcha del loft. En su búsqueda por encontrar a Micah, D.L y Jessica encuentran en un despacho de Linderman cientos de informes sobre ellos y su hijo, parece que todo lo que entre D.L y Niki hubo lo propiciaron Linderman y los suyos, para conseguir que Micah existiera, todo lo habían preparado, en ese momento ellos no saben qué pensar. En plena persecución, Sylar llega a la casa de su madre, va a visitarla y le lleva un globo de nieve, de uno de los pocos lugares que le faltaban de todo el mundo. Allí él le cuenta lo que le preocupa, además de enseñarle su poder, algo que asusta enormemente a su madre, vemos de dónde procede ese interés por ser especial, por ser el mejor. Micah descubre que con quién está no es su madre, que es Candice e intenta escapar, pero no lo consigue. Cuando la demostración de Sylar con su madre se le va de las manos intenta pedirle perdón, pero se produce una discusión con unas tijeras y su madre termina muriendo. En ese momento Hiro aprovecha para entrar e intentar matarle con su espada, congela el tiempo, se acerca a él, está a punto de indecisamente matarle pero Sylar le detiene, Hiro no es capaz de hacer nada y Sylar le congela la espada, Hiro debe coger a Ando y escapar con su poder. Por su lado, Mohinder ya ha descubierto como salvar a Molly, con su sangre, sus padres quisieron tenerle en principio para conseguir que con su sangre pudieran salvar a su hermana, pero llegó tarde, así que emplea ese método con Molly, consiguiendo que se recupere. Al final vemos que la abuelita Petrelli no es solo una abuelita, está detrás de lo de la bomba, ella es una de las que lo pensó todo y está dispuesta a conseguir como sea que se produzca, además necesita a su hijo Nathan, que todavía no está convencido de contribuir en ello. Además, en la Plaza Kirby se encuentran Clair y Peter con el Sr Bennet, Matt y Ted, en ese momento Peter absorbe su poder.

"Puedo hacerlo. Puedo deciros dónde está - Vale. Y ¿cómo hacemos eso? - Pues... Mi mente se concentra en él, y lo señalo en ese mapa de ahí. Necesito una chincheta - Entonces, ¿puedes encontrar a cualquiera en todo el mundo? - A casi cualquiera - ¿Casi? - Sólo hay uno a quién no puedo encontrar - ¿Quién es? Es alguien malo, Molly, ¿cómo el boogieman? - No, él es mucho peor - Y ¿por qué no quieres encontrarle? - Porque cuando pienso en él... puede verme."

Este capítulo viene justo después del magnífico y espectacular Five Years Gone, lo cual supone un bajón importante en cuanto a ritmo se refiere, pero es que con ese capítulo el listón lo dejaron muy pero que muy alto, era normal que la cosa no se pudiera mantener. A pesar de eso la verdad es que es un capítulo bastante bueno, en él ya como habéis podido comprobar se nos van presentando los cercos a todos los personajes, ya de verdad se va notando que se acerca el final, todos van conociéndose entre sí, además de que podemos comprobar los planes que surcan todo el entramado de la explosión, y que estos mismos llegan hasta los inimaginables, la abuela Petrelli. Vemos también cómo se van preparando los personajes que conocen ese desenlace, Sylar piensa que será él quien explote lo que, sorprendentemente, le aflige porque no desea matar a tanta gente inocente, principalmente porque eso no le aportará nada (recordemos que mata a personas especiales para conseguir sus poderes, no por amor al arte). Mientras Peter le encomienda a Claire una difícil tarea, que sea ella la que llegado el momento de la explosión, le dispare para que no se produzca. Al final vemos como Peter adquiere la habilidad de explotar, a partir de su fortuito encuentro con Ted, e incluso le dejan a punto de explotar, pero como vemos después es solo una falsa alarma; este capítulo la verdad es que se puede decir que visualmente es excelente, además de muy bonito. Solo tenemos que ver las escenas de los globos de nieve en casa de la madre de Sylar, cuando le muestra su poder creando él mismo ese gran globo en el que mete a su madre, todo girando, la nieve, los globos, aunque al final todo se termine de manera brusca esos momentos son preciosos. Además la fotografía de este capítulo me ha gustado especialmente, los tonos empleados, que contrastan sobretodo al final con esos momentos pre-explosión frustrada de Peter. Es un capítulo que a nivel argumental aporta muchísimo, dándonos a conocer ya muchos de los datos que estábamos esperando que fueran explicados.

"Creo que Linderman está apostando por el hermano equivocado - ¿Estamos hablando del mismo Peter? - Miro en los ojos de Peter, veo compasión, empatía. Pero sobretodo, veo esperanza. Este mundo no se salva con la fuerza. Lo que de verdad necesita es corazón, y ese es Peter - Charles, no me malinterpretes, quiero a Peter. Pero ese pobre chico apenas puede sacar adelante su vida. Se guía por las inseguridades. Es débil. No, confía en mí. Esa bomba va a explotar."

Capítulo 1x22, Landslide. El capítulo comienza en el mismo punto en el que dejamos el anterior, con Peter Petrelli absorbiendo el poder de Ted Sprague, el poder de explotar, lo que él identifica como la verdadera explosión que saben que ocurrirá. En ese momento le dice a Claire que le dispare, pero cuando ella parece que va a disparar le dice que se detenga, está controlando el poder, lo está deteniendo. Hiro ha estado frente a Sylar y no ha podido matarle, ahora su espada está rota y cree que ha fracasado, Ando intenta convencerle de que no es así, que si en ese momento no ha podido pronto le llegará la verdadera oportunidad. Y comienza a buscar en la guía un lugar en el que puedan arreglar su espada. En la Plaza Kirby el Sr. Bennet y Claire han encontrado una posible forma de evitar el desastre de Nueva York, deciden que Claire, Peter y Sprague se vayan a un pueblo de Nebraska, donde suponen que conseguirán impedir la explosión, mientras ellos van a destruir el sistema de rastreo (Molly) a Nueva York. Lo que no saben es que Sylar les está observando y les va a perseguir. Las elecciones son ese día, Nathan sigue preocupado por lo de la explosión, no está convencido de ser responsable de la muerte de tantas personas. En ese momento Linderman le cuenta a Nathan que su padre también era como ellos, una persona "especial" y además muy poderoso, pero que se rindió, y que él no debe hacer lo mismo. De pronto aparece Heidi, la mujer de Nathan, que como sabemos desde hace varios capítulos está en silla de ruedas por un accidente de tráfico del que se salvó volando Nathan pero no pudo hacer nada por ella. En cuanto la ve, Linderman se acerca a ella y les hace (como el lo llama) un regalo por el triunfo en las elecciones, usa su poder para curarla, ya puede andar, milagrosamente. En mitad de la calle Peter se da cuenta de que Sylar les está siguiendo y deciden ir por otro lado. Hiro y Ando se encuentran con Nathan en medio de las elecciones, Hiro intenta contarle lo de la explosión, pero él no le hace caso porque sabe que se va a producir igual. Hiro y Ando llegan a la tienda en la que se supone le van a arreglar la espada, su sorpresa al llegar allí es encontrarse que el padre de Hiro, el mismo que poco antes intentó que su hijo regresara a Japón. Y lo impresionante es que parece conocer la misión que Hiro ha de realizar, y además no se volvió a Japón, se quedó allí para ver cómo su hijo avanzaba. Y ya por fin conocemos (lo que ya nos imaginábamos) la razón por la que Linderman tiene cautivo a Micah, para emplear su habilidad con las máquinas para poder apañar como ellos quieren las elecciones, evidentemente haciendo que Nathan Petrelli gane. Mientras Claire, Peter y Ted tratan de escapar ahora de Sylar, de repente aparece la policía, les han dado un aviso sobre Ted, ha sido Sylar, aparece Audrey Hanson, y se llevan a Ted a Guantánamo, aunque no llegará allí. El padre de Hiro le confiesa todo lo que sabe sobre él, además va a enseñarle a pelear, dejando bastante alucinado a su hijo (y a nosotros también). Candice lleva a Micah a un colegio electoral, allí le dice a Micah lo que tiene que hacer, las votaciones son por medio de ordenadores, así que tiene que usar su poder, y ya de paso que sea por victoria aplastante (de ahí el landslide). Jessica y D.L siguen buscando a Micah, se han colado en el despacho de Nathan, justo antes de que se conozca el resultado de las elecciones, allí le cuentan lo que ha ocurrido y él les dice dónde pueden encontrar a Linderman, porque él también quiere que muera. Hiro y su padre continúan con el entrenamiento. Matt y el Sr. Bennet siguen en su búsqueda del "sistema de rastreo", y se encuentran con D.L y Jessica, que van en busca de Linderman. Es entonces cuando nos enteramos de que Molly es aquella niña que en los primeros capítulos Matt salvó de Sylar, aquella niña que estaba escondida y a la que oyó pedir ayuda en sus pensamientos, ella sigue recordándole como su héroe. Lo que Matt no sabe es que esa niña es a la que están buscando para acabar con ella. Thompson va a por Matt, pero el Sr. Bennet le mata. Mohinder no sabe qué está pasando. Llegan hasta Molly, el Sr. Bennet está apunto de matarla pero acaban apuntándose con la pistola él y Mohinder, de rebote a su vez Molly, mientras Matt está en el suelo después del golpe que le da Mohinder. Sylar llega hasta Ted cuando le están trasladando, provoca un accidente y acaba con él, adquiriendo así su poder, de poder explotar. Al llegar hasta Linderman parece que Jessica irá a buscar a Micah, pero la tienta con mucho dinero si mata a D.L, llegado el momento Niki por fin sale a flote de su doble personalidad y parece que acaba con Jessica, pero D.L para una bala que Linderman trataba de mandarle a ella. D.L moribundo acaba con Linderman. Todo acaba con el discurso de investidura de Nathan Petrelli como congresista, no sin antes pedirle a su mujer que por el momento siga en la silla de ruedas, hasta que llegue el momento oportuno de decirlo públicamente. .

"Toma. Así sabrás que habré vuelto - Pero... ¿tu espada? - No es la espada... es el hombre. Y este hombre está preparado."

Realmente este capítulo 22, Landslide no es de los mejores de la temporada. Bien es cierto que aporta datos clave que no conocíamos hasta ahora, como que el padre de Hiro lo sabe todo y además hace de una especie de Yoda con su hijo, enseñándole las técnicas que necesita (según él) para poder terminar con su cometido, que es acabar con Sylar. También vemos como Linderman es capaz de lograr con su poder que Heidi Petrelli ya no necesite usar silla de ruedas, que pueda volver a andar. Por supuesto vemos las elecciones, la victoria aplastante de Nathan, gracias al poder de Micah, algo que se intuía hace tiempo. Y ya por fin tanto Peter como Sylar tienen el poder de Ted Sprague, para Sylar se supone que él será el que explote, porque desconoce que Peter tenga también el poder; aunque a pesar de eso no sé, sigue sin parecerme un gran capítulo, es bueno, y continúa como ya he dicho en la senda de despejar incógnitas y adentrarnos cada vez más en el final de la temporada. Pero quizá se centran demasiado en como tratan de pasar a Nathan con los malos, al "lado oscuro", para que consienta la explosión. De ahí que Linderman ayude a Heidi, es una especie de soborno, o así lo veo yo, está claro que si él dice que no no se lo va a quitar, pero es como un aliciente más; eso sí, en cuanto a la parte técnica la verdad es que en cada capítulo se superan, la cosa va mejorando a pasos agigantados y eso que ya desde el principio se veía que el tema de los efectos especiales y demás lo dominaban bastante; eso sí, le doy un sobresaliente en cuanto a emoción, porque las cosas las van dejando de maravilla para intrigarnos en cada momento. Como el momento con Molly, todos apuntándose, la pobre niña ahí en medio y Matt por los suelos. Luego la silenciosa persecución de Sylar que acaba en arresto de Ted y su posterior asesinato a manos de evidentemente Sylar. Y el no saber si D.L se muere, no se muere, se desangra, no se desangra, pero que en medio de todo eso mata a Linderman con su puño; y ese momento final de familia feliz en las elecciones, Nathan gana (¿alguien dudaba que ocurriría?) y todos allí con globos y serpentinas.

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"Esta parte de mi viaje debo acabarla solo - Pero... no tengo miedo - Lo sé. Me has enseñado lo que es la valentía - Toda tu vida hablaste sobre tus historias favoritas, Star Wars, Star Treck, Superman, Kensei, todos los héroes que has querido ser. Un día, la gente contará la historia de Hiro Nakamura."

El capítulo final, el 23, How to Stop an Exploding Man. El capítulo comienza con una serie de momentos que hemos visto durante toda la temporada, bajo el sonido de la voz en off de Mohinder que nos planteaba los problemas y dudas de los personajes (y de cualquiera de nosotros) que íbamos a ver en cada capítulo, en concreto nos encontramos ante el primero de los capítulos, que por fin encuentra un fin para esa búsqueda que todos llevan dentro. Niki y D.L escapan por poco de los guardaespaldas de Linderman, al que acaban de asesinar. Mientras está por los suelos, Matt ve a Molly, ambos se reconocen y en ese momento se bajan las pistolas porque nadie va a hacer daño a la pequeña. Por su parte, Hiro sale en busca de Ando que con una espada ha ido en busca de Sylar para intentar acabar con él. Sylar vuelve al loft de Isaac y comienza a pintar un nuevo cuadro, se ve en la Plaza Kirby frente a Peter Petrelli. Nathan y la abuela Petrelli siguen con el plan de la explosión, plan que no debe detenerse a pesar de la muerte de Linderman. D.L convence a Niki de que le deje en el pasillo para que ella pueda ir en busca de Micah. Claire llama al Sr. Bennet para contarle que Ted ha muerto, en ese momento él le dice a Peter que probablemente ahora él sea el único que pueda detener a Sylar y que en cuanto consigan encontrarle irán a por él. Lo primero que a Peter se le ocurre es ir junto a Nathan, aunque Claire le había dicho que no lo hiciera, que no era de fiar. Cuando Peter le cuenta todo a Nathan éste intenta disuadirle para que Claire esté lejos, donde podrá estar a salvo, además Peter le lee la mente y comprueba lo que Claire le había dicho, que Nathan está con los otros, que no quiere impedir la explosión. Pero Claire ya ha escapado, Peter va tras ella volviéndose invisible pero la abuelita Petrelli ya la ha encontrado primero. En ese momento Peter comienza a volverse radioactivo, parece que está a punto de explotar, pero es otra falsa alarma, eso termina dejándole inconsciente en medio de la calle. Molly está débil, algo parece que no termina de funcionar, pero ella quiere ayudar a encontrar a Sylar y les indica que está en el loft de Isaac. Los Petrelli quieren llevarse lejos a Claire, pero al menos le dejan despedirse vía telefónica del Sr. Bennet. Mientras está inconsciente, Peter tiene una especie de visión, parece una viaje atrás en el tiempo, al día en el que conoció a Simone y comenzó a cuidar a su padre. En esa visión descubre muchas cosas, que por una extraña razón su madre conoce a Charles Deveux y que además éste también está al corriente de lo de la explosión. En esa visión comprueba como su madre le desprecia en el sentido en el que puede aportar él para completar la misión, confía en que sea Nathan el idóneo, pero Charles no piensa lo mismo, igual que tampoco cree que deba conseguirse por medio de la explosión. Ando llega al loft de Isaac, donde Sylar le encuentra y le tortura un ratito, mientras intenta sonsacarle dónde está Peter Petrelli. Pero aparece Hiro que en vez de acabar con él, usa sus poderes para ser más rápido que Sylar y así sacar de allí a su amigo Ando con vida. Mientras tanto, Niki sigue buscando a su hijo, Micah, y llega hasta Candice, que en una de las ilusiones que puede provocar, ha adquirido el aspecto de Niki y además le hace ver que ha matado a Micah, las dos empiezan a luchar. En el Edificio de la Plaza Kirby, Molly le dice a Mohinder que Sylar está allí, así que deciden escapar. Los Petrelli siguen empeñados en sacar de la ciudad a Claire a la fuerza, aunque ella intenta convencerles de que deben detener la explosión, cuando Claire es consciente de que no van a hacerle caso coge y salta por la ventana, gracias a su poder sale ilesa y escapa. Mientras Candice y Niki luchan, ésta piensa que se trata de Jessica, que de alguna forma ha conseguido hacerse corpórea, pero no es así y Jessica se lo deja claro desde su reflejo en un espejo roto, le dice que no es ella y que vaya a por Micah, en ese momento Niki consigue la superfuerza que suponemos es de Jessica. Hiro y Ando han llegado a Japón, allí Hiro toma la decisión de dejar a Ando, para poder salvarle, mientras él regresa a matar a Sylar, y decide llevarse la espada que Ando cogió de la tienda, no su gran espada. Cuando Peter despierta de la visión encuentra al Sr. Bennet, que le dice que Claire está a salvo y que le va a acompañar a acabar con Sylar, y que llegado el momento será capaz de dispararle si va a explotar, ah sí, y otra cosa más, que se llama Noah (momentazo ese: "Call me Noah"). Niki ha encontrado a Micah, se reunen con D.L al que estaban cuidando Mohinder y Molly, salen todos juntos del edificio. Peter y Noah (que raro suena decirlo así xD) ya están en la Plaza Kirby, Sylar les sorprende por la espalda y lanza a Bennet a la otra punta, yo creo que rompiéndole alguna que otra costilla. La pelea la comienza Sylar, agarrando con su poder a Peter por el cuello, en ese momento aparece Matt que le dispara cuatro veces a Sylar, éste lo detiene y le envía las balas a Matt que cae (no muerto, al menos que sepamos) al suelo. También salen a la plaza Niki y los demás, cuando Sylar coge un parkímetro y le mete un par de guantazos a Peter Niki se acerca, se lo quita y le pega a Sylar un golpe que le deja tirado en el suelo. Pero Micah llama a Niki para que ayude a D.L y ella se va con su familia a un lado. Peter y Sylar siguen peleando, y Peter empieza a encenderse, está a punto de explotar. Hiro aparece en teletransporte justo a su lado, y le clava la espada a Sylar (con lo que vemos después resulta que sí importa la espada) que cae tendido en el suelo, pero que aún es capaz de mandar a Hiro por los aires cuando Peter le pide que le mate. Peter no sabe qué hacer, ya no le queda nada para explotar y destruir media ciudad, desde lejos todos le observan, Noah Bennet está apuntándole pero no tiene fuerza suficiente. Entonces aparece Claire, que coge la pistola y se acerca a Peter. Le apunta, duda, Peter le grita que le mate, que no hay otra forma. Y llega Nathan volando, detiene a Claire antes de que mate a su hermano. No va a dejar a su hermano, tampoco va a permitir que destruya la ciudad, y después de un discurso de amor entre hermanos y de que así salvarán al mundo, coge a Peter y se van volando. Una vez en el aire, lejos de la ciudad y bajo la mirada de todos los héroes, Peter explota, provocando una brillante llamarada en el cielo. Todo ha terminado y Claire rompe a llorar. Todos se marchan de la Plaza Kirby, Matt Parkman está muy grave, se lo llevan en ambulancia sin que antes Molly corra hacia él para gritarle que no se muera, que es su héroe. Los Bennet están a salvo y juntos de nuevo. Pero hay una alcantarilla abierta, y hay marcas de que algo se ha arrastrado hasta ella, es Sylar, ha escapado.

"Viniste aquí porque lo necesitabas. Necesitabas oír la verdad antes de poder salvar al mundo - ¿Yo salvo al mundo? - Tú siempre tuviste el poder, Peter. Simplemente necesitabas aprender a usarlo."

Ha llegado el final, el final de este Volumen Uno de Heroes, y con él sus personajes han ido evolucionando capítulo tras capítulo hasta llegar a este How to Stop an Exploding Man en el que han tenido que tomar muchas decisiones importantes, que han podido cambiar el curso de sus vidas; los Petrelli, la abuela Petrelli cada día es más mala, sabemos que lo hace porque así su hijo llegará a ser Presidente, pero aún así, está dispuesta a todo para conseguir que explote su otro hijo. Peter, sabe que va a explotar y que no va a poder controlarlo, así que es capaz de sacrificar su vida para no matar a nadie, así que pide que le maten llegado el momento. Nathan está allí para que eso no tenga que ocurrir, durante prácticamente todo el capítulo vemos como sigue con lo que su madre y Linderman han dictado para él, va a dejar que su hermano explote, destruyendo así la mitad de Nueva York, pero al final vemos que no es así, aparece en el momento preciso para sacrificarse por todos, por su hermano, le saca volando de allí antes de que explote y supuestamente muere con él (aunque Peter no muere ya que se regenera), aunque mi teoría es que no muere ninguno de los dos, que de alguna forma al llegar arriba puede escapar en el último momento; Claire, la joven Claire, ha sufrido mucho en estos últimos capítulos, desprecios familiares biológicos, su padre Noah Bennet la ha dejado marchar para salvarla, y además debe ser ella quien mate llegado el momento a su tío Peter. Ella no está segura de hacerlo, vemos que en todo momento duda, y no tiene que hacerlo ya que llega su padre biológico para salvarles; el otro de los Bennet, el gran Sr. Bennet, del cual ya conocemos su nombre, Noah (ese momento no se olvidará, es estilo James Bond), ha hecho todo eso para poder salvar a su hija, Claire, y está dispuesto a todo. Al final vuelven a casa, sanos y salvos; Hiro Nakamura, el ingenuo y genuino Hiro, ha aprendido todo lo que necesitaba para poder acabar con Sylar, deja a su amigo Ando en Japón para que no ocurra lo que saben que ocurriría. Y llega hasta Sylar en la batalla final, su error, haber dejado al final su espada, con la que probablemente Sylar habría muerto totalmente (ya que escapa), él le atraviesa con otra espada, todos creen que ha acabado con él, pero no es así. Y después con su tele transporte llega siglos atrás hasta los parajes en los que su admirado Kensei se encontraba, veremos que le depara la suerte allí; los Sanders, Niki por fin ha conseguido ser ella misma y dejar a un lado a Jessica, la cual le ayuda cuando más la necesita, dotándola de su súper fuerza. D.L no sabemos si morirá o no, lo que sí sabemos es que está grave. Micah consigue escapar junto a sus padres; Mohinder lo único que puede hacer es ayudar a todo aquel que acaba herido, además de ayudar a escapar a la pequeña Molly; y nos queda Sylar, el cual hace un par de capítulos parecía que estaba arrepintiéndose de algo, o al menos no quería explotar, aquí vemos su ira, su venganza contra Peter, como es capaz de dejarle explotar solo por el hecho de que él sea el malo y Sylar se convierta en el "héroe". Hiro le atraviesa con la espada, pero por lo que intuimos eso no ha servido, porque seguramente se ha escapado por la alcantarilla.
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"Sí que la hay Claire. El futuro no está escrito en piedra. No te voy a dejar, Peter. Hay otra manera de terminar esto, y lo sabes. [...] Has salvado a la animadora... así que nosotros podemos salvar al mundo."

Este capítulo llevaba causando expectación probablemente desde la mitad de la temporada, cuando se empezaron a barajar posibles momentos, participaciones y lo que es peor, las expectativas que se crearon. Expectativas que iban aumentando semana tras semana y que además desde incluso declaraciones del propio Tim Kring nos vaticinaban momentos estelares como una gran y espectacular batalla entre Peter y Sylar (que ya la vimos espectacular pero corta en el 20), y eso concretamente podemos decir que no se ha cumplido. Si que cuando se ve y se han dicho tantas cosas te queda un cierto gusto a decepción, porque te han prometido un capítulo espectacular y estás viendo un capítulo normal, muy bueno, de los mejores de la temporada, pero no espectacular, ese fue Five Years Gone, algo que seguramente no se podrá mejorar porque fue absolutamente magistral. A pesar de que como digo lo que sobrevuela al terminar de verlo después de todo lo que nos habían de alguna manera prometido, sea un sentimiento de decepción (ligera decepción, no grande), How to Stop An Exploding Man es un gran capítulo, que me ha gustado muchísimo, estamos ante uno de los mejores capítulos de la serie. Porque aunque no veamos esa espectacular batalla entre Peter y Sylar sí que vemos una gran batalla de todos contra Sylar, en la que participan prácticamente todos o al menos lo intentan (véase el caso de Matt, el pobrecillo, ¿saldrá vivo o no? quién sabe). Además tiene algunas de las escenas más impactantes y magníficas de la serie, solo tenemos que ver los últimos minutos del Volumen Uno, todos reunidos en la Plaza Kirby, Peter a punto de explotar y Nathan que llega volando para hacer lo correcto y ¿sacrificarse? no lo creo, apuesto a que está vivo; en general se puede decir que es un capítulo fantástico, quizá con alguna cosa que podría haber sido mejor, pero aún así estoy totalmente conforme con el resultado final. Final en el que por supuesto nada es lo que parece, Sylar no está muerto, se escapa por la alcantarilla sin que nadie parezca darse cuenta de la desaparición del supuesto cadáver del malo. Además de que estoy casi convencida de que Nathan y por supuesto (esto estaba claro) Peter no están muertos, y han evitado la gran explosión en mitad de Nueva York volando y explotando en las alturas; después de eso además se nos muestra el comienzo del Volumen Dos, ya que cuando Hiro usa su poder de teletransporte en plena batalla con Sylar para evitar espachurrarse contra un edificio retrocede hasta el siglo XVI, en plena lucha de su admirado Kensei, eso será muy interesante de ver, y durará los primeros 6 capítulos; en definitiva, How to Stop An Exploding Man es un gran capítulo de cierre de temporada, que sin duda abre la puerta hacia las siguientes temporadas que esperaremos con las mismas ganas que hemos esperado por esta. Es un capítulo que impacta y emociona a partes iguales, mantiene un ritmo frenético en todo momento porque ya se trata de la resolución final, el golpe de efecto, la bomba; quizá las siguientes temporadasque vendrán no lleguen a la altura de este Volumen Uno, que personalmente me parece de 9'5 como valoración general de temporada, pero aún así no tengo ninguna duda en que Tim Kring y los suyos seguirán creando grandes y atrayentes argumentos para la serie. Let's be heroes! (^.^)
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"Soñamos con la esperanza. Soñamos con el cambio. Con el fuego, con el amor, con la muerte... Y entonces ocurre. El sueño se convierte en realidad. Y la respuesta a esta búsqueda, la necesidad de resolver los misterios de la vida, finalmente se muestra. Como un nuevo y resplandeciente amanecer. Tanta lucha por encontrar el significado, por el propósito, y al final, cuando nos encontramos solos el uno con el otro, compartimos una experiencia con lo fantástico. Y lo mundano. La necesidad humana de encontrar una familia. De conectar. Y de saber en nuestros corazones... que no estamos solos."

Primeras imágenes de "Revolutionary Road" y de "The Brothers Bloom"

2007-05-29T22:52:00.000+02:00

Hoy tenía previsto comentaros la Season Finale de Heroes, que hoy por fin he podido ver el capítulo 1x23 How to stop an exploding man, pero por problemas de tiempo y de luchas con Blogger debo posponerlo hasta mañana. Para que así me de tiempo de preparar un condiciones para los tres últimos capítulos de la Primera Temporada, también conocida como Volumen 1; también quiero expresar que por fin se ha terminado todo, hoy nos han dado por fin las notas de 2º de Bachillerato, y puedo decir alegremente que he aprobado todo y con una media bastante interesante, consiguiendo así e incluso superando la meta que me había marcado al comenzar el tercer trimestre. Ahora queda decidir si haré Selectividad o no; en fin, que como podéis comprobar por el título hoy os traigo un par de noticias. Son referentes a la publicación en Internet de bastantes fotos sobre esas dos películas; la primera de ellas es Revolutionary Road, dirigida por Sam Mendes (American Beauty, Camino a la Perdición) que como ya os conté hace dos meses, supone el reencuentro en las pantallas de dos estrellas y dos grandes actores del panorama del cine actual como son Kate Winslet (Eternal Sunshine of the Spotless Mind, Little Children, Descubriendo Nunca Jamás, Ratónpolis) y Leonardo DiCaprio (Infiltrados, Diamante de Sangre), grandes amigos fuera de las cámaras, que se reúnen por primera vez después de diez años de su exitazo Titanic de James Cameron, que les encumbró (a cada uno hacia un camino distinto, desgraciadamente) en el mundo del cine. Ya había muchas ganas de que los dos pudieran reunirse de nuevo en una película (sobretodo por mi parte, ya que son dos de mis actores favoritos) y cuando saltó la noticia hace dos meses del futuro rodaje de la película, además a manos de Sam Mendes, ganador del Oscar y marido de Winslet, las cosas se pusieron muy interesantes. Quizá (espero) sea Revolutionary Road la película que por fin les haga conseguir a ambos el Oscar por sus interpretaciones, ya que entre los dos ostentan 8 nominaciones a los Oscar (5 de Winslet y 3 de DiCaprio) y la verdad es que ya han demostrado bastante que lo merecen; para refrescaros la memoria, Revolutionary Road es la adaptación de la novela del mismo título de Richard Yates, que se sitúa en los años 50, los protagonistas son una pareja norteamericana que viven aparentemente felices en los suburbios de Connecticut con sus dos hijos, pero que se ven atrapados en la no culminación de sus sueños y los duros años que les tocan vivir, lo que acarreará consecuencias dramáticas; el rodaje de la película estuvo al borde de no producirse porque con el alubión de proyectos que están apareciendo para Leonardo DiCaprio, no iba a ser posible rodarla este verano, como estaba previsto, hubo muchos rumores de la cancelación del proyecto pero hace un par de días (muchísimas gracias Mery!) me enteré de que ya había fotos del rodaje, y que por tanto habían decidido adelantarlo para que pudiera realizarse de todas maneras. Así que lo que podéis ver son imágenes de varios días de rodaje, sobretodo de Kate Winslet, ya que de DiCaprio de momento solo hay dos y está medio de espaldas (una la que veis aquí al lado). Las primeras que podemos ver son del día 11 de Mayo, también hay del día 14, del día 22 (aquí diferentes) y las más recientes, del día 24 (más aquí y aquí). Se sabe que el rodaje se está llevando a cabo en Tribeca, Nueva York, lo que no se sabe es de cuanto tiempo necesitarán para ello. De momento se han podido captar imágenes de esos cuatro días. En ellas apreciamos claramente un corte de pelo por parte de Kate Winslet, después de la melena que lució en los Globos de Oro y en los Oscar. El estreno de Revolutionary Road se espera para el próximo año, 2008, sin mayor especificación.

Y la segunda de las noticias relacionadas con primeras imágenes viene de la mano de otros dos de mis actores favoritos. Se trata de unas imágenes de The Brothers Bloom, dirigida por Rian Johnson, que nos regaló hace unos meses esa magnífica opera prima titulada Brick, lo cual ya supone un punto a favor de esta película, aunque solo sea por ver cómo continua y hacia dónde se dirige la carrera de Johnson. Pero es que además The Brothers Bloom tiene un reparto impresionante, encabezada por Adrien Brody (El Pianista, Hollywoodland), Mark Ruffalo (Zodiac, Eternal Sunshine of the Spotless Mind), Rachel Weisz (La Fuente de la Vida, El Jardinero Fiel) y Rinko Kikuchi (Babel); supongo que seguirá moviéndose en el entorno del cine independiente, como se dijo cuando se produjo el anuncio del rodaje, igual que ocurrió en el caso de la fascinante Brick. En líneas generales la historia trata sobre unos hermanos, cuya vida profesional gira en torno al mundo del crimen, en concreto a los robos. El personaje de Rachel Weisz se llama Penélope, y es la novia del de Brody, quien ha decidido ponerle las cartas sobre la mesa a su pareja para que termine con el mundo de la delincuencia. Pero lo que decidirán a raíz de ello es realizar un último golpe, en el que se verán inmiscuidos el personaje de Brody, Ruffalo y Weisz, quienes serán perseguidos por el de Kikuchi; todo hay que reconocerlo, la película pinta muy bien, sobretodo viendo lo que Johnson fue capaz de hacer en Brick, y que el guión de The Brothers Bloom también es de su puño y letra. Además solo tenéis que ver las fotografías que han aparecido para daros cuenta de que original va a ser. Aquí en el post os dejo dos de mis favoritas, la primera porque es en la que aparece Rachel Weisz, evidentemente, y la tercera en la que vemos a Ruffalo, Brody y Kikuchi en una escena. El resto las podéis ver aquí en Ain't It Cool, de dos días de rodaje, día 1 y día 2; el estreno de The Brothers Bloom también se espera para el 2008, sin fecha concreta.

*Fuentes: Rachel Weisz Paradise, Ain't It Cool, Kate Winslet Fan y Discover Kate

6ª Temporada de "Gilmore Girls"

2007-05-26T17:55:00.000+02:00

Hoy voy a intentar ser lo más rápida posible, aunque creo que no lo voy a conseguir, porque quiero contar bien lo que se siente al ver esta 6ª Temporada de Las Chicas Gilmore. Breve más que nada porque me voy de cumpleaños; ya se han terminado los exámenes, para mí hace un par de días, para algunas personas ayer, pero lo importante es que ya han pasado y que ya sólo queda saber el veredicto final, las notas. A todos/as los que estéis de exámenes, mucha suerte y que todo vaya bien; por lo demás, ayer no fui al final al cine, porque como las entradas para Piratas del Caribe 3 las venden hace un mes estaba claro que no iba a haber, y el resto de la cartelera o las he visto casi todas o el resto no me llaman en absoluto. Así que, compré varios DVDs con los que ya tengo entretenimiento y temas para bastante tiempo; este fin de semana de nuevo tenemos Fórmula 1, esta vez en el Gran Premio de Mónaco, todo un evento ya no solo deportivo, sino social. Hay muchas posibilidades de que la carrera sea pasada por agua, pero por suerte la sesión de Clasificación de esta mañana salvo cuatro gotas no lo fue, la pole la ha conseguido Fernando Alonso, seguido de su compañero Lewis Hamilton y en 3er lugar Felipe Massa. Mañana la carrera; también mañana comienza Roland Garros, el Grand Slam que en los últimos dos años ha ganado de manera consecutiva Rafa Nadal, que hasta la semana pasada tenía el imperio sobre tierra batida. Esperemos que este año lo vuelva a ganar; además mañana toca ir a votar, por primera vez en la historia de mi vida. Después de todo el mal que han estado dando (unos y otros) en la campaña, que de verdad a veces dan vergüenza ajena, lo último que digan que los que no voten a cierto partido están votando a los terroristas, en fin, vergonzoso, pero no quiero meterme en estos temas; a lo que iba, como creo que ha quedado bastante claro, hoy voy a hablaros sobre la Sexta Temporada de Gilmore Girls, una de mis series favoritas. Hace poco menos de un mes por fin salió a la venta en DVD esta Sexta Temporada, que no había sido emitida en España, ya que TVE se quedó en la Quinta y por lo que tengo entendido la FOX igual. A pesar de tener el ajetreo de los exámenes cuando la compré, la vi en seguida, porque además de que me encanta tiene el poder de animarte, te sientas agobiado, decaído, triste, estés como estés las Gilmore te alegran el día. Así que, no fue ningún esfuerzo emplear los ratos libres de que disponía, en ver Gilmore Girls. Desde ya aviso a todos los que vayan por alguna temporada más retrasada o que no hayan visto completa esta que se abstengan de seguir leyendo, porque va a haber SPOILERS importantes.

"Wanting you the way I do I only want to be with you, and I would go to the ends of the earth. Cause, darling, to me that's you're worth"

En la pasada temporada, la Quinta de las aventuras de la familia Gilmore, las cosas quedaron bastante tensas. Por un lado teníamos a Rory, cuya relación sentimental con Logan Huntzberger ha cambiado muchas cosas en la vida de Rory. Lo que parecía un futuro prometedor en el periodismo para ella, se ve truncado por el desprecio que la familia Hutzberger le procesa. Mitchum, el padre de Logan la coloca en un periódico como aprendiz, Rory estaba muy ilusionada, pero pronto Mitchum se encargó de que sus sueños se terminaran, a parte de echarla del periódico le dejó claro que no tenía futuro dentro del mundo del periodismo y que fuera pensando en otra cosa, que no servía para eso, algo que, destrozó profundamente a Rory. ¿Las consecuencias de los actos de Mitchum? Que Rory decida dejar Yale, después de que toda su vida había querido ser corresponsal de guerra, después de llevar dos cursos en la misma Universidad a la que había ido su abuelo, al año siguiente no continuaría, todos los intentos de Lorelai, su amiga Paris e incluso de Logan son en vano, los comentarios de Mitchum le dolieron mucho y le hicieron ver que para qué quería seguir estudiando. Pero además de eso, una noche de fiesta, Logan y Rory deciden robar un yate, evidentemente les denuncian y les llevan a la comisaría. Allí, condenan a Rory a un juicio, en el que en la Sexta temporada veremos las consecuencias. Todo esto hace surgir la tensión entre Lorelai y Rory, ya que Lorelai quiere lo mejor para su hija, quiere que no deje la universidad y no comprende cómo ha podido robar un yate. Además, Rory le cuenta a Lorelai los comentarios de Mitchum, que fue lo que hizo que ésta explotara, y va a pedirle explicaciones a sus padres, Richard y Emily, que siempre han sido amigos de la familia Huntzberger, no le sirve para nada porque no le creen, no creen que Mitchum haya podido decirle eso a su nieta, a su querida nieta, así que hacen caso omiso. Al final, todo esto hace que las Gilmore se separen, Rory decide irse a vivir con sus abuelos, dejar a su madre sola, mientras intenta pensar en todo lo que está produciendo con sus decisiones. La decisión de irse a vivir con los Gilmore es tomada muy alegremente por Emily, aunque también siente que lo único que conseguirá ayudando a su nieta es que su hija se aleja aún más (si cabe) de ellos. Pero no todo es malo en el final de la Quinta temporada, en Luke's tenemos a Lorelai sentada en una silla mientras Luke, su por fin pareja (todos lo veían venir hace tiempo) no deja de decirle que no permitirá que Rory deje Yale, que hará todo lo posible porque consiga sus sueños, que no dejará que nada la cambie, incluso si hace falta la atará a la silla de las clases de la universidad para que asista, y la llevará arrastras todos los días, y mientras Luke se vuelve loco, Lorelai le pide que se case con ella.

"Where you lead, I will follow, anywhere that you tell me to, If you need, you need me to be with you I will follow where you lead"

Pero todos sabemos que las cosas entre las Gilmore no podían continuar así por mucho tiempo. Al comienzo de la temporada vemos como las cosas siguen igual, Rory sigue viviendo con Emily y Richard, mientras que Lorelai tiene que vivir sola en la casa en la que antes habían pasado tantos buenos ratos. Pero no todo iba a ir mal para Lorelai, la dejamos en la temporada anterior con la proposición para Luke de matrimonio, a la que evidentemente él contesta que sí, a partir de ahí comienza una vida en común en toda regla entre ambos. Pronto salta la noticia en todo Stars Hollow, el primero en enterarse es Taylor, ya que los dos ilusionados acuden a su tienda a por bebidas con las que poder brindar, la encuentran cerrada y se lo tienen que explicar a Taylor que acaba por abrirles, aunque no encuentran alcohol, excepto botellas de champagne bastante caras, pero consiguen que Taylor les venda unas bebidas que tenía escondidas, a partir de ahí la noticia se extiende por todo el pueblo. Y la vida de Rory continúa, en el juicio contra ella por el robo del yate la condenan a 300 horas de servicios a la comunidad, lo cual exacerba a sus abuelos, que habían pagado al mejor abogado de Hartford para que consiguiera al rededor de 20 horas, pero Rory decide que es mejor aceptarlo, ya que sino la jueza la mandaría a juicio con jurado popular, donde las cosas podrían salir peor todavía. Así que, Rory tiene que dedicar el verano a los servicios a la comunidad, con todo tipo de personas (genial la escena en la que presentan la clase), a las que en principio no parece caer bien (también genial el momento en el que Emily lleva a Rory en su primer día y le da un paquete de cigarrillos para intercambiarlos para que la protejan xD). Notamos que madre e hija se echan de menos, no se hablan, no se ven y si se ven es por casualidades de la vida, pero ninguna de la dos quiere dar el paso. Los preparativos de la boda de Lorelai y Luke comienzan y terminan pronto, porque Sookie ya lo tenía todo controlado, la fecha prevista el 3 de Junio, fecha que dará mucho que hablar. A todo esto hay que sumarle que Rory se une a la fundación de las Hijas de la Revolución Americana, el grupo que hace tiempo preside Emily, grupo al que nunca soportaron Lorelai y Rory, pero en el que consigue un buen trabajo como organizadora de eventos, lo cual parece gustarle a Rory. El 21 cumpleaños de Rory es diferente a como siempre lo habían planeado, las dos están separadas, aunque gracias a una decisión de Rory, Lorelai acude a la fiesta con Luke, pero el distanciamiento sigue ahí. Poco a poco las tensiones que siempre habían tenido Lorelai y sus padres se trasladan a Rory, ya que al menos Emily cree ver en ella a la Lorelai que nunca pudieron tener, cree que aún está a tiempo de conseguirlo. Por eso cuando Emily y Richard creen que Logan y Rory están a punto de tener relaciones, traman un plan para conseguir que nunca estén a solas, ya no dejan que Rory viva en la casa de la piscina, la llevan al cuarto junto al suyo, además asignan a un cura para que hable a Rory de lo que no debe hacer, en ese momento todos se enteran de que no solo ya se ha acostado hace tiempo con Logan, sino que también con Dean mientras estaba casado (algo que Lorelai ya sabía), eso provoca más tensiones. Tiene que llegar de visita Jess (Milo Ventimiglia :p) para que Rory entre en razón y se de cuenta de que debe volver a Yale, aunque ya haya perdido unos meses, porque ella no es así, ella siempre ha querido estudiar y debe luchar por sus sueños. Poco a poco Lorelai y Rory van acercándose, hasta que Rory no puede aguantar más con los Gilmore y regresa junto a su madre, que la espera con los brazos abiertos. Desde ese momento las vidas de las Gilmore continúan su camino juntas, aunque los problemas comienzan entre Lorelai y Luke, la fecha de la boda parece demasiado cercana y no creen estar seguros. Además Luke tiene una sorpresa que quizá no siente del todo bien a Lorelai.

"If you're out on the road. Feeling lonely, and so cold. All you have to do is call my name. And I'll be there on the next train"

En cuanto a los personajes, no es ningún secreto que mi favorita siempre ha sido Lorelai Gilmore, interpretada de manera brillante y carismática por Lauren Graham. Pero es que en Stars Hollow nadie puede quedarse indiferente ante nadie, cada personaje es más peculiar y genial que el anterior, todos están impregnados del aire de rareza que envuelve Gilmore Girls; si hablamos de Lorelai estamos hablando de una mujer que con 16 años tuvo a su hija, Rory, y cuya vida cambió radicalmente, de tenerlo todo a no tener casi nada, por expreso deseo suyo. Y que además, supo sacar adelante a su hija sin mayor ayuda que la de los habitantes de Stars Hollow que la acogieron con los brazos abiertos, amistad y compañerismo que continua desde entonces. En esta temporada a Lorelai le toca sufrir más de lo normal, porque tiene que asumir que su Rory ha decidido irse a vivir con sus padres, además de abandonar sus sueños. Pero no solo eso, sino que sus planes de boda con Luke Danes parecen nunca conseguir sus frutos, ambos se quieren, tienen planes de vivir juntos en la casa de las Gilmore, incluso la remodelan, pero algo parece no cuadrar. Mucha culpa de ello tendrá la sorpresita de Luke; Rory interpretada por la bellísima Alexis Bledel ha tenido etapas, etapas como cualquiera de nosotros podemos tener (es más, me inquieta mucho el cierto paralelismo entre su vida y la mía), incluso han llegado algunos momentos en los que se hacía dificil posicionarse de su lado, pero es comprensible que tome ciertas decisiones. No tiene el mismo carisma que Lorelai, pero aún así tiene grandes momentos. Y aunque para mí siempre será su pareja ideal Jess (como no, mi Milo xD), comprendo que quiera estar con Logan; Luke Danes, interpretado por Scott Paterson siempre ha sido el gran amigo de Lorelai, para muchos era el encargado amargado del restaurante de su padre, pero siempre hemos sabido que Luke era algo más, hace tiempo que se dio cuenta de que estaba enamorado de Lorelai, pero por unas parejas de ambos las cosas nunca terminaban de empezar entre ellos. Ahora ya lo han conseguido, planean su boda, pero recibe una extraña noticia, hace 12 años tuvo una hija, con una ex pareja suya que nunca le dijo nada sobre la pequeña. Tiene que enterarse porque April (así se llama la joven en cuestión) acude a Luke's a pedirle un pelo para realizar una prueba de ADN, es una chica muy inteligente, se parece mucho a Rory, y los resultados del test indican que realmente es hija de Luke, a partir de ahí él quiere conseguir un acercamiento, quiere estar presente en la vida de su hija, aunque nunca haya sabido de ella. El error de Luke es ocultárselo durante un par de meses a Lorelai, después de eso Lorelai intenta alejarse, no quiere entrometerse en ese tema, pero más tarde o más temprano conoce a April y consigue encantarle, aunque las cosas no van a mejor; luego tenemos a los Gilmore, Emily (interpretada fabulosamente por Kelly Bishop) y Richard (le interpreta Edward Herrmann), que en esta temporada quieren hacer de padres de Rory, aunque finalmente la jugada les sale mal, pero al final consiguen que por lo menos las cenas de los viernes con hija y nieta se mantengan, a pesar de que Rory decida que no le costeen más la Universidad; también tenemos al siempre presente Christopher (interpretado por David Sutcliffe), padre de Rory, que mantiene una relación de quiero y no puedo constante con Lorelai, parece que entre ellos siempre está la puerta abierta. Por circunstancias de la vida nunca han podido permanecer mucho tiempo juntos, pero ahora a él y a la pequeña Didy les ha abandonado su mujer, Sherry. Además, ha conseguido varios millones de dólares, con lo que decide tomar parte en la economía de las Gilmore. Al final tendremos sorpresa con él; Logan Huntzberger (interpretado por el a veces un poco soso Matt Czuchry) es muy a pesar de muchos el novio de Rory, el que precisamente la ha llevado en los últimos tiempos por otros caminos que no son los que ella acostumbraba, le va la marcha más que a cualquiera, procede de una de las familias más importantes de Connecticut y su futuro parece estar decidido, aunque él no quiera. Lo importante es que a pesar de todo quiere a Rory; también tenemos en dos episodios a Jess Mariano (interpretado por mi querido Milo Ventimiglia, también conocido por ser Peter Petrelli en Heroes), sobrino de Luke, que desde que llegó a Stars Hollow estuvo enamorado de Rory, pero que cuando su relación pudo llevarse a buen puerto las cosas fueron de mal en peor y decidió marcharse y dejarla, aunque sigue enamorado de ella. Ahora vuelve para visitarlas, solo en dos episodios, pero él es el detonante de que Rory vuelva a ser la de antes. Además, caso curioso en el primer episodio aparece con el look habitual de Jess, el pelo digamos que de punta, y en el otro ya con el de Peter Petrelli, algo que me hizo mucha gracia. Pero aquí se termina su personaje, tenían previsto hacerle un Spin-Off pero los rodajes en algunos sitios salían demasiado caros a la cadena (¿por qué? ¿por qué? quiero ese Spin-off!); y luego tenemos a los siempre peculiares personajes de Stars Hollow, Kirk, Taylor, Miss Paty, Sookie, Jackson, Lane, Paris, etc. Todos ellos absolutamente geniales.

"Where you lead, I will follow. Anywhere that you tell me to, If you need, you need me to be with you I will follow where you lead"

Ya es oficial, Gilmore Girls ha terminado su historia. El pasado 15 de Mayo las Gilmore dijeron adiós, con el final de la Séptima temporada. Mucho se especuló con una posible Octava temporada, quizá de menor duración que una temporada normal, pero por las circunstancias que sean al final no ha podido ser. Tras Siete temporadas Gilmore Girls terminó y nos dejó un poquito huérfanos a todos sus fans, yo todavía no he podido ver la Séptima, pero muchos dicen que bajó en calidad. Y esto si nos fijamos en quienes escribieron la mayoría de los capítulos de la Sexta temporada (al igual que las anteriores) es lógico, ya que los escritores y directores de la mayoría de los episodios eran Amy Sherman-Palladino y Daniel Palladino, que a su vez ejercía de productor ejecutivo, y como ya sabemos tuvieron que abandonar en la Séptima temporada la serie debido a que se embarcaban en un nuevo proyecto. Por esto mismo yo comprendo (y lamento) que probablemente se haya producido una bajada de calidad en esta última temporada, porque es normal, se han ido la creadora y su marido, los mayores exponentes en las Gilmore, seguramente que de ellos venía gran parte de ese humor tan inteligente que ha poblado todos y cada uno de los capítulos de estas Seis temporadas. Pero aún así, no comprendo que corten de manera tan brusca una serie que tiene muchos seguidores, que vale, no tiene una audiencia como pueden tener otras series, pero también depende de la cadena, todas las series de la Warner Bros. (recordemos, la misma cadena que canceló Angel en su Quinta Temporada, cuando ya iban por la mitad, lo que aceleró todo el procesó y al final dejó ese final tan en el aire) hay que decirlo, no son las más vistas de la televisión norteamericana, pero qué le vamos a hacer. Al menos lo que espero es que les hayan dado un buen final, además ya está corriendo el rumor de que para concluirla del todo Amy Sherman-Palladino podría estar al frente de una tv-movie o mini-serie en la que terminar del todo y de la manera que ella siempre había pensado con la historia de las Chicas Gilmore, pero esto es a día de hoy un rumor, que no sé que fiabilidad puede tener; en fin, que a pesar de esto, debemos pensar en que siempre podremos seguir viéndolas una y otra vez ya sea en los DVDs, en la televisión o cómo sea; y un poco sobre los capítulos pues decir que en general son todos bastante buenos, algunos de mis favoritos son: 1. Una Nueva y Mejorada Lorelai, 4. Siempre una Madrina, Nunca una Diosa, 6. Bienvenido a la Casa de Muñecas, 7. Veintiuno es el Número Solitario, 8. Déjame oír el Sonido de tu Balalaica (regreso de Jess), 10. Les pasa Pasta, ¿lo Pillas?, 12. Tal y Como Gwen y Gavin, 14. Has sido Gilmoreada, 16. Damas de Honor Revisitadas, 18. El Verdadero paul Anka (de nuevo Jess), 21. Conduciendo a Miss gilmore. Y es que debemos sacar como conclusión que incluso el ingenio de esta maravillosa serie se resuelve en los títulos de sus capítulos, a cada cual más divertido.

"I always wanted a real home with flowers on the windowsill But if you want to live in New York City, honey, you know I will I never thought I could get satisfaction from just one man But if anyone can keep me happy, you're the one who can"

En definitiva, para mí la Sexta Temporada de Las Chicas Gilmore o Gilmore Girls (como prefiráis) es una de las mejores de toda la serie, después de una de menor nivel Quinta Temporada, aquí tenemos una temporada casi perfecta, en la que con distanciamiento entre Lorelai y Rory incluido vemos capítulo tras capítulo como se puede mantener el nivel de ingenio y calidad en una serie mezcla de la más pura comedia con momentos de gran dramatismo. Nunca me canso de ver a las Gilmore viviendo sus vidas, vidas que son como las de cualquiera, pero quizá a veces con algún toque que otro de surrealismo, aunque doy fe de que situaciones tan raras como las que les suceden pueden ocurrir en la realidad. Siguinedo además con la evolución de sus personajes, carismáticos y estupendos de principio a fin, que además muchos de ellos nos deparan en esta Temporada muchísimas sorpresas que queremos descubrir. Continúan los gags y referencias a la cultura popular del país, sobretodo a través del cine, ya que debemos pensar que esta temporada es del año pasado y hay incluso referencias a George Clooney y sus nominaciones a los Oscar con Buenas Noches y Buena Suerte, una de ellas genial a través de Paris, cuando se despide (ya sabréis los que lo hayáis visto a qué me refiero) en cierto momento del periódico, diciendo: "Solo me queda decir, buenas noches y buena suerte". Para mí Gilmore Girls es una serie que no debería terminar en su Séptima temporada, pero si los Palladino tampoco iban a volver después es mejor que se quede así, que las recordemos tal y como han estado estos años atrás, manteniendo el nivel y la diversión temporada tras temporada, en vez de enviarlas a una espiral de sin sentido. Aunque cueste aceptarlo, las cosas son así. Y para mí la Sexta Temporada siempre será de mis favoritas. Con ese final tan triste y que nos incita a querer saber más. Por cierto, las frases entre medio de los párrafos son las estrofas de la canción Where You Lead, tema de Gilmore Girls, compuesto por Caroline King. Larga vida a las Gilmore. (^.^)

"And where you lead, I will follow. Anywhere that you tell me to. If you need, you need me to be with you I will follow where you lead"

"Zodiac" de David Fincher

2007-05-23T20:53:00.000+02:00

La semana pasada no tuve oportunidad de comentaros que comenzaba el Festival de Cine de Cannes, en la que es su 60ª Edición. Dio comienzo el pasado miércoles 16, con la apertura del Festival por parte de Wong Kar-Wai y su película My Blueberry Nights, protagonizada por Norah Jones, Rachel Weisz, Natalie Portman, Jude Law y David Strathairn. La película no causó demasiada sensación, gustó pero la tacharon de "demasiado dulce", personalmente no sé que esperaban de una película romántica, aunque viniendo de Kar-Wai dudo que sea "demasiado dulce", pero en fin, el caso es que lo único que consiguen es que mis ganas por ver la película crezcan, porque hemos visto que las películas que no gustan ya no solo en Cannes si no en otros festivales, a mí muchas de ellas me encantan. Este domingo se dará a conocer el veredicto del jurado. Y espero poder transmitíroslo por aquí; otra noticia que se me ha escapado comentaros es que (como ya habréis leído por ahí) ya no solo debemos afrontar que Rachel Weisz no vaya a participar en La Momia 3, bueno ni ella ni John Hannah, Arnold Vosloo, ni Oded Fehr, únicamente Brendan Fraser, no solo eso, sino que no van a eliminar a su genial personaje, Evelyn Carnahan, no, la van a sustituir por nada más y nada menos que Maria Bello, una gran actriz pero que de parecido tanto físico como interpretativo con Rachel Weisz tiene cero. En fin, habrá que acostumbrarse, aunque yo ya adelanto que aunque las dos primeras me encantaron, esta dudo muchísimo que la vaya a ver, vamos es que estoy casi segura de que no la veré a no ser que la emitan por la tele dentro de un par de años; ayer fue el centenario del nacimiento de Hergé, mundialmente conocido como el creador del personaje de Tintín. Además ya se ha anunciado que nada más y nada menos que Steven Spielberg y Peter Jackson van a rodar dos películas sobre las aventuras de Tintín, lo cual resulta muy pero que muy interesante, porque pueden salir dos grandes películas de ahí, espero con ansias más noticias al respecto; mañana tengo el último examen del curso, al final la Semana Fantástica a excepción del lunes fue bastante normalita y nada estresante, pero porque no he tenido que hacer las recuperaciones, sino la cosa está bastante mal organizada, pero bueno. Y nada, unos cuantos días tarde pero es lo que ha tenido la semana pasada, casi nada de tiempo libre, el viernes fue el estreno en España de la película Zodiac, de David Fincher y la fui a ver, ahora os dejo aquí mis impresiones. Ojo que puede haber SPOILERS:

Ficha Técnica:

Título Original: Zodiac

Año: 2007

País: USA

Duración: 158 min

Director: David Fincher

Guión: James Vanderbilt; basado en el libro de Robert Graysmith

Música: David Shire

Fotografía: Harris Savides

Montaje: Angus Wall

Diseño de producción: Donald Graham Burt

Vestuario: Casey Storm

Intérpretes: Jake Gyllenhaal, Robert Downey Jr., Mark Ruffalo, Anthony Edwards, Brian Cox, Elias Koteas, Donal Logue, John Carroll Lynch, Chloë Sevigny, Dermot Mulroney

Género: Crimen / Thriller
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Es el caso sin resolver por antonomasia. El comportamiento violento y destructivo de un loco que nunca ha sido atrapado; el escurridizo asesino de los mensajes cifrados que aterrorizó a la nación, el Jack el Destripador norteamericano. Se responsabilizó públicamente de 13 víctimas, luego de más, dos docenas más. La policía le atribuyó siete, cinco muertos. Puede que nunca se sepa el auténtico número de muertos. Una cosa es cierta: ese número incluye a los vivos. Basado en la historia real, "Zodiac" relata cómo un asesino en serie aterrorizó al área de la Bahía de San Francisco y se burló de las autoridades en cuatro jurisdicciones con sus claves y sus cartas durante décadas. Dar caza al cazador se convertiría en una obsesión para cuatro hombres, una obsesión que los convertiría en fantasmas de lo que eran antes, sus vidas construidas y destruidas por el innumerable rastro de pistas del asesino...

Hay más de una manera de entregar tu vida a un asesino. Este eslogan una vez vista Zodiac tiene múltiples lecturas posibles, la principal de ellas la podríamos encontrar en las víctimas que sufrieron los actos sin sentido del asesino en serie denominado por sí mismo Zodiac, que causó el temor en la ciudad de San Francisco en los años 70. Pero el doble juego lo encontramos porque en Zodiac se nos presenta otra situación, la que viven los protagonistas de la historia, los investigadores tanto profesionales como periodistas que se inmiscuyeron hasta tal punto en las investigaciones por encontrar al asesino en serie, que sus vidas cambiaron radicalmente, algunos sufrieron amenazas por el propio asesino, sus familias fueron puestas en peligro, pero aún así había algo en el caso que no les dejaba descansar, debían conseguir llegar hasta la clave. Con lo que, terminaron entregando sus vidas al asesino, no literalmente, pero sí en otros aspectos, sobretodo cuando sabemos que en la realidad (al igual que en la película) nunca se llega a buen puerto totalmente; cuando se empezó a hablar de Zodiac, y más desde hace un par de meses, me propuse una cosa, no ver ningún tráiler, ni vídeo, ni imagen, ni nada que me pudiera decir lo que iba a ver en la pantalla grande y sorprendentemente lo conseguí. Es difícil, porque puede llegar todo tipo de información tanto por Internet, como por revistas, anuncios y demás, pero dentro de lo que cabe se puede decir que fui a ver Zodiac la semana pasada sin saber demasiado, por no saber no conocía ni el final. Y la verdad es que así es mucho mejor, aunque quizá para muchos sea ahí donde falla, en que después de la ardua investigación a través de los años no puedan conseguir meter al asesino en la cárcel, muchos esperarán ahí el giro de guión adecuado que lleve la historia hacia un happy end, pero cuando nos referimos a una historia como esta, de un asesino real, que atemorizó a toda una ciudad hace años nos podemos imaginar que las cosas no terminarían de color de rosa. También mucha gente esperará ver en Zodiac una especie de thriller psicológico o película de terror, pero nada de eso, para ver ese tipo de cosas ya sabemos que películas debemos ver. Aquí David Fincher se centra en la investigación de los asesinatos que ocurrieron en los años 70 en Estados Unidos, por medio de un asesino en serie que se hizo llamar Zodiac, que tuvo atemorizada a la población durante varias décadas, que incluso se permitía el lujo de mandar mensajitos, códigos y enigmas a los periódicos para ver si así le cogían, un claro ejemplo de prepotencia en los límites; además, casi a la vez que en su estreno en España, Zodiac fue presentada en el Festival de cine de Cannes, donde forma parte de la Sección Oficial, por tanto opta a la Palma de Oro; bajo mi punto de vista Zodiac es una gran película rodada con gran precisión y minuciosidad por los detalles, para transmitir la historia basada en el libro de uno de los protagonistas (Robert Graysmith) con el mayor realismo posible, realismo que Fincher consigue sin despeinarse, creando algunos momentos de verdadera agonía en el espectador. Todo se nos cuenta a través de las investigaciones de periodistas y policías a los que Zodiac trajo de cabeza durante varias décadas, sin dejarles dormir hasta conseguir atraparle aún cuando todo el mundo se había olvidado de él.

No es necesaria demasiada presentación para David Fincher, director de Zodiac. Y no es necesaria porque es una cara conocida para la mayoría del público en general, que seguro han visto o han oído sobre algunas de sus películas, sobretodo El Club de la Lucha o Se7en; pero los inicios en el mundo del cine por parte del estadounidense no vinieron en la dirección, esto es un dato que yo no conocía hasta ahora, varios años antes de dirigir su primera película, David Fincher participó en los efectos especiales de nada más y nada menos que de El Retorno del Jedi, película que cerraba la Trilogía Original de George Lucas, fue el asistente de cámara. Pero su primera película ya sí como director fue Alien³, de la famosa saga protagonizada por Sigourney Weaver. Durante varios años se dedicó a hacer videoclips, para cantantes como Madonna y Sting, grupos como Aerosmith, etc. En el año 95 llegó su segunda película, la gran Se7en o Seven, como os guste más, protagonizada por Brad Pitt, Morgan Freeman y Gwyneth Paltrow, que le proporcionó su consolidación como uno de los directores más prometedores de los 90. Un par de años más tarde rodó The Game, protagonizada por Michael Douglas y Sean Penn, película que he de confesar, a día de hoy no he visto. Pero fue en 1999 cuando volvió a sorprender, y a arrastrar tanto críticas magníficas como abucheos (olvidemos este tema, porque siempre me parece absurdo), película protagonizada por Edward Norton, Brad Pitt y Helena Bonham Carter, y que además pudimos ver hace un par de semanas en televisión. Y su última película hasta ahora, antes de estrenar Zodiac, fue La Habitación del Pánico, con Jodie Foster, Kristen Stewart y el recientemente oscarizado Forest Whitaker; ante todo podemos decir que David Fincher tiene un estilo particular, que hemos podido ir viendo plasmado en sus películas anteriores, estilo que precisamente en Zodiac parece desaparecer, ya que si cogemos como ejemplo El Club de la Lucha y nos imaginamos a imagen y semejanza de ésta Zodiac, el resultado habría sido completamente opuesto a lo que en realidad es. Y personalmente, considero que para Zodiac el estilo de tanto Se7en como El Club de la Lucha iba a contracorriente, porque no nos encontramos ante un grupo de personas que se pegan mamporros porque su vida sea aburrida, ni tampoco al estilo de asesino en serie como en Se7ven, Zodiac es otra cosa, es real. Desde luego nos encontramos ante tres de las mejores películas de sus respectivos géneros (bastante afines entre sí) de los últimos años, pero Zodiac está creada desde la realidad, para mostrarnos lo que ocurrió pero sin pasarse. Es decir, evidentemente sabemos que se trata de un asesino, que va matando a la gente porque sí, por tanto es violento, y se nos muestra, pero no con la misma violencia que por ejemplo en El Club de la Lucha, es bastante sobrio en ese sentido. Uno de sus puntos a favor, que ha rodado las escenas de asesinatos con un pulso y una técnica brillante, la película comienza con el primero de los asesinatos, en un coche, bajo la única luz posible de los faros, otro a pleno día en un parque, el más violento, y así mostrándonos un par más, pero la película no trata de los asesinatos sino de la investigación de los mismos, así que no había razón para mostrarlo todo; además David Fincher nos envuelve en una enigmática ciudad de San Francisco, de los años 70, recreada a la perfección. Y por último, además de decir que a nivel de dirección es sobresaliente, también es un gran acierto el que el ámbito de la película recorra tanto el mundo de las películas de investigaciones, como el thriller, con toques de comedia, no habría sido lo mismo si se hubiera estancado por ejemplo en las investigaciones, sin aportar nada más.

Uno de los reclamos que posee Zodiac (si no vale solo con que la diriga Fincher) es su reparto protagonista, que todo hay que decirlo, están estupendos, incluyendo a los secundarios, aunque algunos sean casi vistos y no vistos; empecemos por Jake Gyllenhaal, ya que es gracias a su personaje por lo que conocemos de esta forma la historia de Zodiac. Él interpreta a Robert Graysmith, dibujante del San Francisco Chronicle, uno de los periódicos a los que Zodiac manda sus tarjetas de visita tras los asesinatos, donde se da a conocer, donde manda sus códigos y anagramas para traer por la calle de la amargura y tomar el pelo a todo el mundo. Parece ser el único que llegado cierto momento comprende el lenguaje de los códigos de Zodiac. Padre de un niño, recientemente separado de su mujer, un hombre modelo, no bebe, no fuma (una vez en el instituto), y comienza a obsesionarse con el tema de Zodiac, con lo que decide continuar con la investigación cuando la gente parece haberse olvidado del tema. Con ello conseguirá poner en peligro la vida de su familia y la suya propia, pero seguirá en el empeño hasta obsesionarse por completo. Al final termina escribiendo un libro sobre el caso, que como en la realidad, se convirtió en un best-seller. En un principio parecen hacernos ver que Jake Gyllenhaal en Zodiac es un secundario, ya que se centran más en otros personajes, como el de Robert Downey Jr., y el de Gyllenhaal está como parado en medio, únicamente dando pie a las escenas cómicas de Downey Jr., pero no es así, poco a poco se va haciendo con el liderazgo de la película, igual que poco a poco su búsqueda del asesino se convierte en obsesión, que no le dejará dormir y cambiará incluso su vida familiar. Hace relativamente poco que Gyllenhaal se convirtió en uno de mis actores favoritos, pero la verdad es que película tras película muestra el gran actor que es y el gran actor en el que se va a convertir con el paso de los años. De momento ya tiene una nominación al Oscar, evidentemente por Brokeback Mountain, quién sabe lo que vendrá en un futuro. Y aquí en Zodiac está estupendo, es el perfecto hombre modélico, que protagoniza muchas de las escenas más cómicas junto a Robert Downey Jr, y que también sabe inquietarnos con su búsqueda; junto a él tenemos a Robert Downey Jr., que interpreta a Paul Avery, un periodista del mismo periódico que Graysmith, que comenzará a investigar el caso de Zodiac, llegando incluso a ser amenazado por el asesino (gran escena la del confidente anónimo), que igual le da estar amenazado que te va a una cita con un informante anónimo en un lugar secreto. Hasta ahora Downey Jr. no me había demostrado demasiadas cosas, pero está claro que está encauzando su carrera por otros derroteros y que si él lo quiere puede hacer buenas interpretaciones. No me vale lo de que su pasado con el alcohol le haga clavado para el papel de Avery, eso precisamente haya sido incluso más duro. Está sensacional como Paul Avery, tanto en los momentos muy cómicos (la mayoría) como en los menos cómicos. Nos hace cercano su personaje, que nos muestra los entresijos del periódico, su relación de compañerismo con Graysmith que pasa por fases (le llaman el pirado al pobre Graysmith xD); con ellos tenemos a Mark Ruffalo, que interpreta al Inspector David Toschi, que por circunstancias de jurisdicción comienza a investigar el caso de Zodiac cuando éste asesina a un taxista en plena calle a la vista de unos niños que miraban aterrorizados desde su casa. Año tras año y aunque no consigue pruebas, ni datos concluyentes, ni nada que le ayude a meter a sus sospechosos en prisión él persiste, hasta que llegado el momento le relevan de su cargo. Entonces llega Graysmith a mostrarle su nueva "línea de investigación" y por medio de encuentros casuales y fortuitos le va dando las pocas pistas que puede darle de hasta dónde habían llegado en la investigación policial, ayudando así en parte a que Graysmith intente terminar la búsqueda. Ruffalo está estupendo, ni siquiera esa peluca años 70 es capaz de nublar su gran interpretación. Vemos como comienza sin interesarse demasiado en el caso (él con sus galletitas tiene suficiente) pero poco a poco también comienza a obsesionarle, tiene un claro sospechoso, pero no puede hacer nada, entonces cuando Graysmith le presenta una nueva oportunidad no puede rechazar ayudarle indirectamente; sobre los secundarios, están todos en su sitio. Chloë Sevigny tiene un papel en principio pequeño (sacó bastantes risas en la sala), que poco a poco se va haciendo un hueco aunque realmente tampoco aporta demasiado, pero está acertada en su papel. John Carroll Lynch interpreta a Arthur Leigh Allen el mayor sospechoso de ser Zodiac para la mayoría de los implicados en la investigación, aunque siempre consigue alejarse de las pruebas cuando estas son encontradas, creo que está perfecto. También tenemos a Brian Cox como Melvin Belli, presentador de televisión que se ofrece voluntario a realizar un programa especial solo para contactar con Zodiac y luego encontrarse con él en persona, aparece poco pero lo hace estupendamente, aunque su situación (supongo que ocurriría de manera parecida) me parece demasiado surrealista.
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La puesta en escena de las películas de David Fincher siempre es uno de los puntos fuertes de sus películas, al menos por lo general, y desde luego no iba a ser diferente en Zodiac; nos encontramos ante una magnífica recreación de la ciudad de San Francisco de los años 60 y 70, que es precisamente donde transcurre la mayor parte de la película, con los primeros asesinatos de Zodiac y la posterior investigación. El diseño de producción es por tanto clave en Zodiac, los escenarios, localizaciones, todo desprende ese aire de años 70, pero además de forma por decirlo de alguna forma "postiza", porque si la comparáramos con películas de la época incluso costaría diferenciar que se trate de una película de hoy en día, pero sin embargo como ya sabemos que es actual, que lo que estamos viendo ha sido recreado por y para la película, podemos sentir ese aire de estar viendo algo que puede pasar perfectamente por la época, pero aun a sabiendas de que no lo es, y se respira en el ambiente, seguramente que por expresa intención del propio Fincher. Por supuesto gran trabajo a nivel de vestuario y maquillaje, sobretodo en lo que a peinados se refiere (ojo al peinado de Mark Ruffalo). Toda la película está llena de detalles; también hay que hablar de la fotografía, que ayuda a crear esa atmósfera entre la idílica ciudad de San Francisco y el temor que provoca la existencia de Zodiac. Además, debemos fijarnos en cómo están rodadas las escenas de los asesinatos, tres de ellos bajo la oscuridad de la noche y con la simple luz de los faros de los coches, mientras que otra, la más violenta, es a plena luz del día, en un bonito parque soleado; en el montaje será donde la mayoría encontrará la mayor parte de las pegas posibles, la gran pega es su duración, demasiado larga quizá, ya que sobrepasa las 2 horas y media, y eso en algunas partes se hace notar. De todas formas, tampoco se puede decir que el ritmo de la película sufra alti-bajos pronunciados, durante todo el metraje se mantiene un pulso andante, sin prisas pero tampoco con pausas, ya que se trata de seguir prácticamente año por año toda la investigación, entrada incluso la década de los 90. También es verdad que hay un par de momentos en los que David Fincher quiere meter el toque de thriller de manera más pronunciada y realmente tampoco sé exactamente a qué fin son así esos momentos, ya que podría decirse que no aportan nada, pero se le perdona; la banda sonora sin destacar demasiado sobre las imágenes, ayuda a crear ambiente con lo que se nos está contando, sin que necesitemos mucho más a nivel auditivo para comprender ni aclimatarnos; el guión es clave en Zodiac, está escrito con precisión y meticulosidad, a partir de la novela del real Robert Graysmith (interpretado por Jake Gyllenhaal), que es precisamente a través de quien llevamos el recorrido de la historia. Es un complejo y detallado análisis de toda la investigación que se cernió sobre el famoso asesino en serie que asoló de temor a San Francisco y cercanías. Además encontramos muchos momentos cómicos, protagonizados en su mayoría por el personaje de Robert Downey Jr., algunos de ellos incluso compartidos con el de Gyllenhaal.
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Nos encontramos en definitiva, ante una gran película. David Fincher ha hecho un gran trabajo con Zodiac, que al contrario de lo que podría parecer a primera vista viniendo precisamente de él, está rodada desde la sobriedad. Puede pecar de ser demasiado larga, ya que su duración sobrepasa por poco las 2 horas y media de metraje, lo cual supone que a muchos no gustará, porque podrá llegar a cansarles. En Zodiac no se nos cuenta la vida del asesino, ni siquiera toda la serie de asesinatos que va cometiendo, sino la larga y desesperante investigación que iniciaron algunos sectores de la policía, incluido un dibujante, Robert Graysmith, que al final logró escribir un libro sobre el tema que se convirtió en un Best-Seller, así que no vayáis con intención de ver un thriller psicológico en el que veamos a un asesino en serie en acción, porque no es lo que vais a encontrar. Bien es cierto que sí que se nos muestran algunos de los asesinatos, rodados con precisión, resultando tremendamente realistas y estremecedores, un gran punto a favor de la dirección de Fincher. La puesta en escena es perfecta, con una completa recreación del San Francisco de la época de los primeros asesinatos, llegando incluso a las décadas de los 80 y 90, donde podemos percibir claramente la evolución. En cuanto al nivel interpretativo, los tres protagonistas están estupendos, Robert Downey Jr está perfecto como Paul Avery, proporcionando incluso muchísimos momentos cómicos, Jake Gyllenhaal mejora con el paso de los minutos llegando a estar estupendo, igual que Mark Ruffalo. Vamos, que estamos ante una de las mejores películas de lo que llevamos de año (que sean de 2007 claro). Y que Fincher consigue meternos el miedo en el cuerpo con su realismo. (^.^)

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Valoración: 9